Em um dos momentos mais simbólicos da SPFW N60, o estilista Luiz Claudio Silva, à frente da marca Apartamento 03, apresentou uma coleção que resgata a história, a elegância e a ancestralidade de um ícone esquecido do teatro brasileiro: Benjamim de Oliveira, o primeiro palhaço negro do Brasil. O desfile, celebrado no encerramento da semana de moda, marcou não apenas os 30 anos do evento, mas também um reencontro da moda com suas raízes culturais e sociais mais profundas.

A inspiração surgiu de uma imagem histórica: a fotografia de Benjamim de Oliveira vestindo fraque, publicada na capa de um dos maiores jornais brasileiros em 1901 — apenas três anos após a abolição da escravidão. A figura imponente de um homem negro, elegante e livre, simboliza o poder da autoafirmação e a resistência por meio da arte. Essa imagem foi o ponto de partida para que Luiz Claudio transformasse história em moda.

Benjamim de Oliveira: o artista que desafiou o tempo

Nascido em Pará de Minas, em 1870, Benjamim de Oliveira foi cantor, compositor, instrumentista e pioneiro do teatro-circo nacional. Sua trajetória foi marcada pela criatividade e pela quebra de barreiras raciais em um país recém-saído da escravidão. A pesquisa do estilista teve como base o livro Circo-teatro: Benjamim de Oliveira e a teatralidade circense no Brasil (2022), de Erminia Silva, além de fotografias cedidas pela família do artista.

Luiz Claudio imaginou como Benjamim se vestiria no presente. O resultado foi uma coleção que mistura sofisticação, melancolia e orgulho racial. Cada peça conta uma história de resistência, exaltando a figura do homem negro como símbolo de poder, beleza e talento.

Alfaiataria e teatralidade: o diálogo entre o passado e o presente

O desfile do Apartamento 03 SPFW N60 é uma celebração da alfaiataria contemporânea com alma histórica. Casacos alongados, calças amplas, coletes, camisas com rufos e capas estruturadas compõem o repertório visual da coleção. Os tons variam entre o dourado, o preto e o branco, com estampas gráficas em círculos e padronagens xadrez — uma tradução visual do universo circense e do dandismo da Belle Époque.

As formas arredondadas e volumosas remetem ao circo, com vestidos balonê, saias plissadas e conjuntos bordados com vidrilhos que refletem luz e movimento. Cada detalhe tem significado: as listras evocam a tenda do picadeiro, os drapeados lembram as cortinas do espetáculo, e as penas simbolizam proteção espiritual — uma conexão direta com rituais afro-brasileiros e o poder das encruzilhadas.

Moda com propósito: a força estética e política da coleção

Mais do que um exercício de estilo, o desfile de Luiz Claudio Silva foi um ato político e poético. Com 95% do casting formado por modelos negros, o estilista reafirmou seu compromisso em promover representatividade e redefinir o conceito de elegância no Brasil.

As peças dialogam com o repertório habitual da marca, conhecido por misturar alfaiataria clássica, materiais nobres e conceitos espirituais. Tecidos como seda, jacquard e lurex ganham protagonismo ao lado de superfícies tratadas com óleo de peroba, que simulam couro e escamas, criando texturas que remetem a ilusionismo — como se a passarela se tornasse o próprio picadeiro de Benjamim.

A magia dos detalhes: joias, acessórios e símbolos

Os acessórios criados em parceria com o designer Carlos Penna e o artista plástico Will completam o universo poético da coleção. Brincos, anéis e broches em metal e canutilhos ecoam a estética do circo e da sofisticação masculina do início do século XX. O destaque fica para as peças em formato de cadeira, uma alusão ao antigo costume do público levar seu próprio assento ao espetáculo.

Além disso, um retrato de Benjamim de Oliveira, assinado por Will, foi transformado em estampa, tornando o artista parte viva da coleção. Cartolas e bengalas reforçam o ar de requinte e teatralidade, evocando a memória da Belle Époque, período em que a arte e a moda eram expressões máximas de status e criatividade.

Entre a arte e o ativismo: o legado de Luiz Claudio Silva

A nova coleção do Apartamento 03 não é apenas uma homenagem, mas uma reflexão sobre o papel da moda como ferramenta de resistência cultural. Luiz Claudio Silva reafirma que o verdadeiro luxo está na narrativa, na ancestralidade e na emoção por trás de cada peça. Ao trazer Benjamim de Oliveira para o centro da passarela, o estilista resgata uma memória apagada e a transforma em arte contemporânea.

Sua abordagem reflete uma tendência global: o retorno às raízes identitárias e o reconhecimento da cultura negra como fonte inesgotável de inspiração. Ao unir estética e propósito, Luiz Claudio se posiciona como um dos criadores mais relevantes da moda brasileira atual.

A estética circense reinventada

O desfile também foi um espetáculo visual. Os tecidos, modelagens e texturas criaram uma narrativa que flutuava entre o sonho e a realidade. A influência circense se manifestou nas formas infladas, nos brilhos e nas composições coreografadas, em que cada movimento dos modelos parecia um ato de celebração.

O uso de materiais inusitados — como madeira tratada, lurex e jacquard geométrico — demonstra a busca por inovação e experimentação. Uma das peças mais comentadas foi uma saia quadrada coberta por losangos, que remete a uma mulher emergindo de uma caixa de ilusionismo, simbolizando o renascimento do olhar sobre a moda e a cultura afro-brasileira.

O impacto simbólico do desfile na SPFW N60

Apresentada no último dia do evento, a coleção do Apartamento 03 SPFW N60 coroou uma edição marcada por reflexões sobre diversidade, memória e futuro. A escolha de um elenco majoritariamente negro e o discurso estético da marca reafirmam o papel de Luiz Claudio como um dos grandes nomes da moda autoral brasileira.

Sua obra extrapola o campo do vestuário e alcança o território da arte e da identidade. Ao revisitar o passado e recontar histórias invisibilizadas, o estilista transforma o palco da moda em espaço de diálogo e reconhecimento.

Moda, memória e poder

O desfile do Apartamento 03 na SPFW N60 é um marco por sua potência visual e simbólica. A coleção combina o rigor técnico da alfaiataria com a sensibilidade artística de um criador que entende a moda como espelho da sociedade. Luiz Claudio não apenas vestiu modelos, mas contou uma história — uma narrativa que conecta o Brasil de 1901 ao de 2025, provando que a elegância e a resistência caminham lado a lado.

A mensagem é clara: ser negro, elegante e protagonista é, ainda hoje, um ato revolucionário. O legado de Benjamim de Oliveira, revivido em tecidos, cores e formas, transcende o tempo e reforça que a moda pode — e deve — ser instrumento de transformação social.

A marca Led transformou a passarela da SPFW N60 em um verdadeiro barracão de escola de samba. Em um cenário revestido por um tapete branco, com a imagem de Leci Brandão estampada no centro e Luciana Gimenez abrindo o desfile, a marca mineira apresentou uma coleção vibrante e profundamente conectada com a essência cultural do Brasil: o Carnaval.

Mais do que um espetáculo visual, o desfile da Led SPFW N60 foi uma celebração da arte popular, da manualidade e da resistência criativa brasileira. A apresentação trouxe para o centro da moda temas que atravessam o imaginário coletivo nacional — o trabalho artesanal, a alegria coletiva e a importância do lazer como expressão de liberdade.

O conceito da coleção Led SPFW N60: o Brasil em ritmo de Carnaval

O ponto de partida da coleção da Led na SPFW N60 foi o documentário Estou me guardando para quando o Carnaval chegar (2019), de Marcelo Gomes. A obra retrata o cotidiano dos moradores de Toritama, no sertão pernambucano — conhecida como a “capital do jeans” — e inspirou os estilistas Célio Dias e Cleu Oliver a refletirem sobre a relação entre trabalho, prazer e identidade cultural.

A coleção explora justamente esse contraste entre o cotidiano fabril e o esplendor da festa. O resultado foi uma moda que traduz a força criativa do povo brasileiro, transformando elementos do universo do trabalho em peças sofisticadas, cheias de energia e significado.

Entre os destaques da Led SPFW N60, aparecem os macacões de sarja e os conjuntos de denim decorados com charms de tesouras e fitas métricas — símbolos da labuta diária que ganha protagonismo poético na passarela.

Cores, símbolos e referências do Carnaval

A Led SPFW N60 trouxe um espetáculo de cores e formas que reinterpreta a estética carnavalesca com um olhar contemporâneo. O verde e rosa da Mangueira, escola símbolo de resistência e tradição, aparece em combinações exuberantes, dialogando com brilhos metálicos e detalhes de pedrarias.

Os costeiros e cabeças com contas metálicas, desenvolvidos em parceria com a designer mineira Sofia Penido, reforçam o caráter artesanal da marca. Já os vestidos volumosos, inspirados nas fantasias de Arlequim e Porta-Bandeira, evocam teatralidade e emoção, equilibrando leveza e impacto visual.

Ao mesmo tempo, a coleção não se limita à celebração: ela questiona o lugar da moda e da arte no país. Com ironia e crítica social, a Led coloca o Carnaval — muitas vezes tratado apenas como espetáculo — como símbolo de criatividade, resistência e identidade.

Do crochê ao denim: a Led em sua maturidade criativa

Com nove anos de trajetória na SPFW e 17 desfiles realizados, a Led alcançou um novo patamar criativo na N60. O crochê, técnica que deu origem à marca, ganha agora papel aspiracional e sofisticado.

A manualidade é reinterpretada em bodies franjados de algodão e seda, com transparências que deixam a pele à mostra, e em looks esculturais com bases estruturadas em arame, espuma e bambolê.

Além do apelo artístico, a marca também demonstrou sua força comercial. A coleção apresentou peças versáteis, com apelo urbano e identitário, como camisas bordadas com os nomes de Nelson Cavaquinho e Paulinho da Viola, estampas que remetem ao fuxico e frases de efeito como “Garoa”, “Sueño latino-americano”, “Piranhuda” e “Boca Livre”.

Essas referências consolidam o DNA da Led: moda com discurso, que valoriza o humor, a crítica e a autenticidade do povo brasileiro.

Materiais sustentáveis e inovação nos tecidos

Outro destaque da Led SPFW N60 foi a escolha de materiais naturais e sustentáveis. A marca incorporou cânhamo em vestidos longos e calças amplas, e linho em diversas gramaturas — desde versões mais rígidas, com textura semelhante à juta, até tecidos leves usados em saias balonê, shorts e bermudas.

Essa preocupação ambiental reforça o compromisso da Led com uma moda mais consciente, que une criatividade, responsabilidade e impacto social. O uso de fibras naturais e processos manuais fortalece a conexão entre tradição e futuro — valores cada vez mais essenciais na indústria da moda global.

Led SPFW N60: moda, festa e propósito

O desfile também refletiu um importante momento institucional da marca. No início de 2025, a Led foi escolhida para desenvolver as camisetas de um camarote patrocinado por uma grande cervejaria nos desfiles das escolas de samba de São Paulo. O sucesso da parceria levou à renovação do contrato para 2026, o que explica o retorno temático ao universo carnavalesco.

No entanto, a coleção da Led SPFW N60 não é apenas fruto de uma estratégia de marketing. Ela representa uma continuidade natural da narrativa da marca, que sempre esteve ligada ao fervo, à alegria e à liberdade.

O encerramento do desfile traduziu esse espírito: toda a equipe da marca surgiu vestindo camisetas com a frase “Não deixe a moda nacional morrer”, antes de seguir para fora da passarela ao som de uma bateria de escola de samba. Um gesto simbólico e poderoso que sintetiza o manifesto da Led: a moda brasileira precisa resistir, celebrar e ocupar seu espaço.

A força simbólica da Led SPFW N60

A Led SPFW N60 é um exemplo de como a moda pode ser ferramenta de reflexão cultural. Ao resgatar a energia do Carnaval, a marca não apenas celebra a estética da festa, mas também reafirma o valor da cultura popular e o trabalho invisível de milhares de artesãos e criadores.

Cada look é uma homenagem àqueles que constroem o Brasil real — o das costureiras, sambistas, operários e artistas que dão vida à maior festa do mundo. A Led traduz esse sentimento em roupas que contam histórias, unem tradição e modernidade e provocam o público a olhar para o país com mais sensibilidade.

Mais do que um desfile, a Led SPFW N60 foi uma declaração de amor ao Brasil e à sua gente. Um grito de resistência em forma de arte.

A Led e o futuro da moda nacional

Com o desfile Led SPFW N60, a marca mineira reafirma seu papel como uma das principais vozes da moda autoral brasileira. Ao misturar crítica social, emoção e estética carnavalesca, a Led constrói uma narrativa poderosa sobre identidade, pertencimento e renovação.

A coleção sintetiza o que há de melhor na nova geração de criadores nacionais: consciência, representatividade e liberdade criativa. No fim, o recado é claro — enquanto houver samba, arte e expressão, a moda brasileira seguirá viva e pulsante.

O estilista Amir Slama marcou seu retorno triunfante à São Paulo Fashion Week (SPFW N60) com um desfile memorável que celebrou 35 anos de moda praia e reafirmou sua importância como um dos grandes nomes da moda brasileira. Conhecido como o criador da categoria beachwear de alta moda, Slama apresentou uma coleção que combinou memória, inovação e ativismo ambiental — um tributo à sua própria trajetória e à força criativa da Amazônia.

O desfile, realizado no dia 19 de outubro, reuniu um casting estrelado com nomes icônicos das passarelas, como Claudia Liz, Isabella Fiorentino, Gianne Albertoni, Pathy Dejesus, Cassia Ávila e Vivi Orth, em uma atmosfera nostálgica e ao mesmo tempo vanguardista.

Um retorno que faz história

A presença de Amir Slama no SPFW N60 carrega um simbolismo especial. O estilista participou da primeira edição do evento, ainda sob o nome Morumbi Fashion, com sua icônica marca Rosa Chá. Desde então, sua trajetória se entrelaça à própria história da moda nacional, com desfiles que sempre aliaram sensualidade, brasilidade e sofisticação técnica.

Dessa vez, Slama optou por revisitar os marcos de sua carreira sob uma nova perspectiva. A coleção propôs um diálogo entre passado e presente, entre o Brasil moderno e o Brasil ancestral, e mostrou como o olhar contemporâneo da moda pode se reconectar com suas raízes culturais e ambientais.

A Amazônia como inspiração central

O estilista Dario Mittmann consolidou-se como um dos nomes mais provocativos da nova geração da moda brasileira. Na SPFW N60, ele levou à passarela uma coleção que ultrapassa o conceito de vestuário para se tornar uma performance sobre poder, ambição e cultura urbana. Inspirado no jogo Monopoly — o clássico tabuleiro que simboliza a disputa por riqueza e propriedades — o designer apresentou o desfile “Monopoly: Young Money”, uma reflexão contemporânea sobre as novas formas de vencer dentro e fora da passarela.

O universo criativo de Dario Mittmann

Desde o início de sua trajetória, Dario Mittmann nunca tratou a moda como uma simples vitrine de roupas. Suas criações são narrativas visuais que combinam ironia, crítica social e humor inteligente. Já colocou Deborah Secco vestida de robô para representar a inteligência artificial e fez desfiles inspirados no streetwear falsificado, explorando os paradoxos do consumo e do status.

Na SPFW N60, o estilista resgata esse mesmo espírito provocador, unindo estética pop, crítica social e storytelling em um espetáculo visual que questiona as estruturas de poder e o significado do sucesso.

Monopoly: Young Money — o novo luxo sob outra ótica

O nome do desfile, “Monopoly: Young Money”, já anuncia a inversão de lógica que Mittmann propõe. Em um mundo obcecado por heranças e legados de “old money”, o criador celebra a ascensão da nova geração, que conquista espaço e fortuna por mérito, carisma e criatividade.

No lugar da discrição aristocrática, o desfile exalta a energia das ruas, a irreverência dos empreendedores digitais, artistas independentes e influenciadores que redefinem o conceito de poder econômico. Essa narrativa se manifesta em uma alfaiataria com perfume streetwear, onde blazers amplos, calças esportivas e recortes arrojados constroem a imagem de uma juventude que busca liberdade sem abrir mão do estilo.

A proposta é clara: substituir o luxo herdado pelo luxo conquistado. Em vez de ostentar, a coleção fala de autenticidade e movimento, elementos que definem a cultura urbana contemporânea.

O equilíbrio entre alfaiataria e streetwear

Na coleção apresentada por Dario Mittmann na SPFW N60, a alfaiataria tradicional ganha proporções modernas e esportivas. O designer brinca com a ideia de um executivo que, ao sair do escritório, está pronto para correr ou dançar — um híbrido entre o universo corporativo e o urbano.

Os ternos aparecem com volumes amplos, tecidos leves e cortes assimétricos. As modelagens fogem do convencional e sugerem fluidez, como se o corpo se movimentasse em liberdade. O contraste entre formalidade e descontração é um dos pontos centrais da narrativa visual, transformando a roupa em um manifesto sobre flexibilidade e autenticidade.

Cores, volumes e ironia visual

A estética de Dario Mittmann SPFW N60 é marcada pela mistura de exagero, ironia e teatralidade. Casacos de pelúcia em tons vibrantes convivem com camisas metalizadas e conjuntos de moletom com inscrições em pedrarias. As minissaias pregueadas surgem combinadas a botas de vinil vermelho, remetendo à mistura entre o lúdico e o sensual.

O desfile também trouxe vestidos de tule, renda e organza em tons pastel e efeito iridescente, explorando o lado fantasioso do universo do jogo. O equilíbrio entre o humor e o glamour torna o espetáculo um dos mais comentados da temporada, reafirmando o talento de Mittmann para traduzir mensagens complexas em moda acessível e divertida.

A estreia dos acessórios label de Dario Mittmann

Entre as novidades, um dos momentos mais marcantes do desfile foi o lançamento da primeira linha de acessórios da label. As peças seguem o DNA irreverente do estilista, unindo design lúdico e crítica visual. Bolsas em formato de e-mail, dado, casa e maleta de escritório surgem como metáforas das dinâmicas de trabalho e status na era digital.

Esses acessórios não são apenas complementos, mas elementos narrativos, símbolos do jogo moderno em que se misturam vida profissional, imagem pública e ambição pessoal.

O casting que reflete o espírito “Young Money”

O desfile de Dario Mittmann na SPFW N60 não se destacou apenas pelas roupas, mas também pelo casting simbólico. No lugar de modelos tradicionais, o estilista escolheu nomes que representam sucesso construído com esforço e talento próprio — uma metáfora perfeita para o tema do espetáculo.

Entre os convidados estavam Xamã, Duquesa, MC PH, Kayblack, Paulinho (do Palmeiras) e Grag Queen. Cada um deles representa uma trajetória de superação e autenticidade, reforçando a ideia de que o novo luxo está na liberdade de ser quem se é.

Essa escolha também traduz a essência inclusiva e democrática da marca: a moda como plataforma de expressão, onde cada indivíduo pode ser protagonista de sua própria história.

Humor, crítica e autenticidade: a essência de Mittmann

Ao longo dos últimos anos, Dario Mittmann tem construído um repertório sólido de moda performática, capaz de unir crítica social e estética vibrante. Seus desfiles questionam o papel da moda como símbolo de status, propondo uma reflexão sobre o que significa ter poder no século XXI.

Na SPFW N60, o estilista reafirma seu compromisso com a liberdade criativa e o olhar crítico sobre o mercado. Cada peça carrega uma dose de ironia e teatralidade, mas também um profundo entendimento da cultura pop e do comportamento contemporâneo.

SPFW N60 e a nova geração de criadores brasileiros

A SPFW N60 reforça o papel de Dario Mittmann como uma das vozes mais originais da cena brasileira. Seu trabalho dialoga com a geração digital, que vê a moda não apenas como vestimenta, mas como plataforma de discurso e identidade.

A provocação de Mittmann se alinha ao movimento global de criadores que transformam desfiles em performances conceituais, nas quais cada look é um fragmento de uma narrativa maior. No caso de “Monopoly: Young Money”, essa narrativa fala sobre autonomia, conquista e subversão das hierarquias tradicionais do luxo.

A filosofia Young Money: vencer à própria maneira

O conceito de Young Money, segundo o estilista, é uma resposta direta à ideia ultrapassada de que o sucesso depende de heranças ou conexões. Mittmann celebra quem cria o próprio império com autenticidade, unindo trabalho, criatividade e propósito.

Essa filosofia se reflete não apenas na estética do desfile, mas também na sua postura no mercado. Desde que entrou para o line-up oficial da SPFW, o designer demonstra que o caminho da moda autoral brasileira pode ser ousado, performático e economicamente viável.

Com seu humor característico, o estilista costuma afirmar que a jornada é feita de degraus infinitos — e que o segredo é manter os pés no chão e a cabeça nas nuvens. Uma metáfora perfeita para quem equilibra arte, empreendedorismo e irreverência.

O impacto cultural da coleção

A coleção Dario Mittmann SPFW N60 ultrapassa o universo da moda e entra no campo do comentário cultural. Ao transformar o jogo Monopoly em metáfora, o estilista convida o público a refletir sobre a corrida capitalista contemporânea, onde status, consumo e imagem são peças do mesmo tabuleiro.

Seu desfile se torna uma espécie de espelho social, no qual os símbolos do luxo são distorcidos com humor, revelando as contradições do desejo moderno. É essa combinação de inteligência estética e provocação que coloca Mittmann entre os nomes mais relevantes da nova geração de criadores.

Moda como manifesto

A presença de Dario Mittmann na SPFW N60 reafirma a potência criativa do estilista e sua capacidade de usar a moda como instrumento de reflexão. O desfile “Monopoly: Young Money” não é apenas uma coleção, mas um manifesto sobre autonomia, irreverência e transformação cultural.

Mittmann continua a provar que o verdadeiro luxo está em criar, questionar e inspirar — não em herdar. E com isso, consolida-se como um dos principais representantes da moda autoral brasileira, capaz de unir crítica social, performance e estilo em uma só narrativa.

Em um momento em que sustentabilidade se torna cada vez mais um estilo de vida, a Lojas Renner S.A. apresenta sua nova coleção cápsula algodão regenerativo Renner, um lançamento que combina inovação, impacto social e design sofisticado. Cada peça traduz a preocupação da marca com o meio ambiente e reforça a importância de repensar o consumo de moda, alinhando estética, consciência e funcionalidade.

A coleção é fruto de um processo que começa na Baixada Cuiabana, em Mato Grosso, onde a varejista, em parceria com a startup FARFARM e a Universidade Federal de Mato Grosso (UFMT), apoia famílias agricultoras no cultivo de algodão natural, livre de agrotóxicos, respeitando a biodiversidade e fortalecendo o ecossistema local.

O projeto, que vem sendo desenvolvido ao longo dos últimos anos, transforma o algodão agroflorestal em uma matéria-prima sustentável e inovadora. O cultivo em sistemas de agrofloresta, que combinam milho, feijão e hortaliças, recria o funcionamento natural das florestas e promove a regeneração do solo, captura de carbono e aumento da biodiversidade. Além disso, a iniciativa contribui para a segurança alimentar e diversificação da renda das comunidades locais, estabelecendo um ciclo virtuoso que conecta campo e moda.

Do campo à moda: impacto social e ambiental

Cada peça da coleção cápsula algodão regenerativo Renner carrega a história de quem cultivou e produziu o algodão, refletindo o compromisso da marca com a circularidade e a responsabilidade social. O conceito alia moda atemporal e design funcional com práticas agrícolas regenerativas, tornando cada roupa um símbolo de inovação sustentável.

A coleção inclui peças em jeans e sarja com modelagens amplas, que reinterpretam a alfaiataria tradicional sob uma ótica contemporânea e funcional. Entre os cortes, destacam-se o barrel e as pantalonas, além de jaquetas estruturadas e peças utilitárias que equilibram conforto e sofisticação. A paleta de cores neutras e terrosas — incluindo off white, bege e marrom — reforça o estilo minimalista e atemporal, pensado para acompanhar o ritmo de quem busca moda com significado.

Detalhes que revelam cuidado e responsabilidade

Cada peça da coleção cápsula algodão regenerativo Renner demonstra atenção meticulosa aos detalhes: desde a textura dos tecidos até o caimento final. A marca valoriza a transparência no processo de produção, evidenciando que beleza e responsabilidade ambiental podem coexistir.

O lançamento também inclui peças da marca Ashua, voltada ao público curve e plus size, reafirmando o compromisso da varejista com inclusão e diversidade corporal. O design pensado para diferentes tipos de corpo garante que a moda responsável alcance um público mais amplo, tornando a proposta estética acessível e plural.

Moda consciente: inovação e propósito

A coleção cápsula algodão regenerativo Renner é apresentada em uma campanha multiplataforma que combina moda, conteúdo e propósito. Um minidocumentário no YouTube e ações com influenciadores mostram o percurso do algodão — do cultivo nas agroflorestas à confecção das peças — destacando histórias reais de agricultores, pesquisadores e profissionais da marca.

As filmagens nas próprias agroflorestas de Mato Grosso evidenciam a conexão entre natureza, tecnologia e design, reforçando visualmente o compromisso da Renner com um futuro mais consciente e sustentável. A estreia ocorreu durante o Rio Ethical Fashion, no Museu do Amanhã, evento no qual a varejista foi copatrocinadora.

Design atemporal e minimalista

A coleção mantém o equilíbrio entre moda funcional e estética refinada, com cortes amplos, cores neutras e tecidos naturais que valorizam o corpo sem sacrificar o conforto. A alfaiataria moderna se combina com peças utilitárias, como jaquetas estruturadas e pantalonas, oferecendo versatilidade para o dia a dia.

A proposta da Renner reforça a ideia de que moda pode ser sustentável sem abrir mão do estilo, criando peças que duram, são elegantes e refletem responsabilidade social e ambiental.

Inclusão e diversidade como pilares

A presença da linha Ashua dentro da coleção cápsula algodão regenerativo Renner amplia o acesso a um vestir consciente para tamanhos plus size e curve, fortalecendo o compromisso da marca com inclusão e diversidade. Cada peça foi desenvolvida para respeitar e valorizar diferentes tipos de corpos, provando que moda responsável pode ser plena e democrática.

Essa abordagem estratégica consolida a posição da Renner como referência em moda responsável na América Latina, mostrando que sustentabilidade, estética e pluralidade podem caminhar juntas.

Compromisso público com sustentabilidade

Com mais de cinco décadas de história, a Lojas Renner S.A. já tornou cerca de 80% de seus produtos de vestuário mais sustentáveis, e a meta é atingir 100% até 2030. A coleção cápsula algodão regenerativo Renner reforça esse compromisso, colocando consciência, durabilidade e ética no centro da produção.

Cada peça é mais do que roupa: é uma declaração de moda responsável, que combina qualidade, estilo e impacto social positivo, demonstrando que o futuro do setor de vestuário pode ser inovador e sustentável ao mesmo tempo.

Moda com propósito: o futuro do vestuário sustentável

A coleção evidencia que a Renner não apenas segue tendências, mas cria soluções duráveis e significativas, alinhadas a um consumo consciente. O algodão regenerativo e a produção em sistemas agroflorestais mostram que moda, sustentabilidade e impacto social podem coexistir de maneira harmônica, inspirando o setor a adotar práticas mais responsáveis.

A nova linha é um convite para repensar o vestir, lembrando que cada escolha de consumo influencia o planeta, fortalecendo o conceito de circularidade e moda ética.

A coleção cápsula algodão regenerativo Renner consolida a trajetória da varejista como uma referência em moda responsável, combinando estética, funcionalidade, inclusão e sustentabilidade. Cada peça é fruto de um ciclo virtuoso que conecta campo, produção e consumidor final, reforçando que vestir-se bem também é cuidar do mundo.

O lançamento representa um passo significativo na transformação do setor de moda brasileiro, provando que inovação, responsabilidade ambiental e impacto social podem caminhar lado a lado.

Ao longo das últimas três décadas, o jeans brasileiro deixou de ser apenas um símbolo de juventude e rebeldia para tornar-se uma referência de inovação, estilo e identidade nacional. Desde os anos 1990, quando o calendário oficial da moda brasileira foi lançado, o denim era o fio condutor de uma indústria que pulsava nas grandes capitais e movimentava milhares de empregos diretos. Hoje, o cenário é outro — mais plural, descentralizado e desafiador —, mas o tecido que vestiu gerações ainda dita comportamento e tendência.

A presença do jeans nas passarelas da São Paulo Fashion Week (SPFW) continua sendo um testemunho da relevância desse material na construção da estética brasileira. A história da moda nacional está costurada por ele: das coleções icônicas da Zoomp, Ellus e Forum, que marcaram os anos 80 e 90, até as releituras autorais de grifes contemporâneas como Amapô, que reinterpretam o jeans em linguagem experimental e urbana.

Do glamour das passarelas à democratização do Brás: o novo mapa do jeans brasileiro

Quando o calendário oficial de moda foi lançado no Brasil, o mercado era dominado por um público jovem e por marcas que faziam do jeanswear a base de seu negócio. Essa fase foi marcada pela ascensão de grifes que conseguiram transformar um tecido operário em objeto de desejo fashion.

Hoje, no entanto, o ecossistema do jeans brasileiro é mais pulverizado. A produção, que antes estava centralizada em grandes marcas, encontra seu novo polo criativo em regiões como o Brás e o Bom Retiro, em São Paulo. É ali que nascem as modelagens mais desejadas do momento, com microempreendedores, confecções familiares e novos designers que buscam reposicionar o jeans como expressão popular e democrática.

Segundo Carolina Gold e Pitty Talliani, da marca Amapô, o panorama atual é múltiplo e descentralizado:

“O mercado brasileiro era dominado pelas grandes marcas, das quais nós também éramos super fãs. Zoomp, Forum, Ellus… Foi bem no momento em que o mercado se abriu para marcas internacionais, mas não tinha novidade brasileira. A gente chegou nesse lugar! Hoje, o jeans está no Brás e Bom Retiro, com modelagens do momento. Está bem pulverizado. O jeans é democrático, mas falta uma pessoa nova.”

A fala das designers sintetiza a transformação do setor. O jeans nacional continua sendo símbolo de liberdade, mas agora em outro formato: o de um mercado plural e inclusivo, que reflete a diversidade de corpos, estilos e narrativas do país.

Os anos 90 e o apogeu do jeans na moda brasileira

Para compreender o presente, é necessário revisitar os anos 1990 — o período de ouro da moda jeans no Brasil. Essa década marcou o auge de marcas como Ellus, Zoomp e Forum, que elevaram o jeanswear à categoria de alta moda. Os desfiles dessas etiquetas eram aguardados com a mesma expectativa que as grandes maisons internacionais.

De acordo com Adriana Bozon, diretora criativa da Ellus, o jeans era o coração da moda nacional:

“Nos anos 90, tivemos uma época muito forte do jeans. As maiores marcas de moda eram pautadas por ele. Forum e Zoomp eram nossos principais concorrentes, e a disputa era intensa. Com o tempo, o mercado se diversificou. Hoje, tanto no Brasil quanto no mundo, há marcas relevantes que não são apenas pautadas pelo jeans. Isso acompanha a evolução do estilo de vida e do desejo de moda.”

O depoimento de Bozon reforça uma verdade: o jeans acompanhou as mudanças culturais e econômicas do país. Ele refletia o espírito da época — urbano, jovem, moderno e sensual. Vestir jeans era um gesto de pertencimento a um Brasil que se industrializava, se globalizava e, ao mesmo tempo, buscava identidade própria.

O papel histórico das grifes icônicas: Ellus, Zoomp e Forum

O trio Ellus, Zoomp e Forum formou o eixo criativo que definiu o estilo jeans brasileiro. Cada marca possuía uma linguagem própria:

• Zoomp apostava na sensualidade e na comunicação ousada.

• Forum, criada por Tufi Duek, representava a sofisticação e o glamour urbano.

• Ellus, por sua vez, desenvolveu uma assinatura de rebeldia refinada, misturando atitude e técnica.

Essas marcas não apenas dominaram as passarelas, mas também consolidaram o jeans como símbolo de status, aproximando o público da moda de luxo. O tecido, que antes era sinônimo de trabalho e resistência, passou a ocupar vitrines premium e a representar liberdade criativa.

O sucesso foi tamanho que o Brasil se tornou, por anos, referência mundial em design de jeanswear, exportando não apenas peças, mas estilo.

A chegada das marcas internacionais e a reinvenção do mercado nacional

O início dos anos 2000 trouxe uma nova onda de desafios. A abertura comercial e a chegada de marcas internacionais como Levi’s, Diesel e Guess transformaram o cenário competitivo. O consumidor passou a ter acesso a novos padrões de qualidade e tendências globais.

Enquanto algumas marcas nacionais sofreram para manter sua relevância, outras enxergaram nessa mudança uma oportunidade de reinvenção estética e produtiva. Foi nesse contexto que surgiram nomes independentes como Amapô, Blue Man e Triton Jeans, que reinterpretaram o denim sob uma ótica experimental e urbana, próxima das novas gerações.

Essas grifes resgataram o espírito provocador do jeanswear, mas com novas camadas de discurso — incluindo temas como sustentabilidade, inclusão e representatividade. O jeans brasileiro, portanto, não desapareceu: ele se transformou.

Gloria Kalil e a gênese do jeans moderno no Brasil

A história do jeans no Brasil não seria completa sem mencionar o papel de Gloria Kalil, jornalista e empresária pioneira que ajudou a consolidar o setor.

Ela recorda que, no final dos anos 1970, introduziu no país a marca italiana Fiorucci, ícone do estilo jovem europeu, que unia moda e estilo de vida.

“No final dos anos 70, trouxe para o Brasil a Fiorucci, a primeira marca jovem onde o jeans e o estilo de vida eram uma coisa só. Já havia indústrias de jeans aqui, mas a vinda da Fiorucci deu uma referência para um movimento que já estava acontecendo. O jeans é uma moda de volume e precisa de produção em escala. Naquela época, a indústria da moda teve grande importância e empregava muita gente. Hoje isso mudou.”

A chegada da Fiorucci marcou o início da conexão entre moda e comportamento no Brasil. O jeans passou a ser parte da cultura pop, presente em novelas, videoclipes e nas ruas — uma roupa que traduzia liberdade e juventude.

O impacto do jeans nas semanas de moda e no SPFW

Durante os anos de consolidação do São Paulo Fashion Week (SPFW), o jeans sempre teve papel de destaque. Ele era o elo entre a moda de passarela e o consumo real, conectando a criação autoral ao desejo popular.

Desfiles históricos das marcas Ellus, Triton, Cavalera e Amapô transformaram o denim em protagonista. O jeans não era apenas um tecido, mas um manifesto — uma tela sobre a qual estilistas brasileiros escreviam sua própria narrativa.

Hoje, o SPFW mantém o jeans como um dos símbolos de identidade nacional. A presença de novas marcas que trabalham com reuso, customização e técnicas artesanais reforça a ideia de que o denim brasileiro continua sendo um laboratório de inovação.

A nova era do jeans: sustentabilidade e propósito

Na última década, a sustentabilidade tornou-se o eixo central do discurso de moda em todo o mundo — e o jeans, um dos produtos mais desafiadores nesse sentido, precisou se reinventar. A produção tradicional de denim consome grandes volumes de água e energia, e novas soluções vêm sendo implementadas por marcas brasileiras para reduzir o impacto ambiental.

Iniciativas como lavagens a seco, tingimentos naturais e reaproveitamento de tecidos transformaram o jeans em símbolo de consciência. Grifes como Amapô, Ellus e Reptilia investem em denim sustentável, utilizando algodão orgânico e processos de baixo impacto.

O jeans brasileiro de 2025 é mais do que uma tendência: é um símbolo de reconstrução da indústria da moda nacional — um tecido que carrega passado, presente e futuro em cada fibra.

O jeans como espelho da sociedade brasileira

O sucesso e as transformações do jeans no Brasil sempre refletiram as mudanças do próprio país. Nos anos 80 e 90, o denim era símbolo de ascensão social; nos 2000, virou objeto de desejo global; e agora, em 2025, assume o papel de manifesto social e ambiental.

Nas palavras de Gloria Kalil, o jeans continua sendo o tecido da maioria — e é justamente essa democratização que o mantém relevante. Ele une classes, estilos e gerações, sendo uma das raras linguagens universais da moda.

O jeans que vestiu o Brasil continua a fazer história

Do auge das passarelas da Zoomp e Ellus às costuras artesanais do Brás, o jeans brasileiro se mantém como um pilar da moda nacional. Sua trajetória, contada por estilistas, jornalistas e marcas, revela muito mais do que uma tendência: é a história de um país que aprendeu a se expressar através do vestir.

O SPFW continua sendo o palco onde esse tecido icônico se reinventa, agora com novas vozes, novos discursos e novas causas. A era da moda jovem e industrial deu lugar a um tempo de autoria, propósito e sustentabilidade — mas o jeans, esse eterno clássico, continua sendo o coração da moda brasileira.

Há 15 anos, quando a designer Celina Hissa começou a combinar palha de carnaúba ao crochê na criação de bolsas, ela estabeleceu a assinatura da marca. Hoje, o desfile não apenas revisita essa origem, mas também reafirma a evolução da Catarina Mina sob um olhar maduro, capaz de transformar técnicas artesanais em peças de alta moda com relevância internacional.

Do Ceará para o mundo: fortalecimento das comunidades de artesãos

Ao longo dos anos, a marca Catarina Mina estruturou uma rede sólida de artesãos no interior cearense, fortalecendo saberes tradicionais e transformando-os em produtos contemporâneos. Essa metodologia não apenas preserva técnicas ancestrais, como também cria um modelo econômico sustentável e replicável.

Hoje, grupos de outras regiões do Brasil buscam seguir o exemplo da Catarina Mina, reconhecendo a eficiência e a dedicação do processo. O foco não está apenas no produto final, mas na construção de um ecossistema que valoriza o trabalho artesanal, garantindo qualidade, inovação e continuidade cultural.

Parcerias que valorizam o artesanato brasileiro

A coleção Catarina Mina SPFW 2026 amplia a diversidade artesanal com colaborações de diferentes estados. Entre os destaques:

• Bordado de Caicó (Rio Grande do Norte): inspirado na flora da caatinga, adiciona relevância regional à linha;

• Renda Richelieu (Maranguape, Ceará): tradição histórica transformada em peças contemporâneas;

• Rendas de bilro, palha e crochês: característicos da marca, agora reinterpretados com novas formas e estampas.

Alguns produtos passam por pequenas adaptações para aumentar competitividade e praticidade, sem perder a autenticidade artesanal. Esse equilíbrio entre tradição e inovação é essencial para o posicionamento da marca no mercado nacional e internacional.

O crochê como detalhe estratégico

Na coleção Catarina Mina SPFW 2026, o crochê aparece de maneira pontual, facilitando a confecção e permitindo que os elementos tradicionais se misturem com cortes modernos. A carnaúba, além de matéria-prima, é explorada de formas inusitadas:

• Transformada em saias e cintos esculturais;

• Aplicada em estampas aquareladas, adicionando um toque artístico às peças;

• Integrada em acessórios diversificados, como bolsas sacola e pochetes, atendendo demandas de lojas em São Paulo, Fortaleza e showrooms internacionais em Paris e Nova York.

Essa abordagem reflete a visão de Celina Hissa de expandir o conceito de artesanato brasileiro, indo além do estereótipo hippie ou festivo associado à produção manual.

Estilo, funcionalidade e sustentabilidade

O desfile demonstra que Catarina Mina SPFW 2026 não se limita à estética: cada peça é pensada para gerar impacto econômico e social positivo, promovendo viabilidade e continuidade para os artesãos envolvidos.

Exemplos de combinações presentes na coleção incluem:

• Tops e saias vazadas com círculos cobertos por crochê;

• Camisas de seda, vestidos de linho e conjuntos de cambraia de rami;

• Tênis e calçados que unem conforto, estilo e funcionalidade.

A proposta da marca é criar roupas que dialoguem com o cotidiano e com o mercado global, mostrando que o artesanato brasileiro pode ser competitivo, moderno e sustentável.

Colaboração internacional com a Veja

Um dos destaques do desfile Catarina Mina SPFW 2026 é a primeira parceria internacional da marca: a colaboração com a francesa Veja, resultando em uma papete exclusiva.

As peças unem o crochê artesanal das artesãs da Catarina Mina à experiência em calçados da marca francesa. Cada sapato é costurado manualmente, reforçando o compromisso da designer com qualidade, sustentabilidade e inovação no design.

A maturidade da marca e a evolução do design

Ao longo de 15 anos, Catarina Mina consolidou sua identidade, equilibrando tradição artesanal e inovação estética. O desfile do verão 2026 demonstra que a marca não apenas mantém suas raízes, mas também evolui com maturidade:

• Materiais naturais e regionais são transformados em objetos de moda contemporânea;

• Detalhes de crochê e renda adicionam exclusividade e refinamento;

• Acessórios e estampas aquareladas elevam a coleção a um nível internacional.

Esse amadurecimento reflete a filosofia da marca: criar produtos que respeitem o trabalho manual, valorizem a cultura local e dialoguem com o público global.

Sustentabilidade e impacto social como pilares

O uso da carnaúba exemplifica o compromisso da marca com a sustentabilidade. Cada parte da planta é aproveitada, reduzindo desperdícios e promovendo um ciclo de produção consciente. Além disso, o investimento contínuo em comunidades de artesãos fortalece o desenvolvimento econômico regional, criando um modelo replicável para outras regiões do Brasil.

Essa abordagem demonstra que a moda pode ser lucrativa, sustentável e socialmente responsável, sem comprometer o design ou a estética.

Tendências e relevância internacional

O desfile Catarina Mina SPFW 2026 confirma o papel da marca como referência no artesanato de luxo brasileiro. A presença em showrooms internacionais e parcerias com marcas globais como a Veja reforçam que o design sustentável brasileiro tem espaço e reconhecimento no mercado de moda mundial.

A coleção une praticidade, sofisticação e consciência ambiental, provando que a moda artesanal pode ser contemporânea, competitiva e relevante internacionalmente.

Conclusão natural do legado Catarina Mina SPFW 2026

O verão 2026 da Catarina Mina consolida a trajetória da marca como exemplo de inovação artesanal, sustentabilidade e design contemporâneo. A coleção combina tradição, maturidade estética e estratégias comerciais inteligentes, garantindo que a marca continue a influenciar o cenário da moda brasileira e internacional.

Catarina Mina prova que o artesanato brasileiro vai muito além de rótulos festivos, posicionando-se como referência de qualidade, criatividade e impacto social positivo. O futuro da marca aponta para uma consolidação global, mantendo firme a conexão entre arte, cultura e moda sustentável.