Em um dos momentos mais simbólicos da SPFW N60, o estilista Luiz Claudio Silva, à frente da marca Apartamento 03, apresentou uma coleção que resgata a história, a elegância e a ancestralidade de um ícone esquecido do teatro brasileiro: Benjamim de Oliveira, o primeiro palhaço negro do Brasil. O desfile, celebrado no encerramento da semana de moda, marcou não apenas os 30 anos do evento, mas também um reencontro da moda com suas raízes culturais e sociais mais profundas.

A inspiração surgiu de uma imagem histórica: a fotografia de Benjamim de Oliveira vestindo fraque, publicada na capa de um dos maiores jornais brasileiros em 1901 — apenas três anos após a abolição da escravidão. A figura imponente de um homem negro, elegante e livre, simboliza o poder da autoafirmação e a resistência por meio da arte. Essa imagem foi o ponto de partida para que Luiz Claudio transformasse história em moda.

Benjamim de Oliveira: o artista que desafiou o tempo

Nascido em Pará de Minas, em 1870, Benjamim de Oliveira foi cantor, compositor, instrumentista e pioneiro do teatro-circo nacional. Sua trajetória foi marcada pela criatividade e pela quebra de barreiras raciais em um país recém-saído da escravidão. A pesquisa do estilista teve como base o livro Circo-teatro: Benjamim de Oliveira e a teatralidade circense no Brasil (2022), de Erminia Silva, além de fotografias cedidas pela família do artista.

Luiz Claudio imaginou como Benjamim se vestiria no presente. O resultado foi uma coleção que mistura sofisticação, melancolia e orgulho racial. Cada peça conta uma história de resistência, exaltando a figura do homem negro como símbolo de poder, beleza e talento.

Alfaiataria e teatralidade: o diálogo entre o passado e o presente

O desfile do Apartamento 03 SPFW N60 é uma celebração da alfaiataria contemporânea com alma histórica. Casacos alongados, calças amplas, coletes, camisas com rufos e capas estruturadas compõem o repertório visual da coleção. Os tons variam entre o dourado, o preto e o branco, com estampas gráficas em círculos e padronagens xadrez — uma tradução visual do universo circense e do dandismo da Belle Époque.

As formas arredondadas e volumosas remetem ao circo, com vestidos balonê, saias plissadas e conjuntos bordados com vidrilhos que refletem luz e movimento. Cada detalhe tem significado: as listras evocam a tenda do picadeiro, os drapeados lembram as cortinas do espetáculo, e as penas simbolizam proteção espiritual — uma conexão direta com rituais afro-brasileiros e o poder das encruzilhadas.

Moda com propósito: a força estética e política da coleção

Mais do que um exercício de estilo, o desfile de Luiz Claudio Silva foi um ato político e poético. Com 95% do casting formado por modelos negros, o estilista reafirmou seu compromisso em promover representatividade e redefinir o conceito de elegância no Brasil.

As peças dialogam com o repertório habitual da marca, conhecido por misturar alfaiataria clássica, materiais nobres e conceitos espirituais. Tecidos como seda, jacquard e lurex ganham protagonismo ao lado de superfícies tratadas com óleo de peroba, que simulam couro e escamas, criando texturas que remetem a ilusionismo — como se a passarela se tornasse o próprio picadeiro de Benjamim.

A magia dos detalhes: joias, acessórios e símbolos

Os acessórios criados em parceria com o designer Carlos Penna e o artista plástico Will completam o universo poético da coleção. Brincos, anéis e broches em metal e canutilhos ecoam a estética do circo e da sofisticação masculina do início do século XX. O destaque fica para as peças em formato de cadeira, uma alusão ao antigo costume do público levar seu próprio assento ao espetáculo.

Além disso, um retrato de Benjamim de Oliveira, assinado por Will, foi transformado em estampa, tornando o artista parte viva da coleção. Cartolas e bengalas reforçam o ar de requinte e teatralidade, evocando a memória da Belle Époque, período em que a arte e a moda eram expressões máximas de status e criatividade.

Entre a arte e o ativismo: o legado de Luiz Claudio Silva

A nova coleção do Apartamento 03 não é apenas uma homenagem, mas uma reflexão sobre o papel da moda como ferramenta de resistência cultural. Luiz Claudio Silva reafirma que o verdadeiro luxo está na narrativa, na ancestralidade e na emoção por trás de cada peça. Ao trazer Benjamim de Oliveira para o centro da passarela, o estilista resgata uma memória apagada e a transforma em arte contemporânea.

Sua abordagem reflete uma tendência global: o retorno às raízes identitárias e o reconhecimento da cultura negra como fonte inesgotável de inspiração. Ao unir estética e propósito, Luiz Claudio se posiciona como um dos criadores mais relevantes da moda brasileira atual.

A estética circense reinventada

O desfile também foi um espetáculo visual. Os tecidos, modelagens e texturas criaram uma narrativa que flutuava entre o sonho e a realidade. A influência circense se manifestou nas formas infladas, nos brilhos e nas composições coreografadas, em que cada movimento dos modelos parecia um ato de celebração.

O uso de materiais inusitados — como madeira tratada, lurex e jacquard geométrico — demonstra a busca por inovação e experimentação. Uma das peças mais comentadas foi uma saia quadrada coberta por losangos, que remete a uma mulher emergindo de uma caixa de ilusionismo, simbolizando o renascimento do olhar sobre a moda e a cultura afro-brasileira.

O impacto simbólico do desfile na SPFW N60

Apresentada no último dia do evento, a coleção do Apartamento 03 SPFW N60 coroou uma edição marcada por reflexões sobre diversidade, memória e futuro. A escolha de um elenco majoritariamente negro e o discurso estético da marca reafirmam o papel de Luiz Claudio como um dos grandes nomes da moda autoral brasileira.

Sua obra extrapola o campo do vestuário e alcança o território da arte e da identidade. Ao revisitar o passado e recontar histórias invisibilizadas, o estilista transforma o palco da moda em espaço de diálogo e reconhecimento.

Moda, memória e poder

O desfile do Apartamento 03 na SPFW N60 é um marco por sua potência visual e simbólica. A coleção combina o rigor técnico da alfaiataria com a sensibilidade artística de um criador que entende a moda como espelho da sociedade. Luiz Claudio não apenas vestiu modelos, mas contou uma história — uma narrativa que conecta o Brasil de 1901 ao de 2025, provando que a elegância e a resistência caminham lado a lado.

A mensagem é clara: ser negro, elegante e protagonista é, ainda hoje, um ato revolucionário. O legado de Benjamim de Oliveira, revivido em tecidos, cores e formas, transcende o tempo e reforça que a moda pode — e deve — ser instrumento de transformação social.

A marca Led transformou a passarela da SPFW N60 em um verdadeiro barracão de escola de samba. Em um cenário revestido por um tapete branco, com a imagem de Leci Brandão estampada no centro e Luciana Gimenez abrindo o desfile, a marca mineira apresentou uma coleção vibrante e profundamente conectada com a essência cultural do Brasil: o Carnaval.

Mais do que um espetáculo visual, o desfile da Led SPFW N60 foi uma celebração da arte popular, da manualidade e da resistência criativa brasileira. A apresentação trouxe para o centro da moda temas que atravessam o imaginário coletivo nacional — o trabalho artesanal, a alegria coletiva e a importância do lazer como expressão de liberdade.

O conceito da coleção Led SPFW N60: o Brasil em ritmo de Carnaval

O ponto de partida da coleção da Led na SPFW N60 foi o documentário Estou me guardando para quando o Carnaval chegar (2019), de Marcelo Gomes. A obra retrata o cotidiano dos moradores de Toritama, no sertão pernambucano — conhecida como a “capital do jeans” — e inspirou os estilistas Célio Dias e Cleu Oliver a refletirem sobre a relação entre trabalho, prazer e identidade cultural.

A coleção explora justamente esse contraste entre o cotidiano fabril e o esplendor da festa. O resultado foi uma moda que traduz a força criativa do povo brasileiro, transformando elementos do universo do trabalho em peças sofisticadas, cheias de energia e significado.

Entre os destaques da Led SPFW N60, aparecem os macacões de sarja e os conjuntos de denim decorados com charms de tesouras e fitas métricas — símbolos da labuta diária que ganha protagonismo poético na passarela.

Cores, símbolos e referências do Carnaval

A Led SPFW N60 trouxe um espetáculo de cores e formas que reinterpreta a estética carnavalesca com um olhar contemporâneo. O verde e rosa da Mangueira, escola símbolo de resistência e tradição, aparece em combinações exuberantes, dialogando com brilhos metálicos e detalhes de pedrarias.

Os costeiros e cabeças com contas metálicas, desenvolvidos em parceria com a designer mineira Sofia Penido, reforçam o caráter artesanal da marca. Já os vestidos volumosos, inspirados nas fantasias de Arlequim e Porta-Bandeira, evocam teatralidade e emoção, equilibrando leveza e impacto visual.

Ao mesmo tempo, a coleção não se limita à celebração: ela questiona o lugar da moda e da arte no país. Com ironia e crítica social, a Led coloca o Carnaval — muitas vezes tratado apenas como espetáculo — como símbolo de criatividade, resistência e identidade.

Do crochê ao denim: a Led em sua maturidade criativa

Com nove anos de trajetória na SPFW e 17 desfiles realizados, a Led alcançou um novo patamar criativo na N60. O crochê, técnica que deu origem à marca, ganha agora papel aspiracional e sofisticado.

A manualidade é reinterpretada em bodies franjados de algodão e seda, com transparências que deixam a pele à mostra, e em looks esculturais com bases estruturadas em arame, espuma e bambolê.

Além do apelo artístico, a marca também demonstrou sua força comercial. A coleção apresentou peças versáteis, com apelo urbano e identitário, como camisas bordadas com os nomes de Nelson Cavaquinho e Paulinho da Viola, estampas que remetem ao fuxico e frases de efeito como “Garoa”, “Sueño latino-americano”, “Piranhuda” e “Boca Livre”.

Essas referências consolidam o DNA da Led: moda com discurso, que valoriza o humor, a crítica e a autenticidade do povo brasileiro.

Materiais sustentáveis e inovação nos tecidos

Outro destaque da Led SPFW N60 foi a escolha de materiais naturais e sustentáveis. A marca incorporou cânhamo em vestidos longos e calças amplas, e linho em diversas gramaturas — desde versões mais rígidas, com textura semelhante à juta, até tecidos leves usados em saias balonê, shorts e bermudas.

Essa preocupação ambiental reforça o compromisso da Led com uma moda mais consciente, que une criatividade, responsabilidade e impacto social. O uso de fibras naturais e processos manuais fortalece a conexão entre tradição e futuro — valores cada vez mais essenciais na indústria da moda global.

Led SPFW N60: moda, festa e propósito

O desfile também refletiu um importante momento institucional da marca. No início de 2025, a Led foi escolhida para desenvolver as camisetas de um camarote patrocinado por uma grande cervejaria nos desfiles das escolas de samba de São Paulo. O sucesso da parceria levou à renovação do contrato para 2026, o que explica o retorno temático ao universo carnavalesco.

No entanto, a coleção da Led SPFW N60 não é apenas fruto de uma estratégia de marketing. Ela representa uma continuidade natural da narrativa da marca, que sempre esteve ligada ao fervo, à alegria e à liberdade.

O encerramento do desfile traduziu esse espírito: toda a equipe da marca surgiu vestindo camisetas com a frase “Não deixe a moda nacional morrer”, antes de seguir para fora da passarela ao som de uma bateria de escola de samba. Um gesto simbólico e poderoso que sintetiza o manifesto da Led: a moda brasileira precisa resistir, celebrar e ocupar seu espaço.

A força simbólica da Led SPFW N60

A Led SPFW N60 é um exemplo de como a moda pode ser ferramenta de reflexão cultural. Ao resgatar a energia do Carnaval, a marca não apenas celebra a estética da festa, mas também reafirma o valor da cultura popular e o trabalho invisível de milhares de artesãos e criadores.

Cada look é uma homenagem àqueles que constroem o Brasil real — o das costureiras, sambistas, operários e artistas que dão vida à maior festa do mundo. A Led traduz esse sentimento em roupas que contam histórias, unem tradição e modernidade e provocam o público a olhar para o país com mais sensibilidade.

Mais do que um desfile, a Led SPFW N60 foi uma declaração de amor ao Brasil e à sua gente. Um grito de resistência em forma de arte.

A Led e o futuro da moda nacional

Com o desfile Led SPFW N60, a marca mineira reafirma seu papel como uma das principais vozes da moda autoral brasileira. Ao misturar crítica social, emoção e estética carnavalesca, a Led constrói uma narrativa poderosa sobre identidade, pertencimento e renovação.

A coleção sintetiza o que há de melhor na nova geração de criadores nacionais: consciência, representatividade e liberdade criativa. No fim, o recado é claro — enquanto houver samba, arte e expressão, a moda brasileira seguirá viva e pulsante.

O estilista Dario Mittmann consolidou-se como um dos nomes mais provocativos da nova geração da moda brasileira. Na SPFW N60, ele levou à passarela uma coleção que ultrapassa o conceito de vestuário para se tornar uma performance sobre poder, ambição e cultura urbana. Inspirado no jogo Monopoly — o clássico tabuleiro que simboliza a disputa por riqueza e propriedades — o designer apresentou o desfile “Monopoly: Young Money”, uma reflexão contemporânea sobre as novas formas de vencer dentro e fora da passarela.

O universo criativo de Dario Mittmann

Desde o início de sua trajetória, Dario Mittmann nunca tratou a moda como uma simples vitrine de roupas. Suas criações são narrativas visuais que combinam ironia, crítica social e humor inteligente. Já colocou Deborah Secco vestida de robô para representar a inteligência artificial e fez desfiles inspirados no streetwear falsificado, explorando os paradoxos do consumo e do status.

Na SPFW N60, o estilista resgata esse mesmo espírito provocador, unindo estética pop, crítica social e storytelling em um espetáculo visual que questiona as estruturas de poder e o significado do sucesso.

Monopoly: Young Money — o novo luxo sob outra ótica

O nome do desfile, “Monopoly: Young Money”, já anuncia a inversão de lógica que Mittmann propõe. Em um mundo obcecado por heranças e legados de “old money”, o criador celebra a ascensão da nova geração, que conquista espaço e fortuna por mérito, carisma e criatividade.

No lugar da discrição aristocrática, o desfile exalta a energia das ruas, a irreverência dos empreendedores digitais, artistas independentes e influenciadores que redefinem o conceito de poder econômico. Essa narrativa se manifesta em uma alfaiataria com perfume streetwear, onde blazers amplos, calças esportivas e recortes arrojados constroem a imagem de uma juventude que busca liberdade sem abrir mão do estilo.

A proposta é clara: substituir o luxo herdado pelo luxo conquistado. Em vez de ostentar, a coleção fala de autenticidade e movimento, elementos que definem a cultura urbana contemporânea.

O equilíbrio entre alfaiataria e streetwear

Na coleção apresentada por Dario Mittmann na SPFW N60, a alfaiataria tradicional ganha proporções modernas e esportivas. O designer brinca com a ideia de um executivo que, ao sair do escritório, está pronto para correr ou dançar — um híbrido entre o universo corporativo e o urbano.

Os ternos aparecem com volumes amplos, tecidos leves e cortes assimétricos. As modelagens fogem do convencional e sugerem fluidez, como se o corpo se movimentasse em liberdade. O contraste entre formalidade e descontração é um dos pontos centrais da narrativa visual, transformando a roupa em um manifesto sobre flexibilidade e autenticidade.

Cores, volumes e ironia visual

A estética de Dario Mittmann SPFW N60 é marcada pela mistura de exagero, ironia e teatralidade. Casacos de pelúcia em tons vibrantes convivem com camisas metalizadas e conjuntos de moletom com inscrições em pedrarias. As minissaias pregueadas surgem combinadas a botas de vinil vermelho, remetendo à mistura entre o lúdico e o sensual.

O desfile também trouxe vestidos de tule, renda e organza em tons pastel e efeito iridescente, explorando o lado fantasioso do universo do jogo. O equilíbrio entre o humor e o glamour torna o espetáculo um dos mais comentados da temporada, reafirmando o talento de Mittmann para traduzir mensagens complexas em moda acessível e divertida.

A estreia dos acessórios label de Dario Mittmann

Entre as novidades, um dos momentos mais marcantes do desfile foi o lançamento da primeira linha de acessórios da label. As peças seguem o DNA irreverente do estilista, unindo design lúdico e crítica visual. Bolsas em formato de e-mail, dado, casa e maleta de escritório surgem como metáforas das dinâmicas de trabalho e status na era digital.

Esses acessórios não são apenas complementos, mas elementos narrativos, símbolos do jogo moderno em que se misturam vida profissional, imagem pública e ambição pessoal.

O casting que reflete o espírito “Young Money”

O desfile de Dario Mittmann na SPFW N60 não se destacou apenas pelas roupas, mas também pelo casting simbólico. No lugar de modelos tradicionais, o estilista escolheu nomes que representam sucesso construído com esforço e talento próprio — uma metáfora perfeita para o tema do espetáculo.

Entre os convidados estavam Xamã, Duquesa, MC PH, Kayblack, Paulinho (do Palmeiras) e Grag Queen. Cada um deles representa uma trajetória de superação e autenticidade, reforçando a ideia de que o novo luxo está na liberdade de ser quem se é.

Essa escolha também traduz a essência inclusiva e democrática da marca: a moda como plataforma de expressão, onde cada indivíduo pode ser protagonista de sua própria história.

Humor, crítica e autenticidade: a essência de Mittmann

Ao longo dos últimos anos, Dario Mittmann tem construído um repertório sólido de moda performática, capaz de unir crítica social e estética vibrante. Seus desfiles questionam o papel da moda como símbolo de status, propondo uma reflexão sobre o que significa ter poder no século XXI.

Na SPFW N60, o estilista reafirma seu compromisso com a liberdade criativa e o olhar crítico sobre o mercado. Cada peça carrega uma dose de ironia e teatralidade, mas também um profundo entendimento da cultura pop e do comportamento contemporâneo.

SPFW N60 e a nova geração de criadores brasileiros

A SPFW N60 reforça o papel de Dario Mittmann como uma das vozes mais originais da cena brasileira. Seu trabalho dialoga com a geração digital, que vê a moda não apenas como vestimenta, mas como plataforma de discurso e identidade.

A provocação de Mittmann se alinha ao movimento global de criadores que transformam desfiles em performances conceituais, nas quais cada look é um fragmento de uma narrativa maior. No caso de “Monopoly: Young Money”, essa narrativa fala sobre autonomia, conquista e subversão das hierarquias tradicionais do luxo.

A filosofia Young Money: vencer à própria maneira

O conceito de Young Money, segundo o estilista, é uma resposta direta à ideia ultrapassada de que o sucesso depende de heranças ou conexões. Mittmann celebra quem cria o próprio império com autenticidade, unindo trabalho, criatividade e propósito.

Essa filosofia se reflete não apenas na estética do desfile, mas também na sua postura no mercado. Desde que entrou para o line-up oficial da SPFW, o designer demonstra que o caminho da moda autoral brasileira pode ser ousado, performático e economicamente viável.

Com seu humor característico, o estilista costuma afirmar que a jornada é feita de degraus infinitos — e que o segredo é manter os pés no chão e a cabeça nas nuvens. Uma metáfora perfeita para quem equilibra arte, empreendedorismo e irreverência.

O impacto cultural da coleção

A coleção Dario Mittmann SPFW N60 ultrapassa o universo da moda e entra no campo do comentário cultural. Ao transformar o jogo Monopoly em metáfora, o estilista convida o público a refletir sobre a corrida capitalista contemporânea, onde status, consumo e imagem são peças do mesmo tabuleiro.

Seu desfile se torna uma espécie de espelho social, no qual os símbolos do luxo são distorcidos com humor, revelando as contradições do desejo moderno. É essa combinação de inteligência estética e provocação que coloca Mittmann entre os nomes mais relevantes da nova geração de criadores.

Moda como manifesto

A presença de Dario Mittmann na SPFW N60 reafirma a potência criativa do estilista e sua capacidade de usar a moda como instrumento de reflexão. O desfile “Monopoly: Young Money” não é apenas uma coleção, mas um manifesto sobre autonomia, irreverência e transformação cultural.

Mittmann continua a provar que o verdadeiro luxo está em criar, questionar e inspirar — não em herdar. E com isso, consolida-se como um dos principais representantes da moda autoral brasileira, capaz de unir crítica social, performance e estilo em uma só narrativa.

Há 15 anos, quando a designer Celina Hissa começou a combinar palha de carnaúba ao crochê na criação de bolsas, ela estabeleceu a assinatura da marca. Hoje, o desfile não apenas revisita essa origem, mas também reafirma a evolução da Catarina Mina sob um olhar maduro, capaz de transformar técnicas artesanais em peças de alta moda com relevância internacional.

Do Ceará para o mundo: fortalecimento das comunidades de artesãos

Ao longo dos anos, a marca Catarina Mina estruturou uma rede sólida de artesãos no interior cearense, fortalecendo saberes tradicionais e transformando-os em produtos contemporâneos. Essa metodologia não apenas preserva técnicas ancestrais, como também cria um modelo econômico sustentável e replicável.

Hoje, grupos de outras regiões do Brasil buscam seguir o exemplo da Catarina Mina, reconhecendo a eficiência e a dedicação do processo. O foco não está apenas no produto final, mas na construção de um ecossistema que valoriza o trabalho artesanal, garantindo qualidade, inovação e continuidade cultural.

Parcerias que valorizam o artesanato brasileiro

A coleção Catarina Mina SPFW 2026 amplia a diversidade artesanal com colaborações de diferentes estados. Entre os destaques:

• Bordado de Caicó (Rio Grande do Norte): inspirado na flora da caatinga, adiciona relevância regional à linha;

• Renda Richelieu (Maranguape, Ceará): tradição histórica transformada em peças contemporâneas;

• Rendas de bilro, palha e crochês: característicos da marca, agora reinterpretados com novas formas e estampas.

Alguns produtos passam por pequenas adaptações para aumentar competitividade e praticidade, sem perder a autenticidade artesanal. Esse equilíbrio entre tradição e inovação é essencial para o posicionamento da marca no mercado nacional e internacional.

O crochê como detalhe estratégico

Na coleção Catarina Mina SPFW 2026, o crochê aparece de maneira pontual, facilitando a confecção e permitindo que os elementos tradicionais se misturem com cortes modernos. A carnaúba, além de matéria-prima, é explorada de formas inusitadas:

• Transformada em saias e cintos esculturais;

• Aplicada em estampas aquareladas, adicionando um toque artístico às peças;

• Integrada em acessórios diversificados, como bolsas sacola e pochetes, atendendo demandas de lojas em São Paulo, Fortaleza e showrooms internacionais em Paris e Nova York.

Essa abordagem reflete a visão de Celina Hissa de expandir o conceito de artesanato brasileiro, indo além do estereótipo hippie ou festivo associado à produção manual.

Estilo, funcionalidade e sustentabilidade

O desfile demonstra que Catarina Mina SPFW 2026 não se limita à estética: cada peça é pensada para gerar impacto econômico e social positivo, promovendo viabilidade e continuidade para os artesãos envolvidos.

Exemplos de combinações presentes na coleção incluem:

• Tops e saias vazadas com círculos cobertos por crochê;

• Camisas de seda, vestidos de linho e conjuntos de cambraia de rami;

• Tênis e calçados que unem conforto, estilo e funcionalidade.

A proposta da marca é criar roupas que dialoguem com o cotidiano e com o mercado global, mostrando que o artesanato brasileiro pode ser competitivo, moderno e sustentável.

Colaboração internacional com a Veja

Um dos destaques do desfile Catarina Mina SPFW 2026 é a primeira parceria internacional da marca: a colaboração com a francesa Veja, resultando em uma papete exclusiva.

As peças unem o crochê artesanal das artesãs da Catarina Mina à experiência em calçados da marca francesa. Cada sapato é costurado manualmente, reforçando o compromisso da designer com qualidade, sustentabilidade e inovação no design.

A maturidade da marca e a evolução do design

Ao longo de 15 anos, Catarina Mina consolidou sua identidade, equilibrando tradição artesanal e inovação estética. O desfile do verão 2026 demonstra que a marca não apenas mantém suas raízes, mas também evolui com maturidade:

• Materiais naturais e regionais são transformados em objetos de moda contemporânea;

• Detalhes de crochê e renda adicionam exclusividade e refinamento;

• Acessórios e estampas aquareladas elevam a coleção a um nível internacional.

Esse amadurecimento reflete a filosofia da marca: criar produtos que respeitem o trabalho manual, valorizem a cultura local e dialoguem com o público global.

Sustentabilidade e impacto social como pilares

O uso da carnaúba exemplifica o compromisso da marca com a sustentabilidade. Cada parte da planta é aproveitada, reduzindo desperdícios e promovendo um ciclo de produção consciente. Além disso, o investimento contínuo em comunidades de artesãos fortalece o desenvolvimento econômico regional, criando um modelo replicável para outras regiões do Brasil.

Essa abordagem demonstra que a moda pode ser lucrativa, sustentável e socialmente responsável, sem comprometer o design ou a estética.

Tendências e relevância internacional

O desfile Catarina Mina SPFW 2026 confirma o papel da marca como referência no artesanato de luxo brasileiro. A presença em showrooms internacionais e parcerias com marcas globais como a Veja reforçam que o design sustentável brasileiro tem espaço e reconhecimento no mercado de moda mundial.

A coleção une praticidade, sofisticação e consciência ambiental, provando que a moda artesanal pode ser contemporânea, competitiva e relevante internacionalmente.

Conclusão natural do legado Catarina Mina SPFW 2026

O verão 2026 da Catarina Mina consolida a trajetória da marca como exemplo de inovação artesanal, sustentabilidade e design contemporâneo. A coleção combina tradição, maturidade estética e estratégias comerciais inteligentes, garantindo que a marca continue a influenciar o cenário da moda brasileira e internacional.

Catarina Mina prova que o artesanato brasileiro vai muito além de rótulos festivos, posicionando-se como referência de qualidade, criatividade e impacto social positivo. O futuro da marca aponta para uma consolidação global, mantendo firme a conexão entre arte, cultura e moda sustentável.

Uma coleção inspirada na etimologia de “cosmopolita”

A estilista Lilly Sarti, ao lado de Renata Sarti, mergulhou na origem e nos significados da palavra “cosmopolita” para compreender e reinterpretar tudo o que construiu ao longo das quase duas décadas de marca. O resultado foi uma coleção que reflete o DNA contemporâneo da label: urbano, livre, adaptável e cheio de personalidade.

A ideia de cosmopolitismo traduz-se nas passarelas através de um guarda-roupa que dialoga com os grandes centros urbanos. As peças foram pensadas para acompanhar o ritmo da mulher moderna — aquela que circula entre o trabalho, os compromissos sociais e os momentos de lazer sem perder a elegância.

Versatilidade e identidade marcam o Inverno 2026

Na passarela da SPFW N60, o Inverno 2026 da Lilly Sarti apresentou uma moda funcional e elegante. O conceito “do dia à noite, de segunda a domingo” norteou a construção da coleção. Cada look foi desenhado para se adaptar às mais diversas situações, reafirmando o compromisso da marca com a durabilidade, atemporalidade e versatilidade.

Entre as apostas da estação estão:

• Calças jeans com bolsos desordenados, que trazem um toque despojado e contemporâneo.

• Saias mídi texturizadas, com pontas fluidas e movimento orgânico.

• Camisas estruturadas de couro, que traduzem força e modernidade.

• Tops de cristais, ousados e sensuais, que brincam com a transparência e o brilho.

• Vestidos drapeados e jaquetas militares, combinando delicadeza e rigidez em harmonia.

Essas composições refletem o equilíbrio entre o clássico e o ousado — característica que vem definindo a marca Lilly Sarti ao longo dos anos.

Durabilidade e estilo: o novo luxo da mulher Lilly Sarti

Para Lilly Sarti, moda e tempo caminham juntos. A estilista acredita que a longevidade das peças é um reflexo do amadurecimento da marca e da clientela. “Nossa cliente é fiel e busca roupas que permaneçam importantes em seu guarda-roupa”, resume.

Esse conceito de durabilidade emocional e estética é o fio condutor do Inverno 2026 da Lilly Sarti, que reforça o valor do investimento em peças atemporais, bem cortadas e de alta qualidade. O luxo aqui não está apenas nos materiais, mas na permanência — na roupa que atravessa estações e continua relevante.

A influência do japonismo na coleção

Entre as referências sutis, o japonismo ganha destaque como elemento de inspiração estética e filosófica. As pregas assimétricas, as silhuetas arredondadas e as construções em camadas remetem ao design japonês, sem recorrer à literalidade. Essa influência reforça o equilíbrio entre minimalismo e complexidade, duas forças que definem a linguagem da Lilly Sarti.

As modelagens fluidas e sobreposições inteligentes revelam a busca pela harmonia visual e funcional. O Inverno 2026 da Lilly Sarti é, portanto, uma celebração da forma e da essência — do gesto e do detalhe.

Styling e composição: o poder do conjunto

O São Paulo Fashion Week N60 trouxe nesta terça-feira (14.10) uma das apresentações mais ousadas da temporada: Forca Studio Inverno 2026. O Aeroporto Campo de Marte se transformou em passarela de moda ao redor de uma aeronave militar, evocando memórias das antigas aeronaves da Força Aérea Brasileira, e criando um cenário dramático e imersivo para o desfile.

A performance começou de forma espetacular: quatro paraquedistas aterrissaram ao vivo, abrindo caminho para a entrada da primeira modelo. A encenação não foi apenas um gesto estético, mas uma declaração de intenção da marca: alçar voos maiores no mercado de moda nacional e internacional, como explicam os sócios e diretores criativos Silvio De Marchi e Vivian Rivaben.

Forca Studio: do universo clubber à aviação

Curiosamente, o DNA da marca tem origem na cultura clubber, com peças pensadas para resistir à noite e ao fervo das festas eletrônicas. Dessa influência vêm bodies de látex, desenvolvidos em parceria com a criadora Cece, referência em materiais exclusivos para insiders da cena techno. Essa base performática evoluiu para o inverno 2026, incorporando utilitarismo, estrutura e inspiração militar, refletindo a versatilidade da grife e seu desejo por inovação constante.

Agora, a marca expande sua atuação: a loja da Barra Funda, em São Paulo, se transforma em showroom para lojistas e ateliê para peças sob medida. Silvio De Marchi detalha: “Vamos começar a vender no atacado e trabalhar com sob medida. Cada cliente poderá desenvolver uma peça do zero com nossa equipe de estilo”. Essa estratégia evidencia a ambição da marca de se consolidar no mercado premium, oferecendo exclusividade, personalização e atendimento diferenciado.

Coleção Inverno 2026: inspiração militar e leveza contemporânea

A coleção apresentada no SPFW N60 mantém o utilitarismo clássico da marca, incorporando novidades que equilibram estética e funcionalidade. Inspirados pelo mundo da aviação, os casacos exibem mangas arredondadas, lembrando paraquedas abertos, e cores que remetem aos uniformes da Força Aérea estadunidense. O uso de coletes de múltiplos bolsos, calças com fechos de metal e zíperes, além de elásticos, reforça a abordagem utilitária.

Além do couro — elemento tradicional na grife — o inverno 2026 explora tricôs, segundas peles, parkas de brilho plastificado, tops, slip dresses e vestidos com babados, promovendo leveza e fluidez. O uso de tecidos como chiffon, náilon e malhas finas acrescenta movimento às peças, contrastando com o peso do couro e a rigidez dos elementos militares.

A estética permanece performática, mas com uma nova dimensão: a alfaiataria corporativa se insinua com camisas, gravatas e paletós. Ainda que o acabamento precise de refinamento para competir com o impacto cênico do desfile, a aposta demonstra maturidade e ampliação da versatilidade da marca.

Performance e espetáculo: moda como experiência

A presença dos paraquedistas ao vivo exemplifica o compromisso da Forca Studio com a experiência sensorial do público. Cada detalhe da apresentação — da aeronave militar aos efeitos visuais e à iluminação — foi pensado para criar um diálogo entre moda, movimento e narrativa. A performance aérea serviu não apenas como entretenimento, mas como metáfora do desejo da marca de conquistar novos horizontes.

O desfile reforça a noção de que moda vai além de roupas: é cultura, espetáculo e comunicação. Ao integrar elementos da aviação e da performance clubber, a grife demonstra habilidade em transformar uma coleção em experiência multidimensional, captando a atenção da mídia, lojistas e consumidores.

Expansão e estratégia de mercado

A expansão do Forca Studio é estratégica e bem estruturada. A loja da Barra Funda passa a funcionar como hub para negócios B2B, permitindo a venda no atacado e a customização de peças para clientes especiais. Essa abordagem evidencia o potencial da marca em criar valor agregado, consolidando sua presença em multimarcas e oferecendo soluções personalizadas no Brasil inteiro.

Silvio De Marchi ressalta que, apesar da tradição performática da grife, o foco está em diversificação de produtos, abrangendo desde jaquetas e saias de couro até tricôs, parkas de brilho, bodies e tops, permitindo atender uma gama maior de consumidores e lojas.

Moda e utilitarismo: tradição e inovação

O universo clubber da marca, que já inspirava resistência e performance, agora dialoga com o utilitarismo militar. Peças com bolsos múltiplos, fechos de metal e zíperes estratégicos demonstram preocupação com funcionalidade e praticidade, enquanto elementos de alfaiataria corporativa expandem o vocabulário visual da marca. Essa fusão de estética urbana, performance e utilitarismo cria uma identidade única, consolidando a Forca Studio como referência de inovação no cenário nacional.

A escolha de cores, cortes e materiais reforça a coerência da coleção: os tons remetem à aviação, mas o uso de tecidos leves adiciona feminilidade, movimento e modernidade, permitindo que cada peça funcione tanto para o look urbano quanto para performance artística.

Beleza e styling: da pista de dança à passarela

O makeup levemente vampiresco, com olhos negros e vermelhos esfumados, mantém o vínculo com o universo noturno e clubber da marca. O styling reforça a narrativa da coleção, equilibrando o espírito raver com o utilitarismo, criando coesão entre vestuário, atitude e performance.

O resultado é um desfile que mantém a essência da marca, mas projeta novas direções: leveza, personalização, corporativismo e expansão de mercado.

O Forca Studio Inverno 2026 no SPFW N60 demonstra como uma marca pode transitar entre cultura urbana, performance e utilitarismo sem perder identidade. A apresentação evidencia inovação técnica, narrativa visual impactante e expansão estratégica, confirmando que a grife não é apenas relevante no universo da moda nacional, mas também apta a competir em mercados internacionais.

A integração de elementos militares, bodies de látex, tecidos leves e alfaiataria corporativa cria uma coleção versátil, performática e altamente comercial, alinhando moda, experiência e estratégia de negócios. O show de paraquedistas e o uso da aeronave como passarela são símbolos do potencial da marca: sempre pronta para alçar novos voos.

Com foco em expansão de mercado, multimarcas e peças sob medida, a marca se consolida como referência de inovação, criatividade e design funcional, mostrando que a moda brasileira pode ser performática, utilitária e sustentável ao mesmo tempo.

O verão 2025 de Patricia Viera marcou um dos momentos mais emblemáticos do São Paulo Fashion Week N60, reafirmando o protagonismo da marca carioca na moda autoral e sustentável. Sob a direção criativa de Andrea Viera, filha da fundadora, o desfile propôs uma viagem sensorial e afetiva às origens da estilista — uma revisita à Londres dos anos 1970, onde Patricia iniciou sua trajetória, sem deixar de lado o DNA artesanal e o compromisso com o couro como expressão artística.

No Teatro Iguatemi, em São Paulo, o público foi envolvido por uma atmosfera que uniu técnica, emoção e memória. Mais do que uma coleção, Patricia Viera apresentou uma reflexão sobre o tempo, o legado familiar e a capacidade de reinvenção de uma marca que há décadas define o padrão de excelência do couro brasileiro na alta moda.

Um retorno às origens com olhar contemporâneo

O ponto de partida da coleção foi Londres — cidade onde Patricia deu seus primeiros passos no universo fashion, nos anos 1970. A estilista recupera a essência desse período não como um exercício de nostalgia, mas como um diálogo criativo com o presente. “comecei na moda trabalhando com o que chamavam de couro de classificação baixa. Aprendi a pegar o que era considerado menor e transformar em luxo”, relembra Patricia.

Essa visão se mantém viva por meio do projeto Zero Waste, iniciado em 2017, que transforma sobras de curtume em elementos de design. No verão 2025, o conceito ganha força nas estampas de poás e microflores, aplicadas com extrema precisão técnica. É o luxo que nasce da sustentabilidade — um luxo consciente, que ressignifica o valor do artesanal e do reuso.

Andrea Viera: continuidade e renovação da linguagem

Desde que Andrea Viera assumiu a direção criativa da marca em 2023, o desafio tem sido equilibrar tradição e inovação. A nova coleção demonstra maturidade nessa transição: o couro, sempre protagonista, aparece reinventado, com novas texturas e uma leveza que desafia o imaginário do material.

Andrea mantém o legado da mãe, mas imprime um olhar próprio. A estrutura das peças dialoga com o movimento contemporâneo da moda brasileira — fluido, tecnológico e, ao mesmo tempo, conectado à natureza. O macramê artesanal, desenvolvido pela costureira Eleni Gomes, adiciona uma camada de textura e movimento que celebra o gesto humano. “Por mais que a gente tenha indústria, tem coisas que só o gesto humano alcança”, comenta Patricia.

Essa dualidade entre técnica e emoção se tornou a força da marca. O desfile mostra que o feito à mão não é uma resistência ao novo, mas um pilar de uma moda regenerativa, sustentável e duradoura.

Couro como linguagem: o DNA de Patricia Viera

Nenhuma outra marca brasileira trabalha o couro com a mesma sofisticação e sensibilidade que Patricia Viera. Para o verão 2025, o material foi submetido a um verdadeiro processo de revisão estética, explorando sua capacidade de ser leve, flexível e gráfica. Os cortes a laser, uma das assinaturas da marca, aparecem com novas interpretações: desenhos que remetem aos jardins de Londres, às arquiteturas clássicas e até às pontas de lápis, transformando superfícies rígidas em telas fluidas de movimento.

O resultado é uma coleção que reafirma o couro como linguagem artística. Longe do estereótipo pesado, o material ganha leveza em vestidos curtos e longos, compondo uma narrativa visual que alterna entre o clássico e o futurista. É o encontro entre tradição e tecnologia, com a elegância que há décadas define o nome Patricia Viera.

Paleta de cores e inspirações britânicas

A cartela de cores do verão 2025 reforça o frescor da estação sem perder a sofisticação. Tons suaves de branco, baunilha, menta e azul céu criam a base das composições, enquanto os acentos de rosa chiclete, vermelho tomate e preto adicionam ritmo e contraste. As referências britânicas aparecem com sutileza: o espírito irreverente da moda de Mary Quant, traduzido nos “cílios” aplicados como detalhes decorativos no couro, e na beleza das modelos, que ecoava o estilo icônico dos anos 1960 londrinos.

As estampas florais, xadrezes e relevos a laser reforçam o equilíbrio entre a herança artesanal e a experimentação técnica, firmando o desfile como um dos mais consistentes desta edição do SPFW.

Trilha sonora e atmosfera poética

A trilha sonora ao vivo, conduzida pela cantora Dora Morelenbaum, transformou o desfile em uma performance emocional. A música foi o fio condutor de uma narrativa que celebrou o passado e o presente da marca. O tom suave e poético da trilha reforçou a proposta de leveza da coleção, criando uma conexão sensorial entre o público e as criações.

Enquanto Andrea Viera comandava os bastidores, Patricia acompanhou o desfile da primeira fila — um gesto simbólico de passagem de bastão, que emocionou quem acompanhava. No final, mãe e filha subiram juntas à passarela para receber os aplausos, em um momento que selou a continuidade da história da marca com autenticidade e afeto.

Sustentabilidade e artesania: o luxo do futuro

O conceito de luxo sustentável permeia toda a trajetória de Patricia Viera, e nesta coleção ele se reafirma com vigor. O uso consciente do couro, o reaproveitamento de materiais e a valorização do trabalho manual transformam o desfile em uma declaração ética e estética.

O projeto Zero Waste, a pesquisa com macramê artesanal e o desenvolvimento de novas texturas refletem um compromisso com a sustentabilidade que vai além do discurso. É uma proposta de moda que respeita o tempo, a matéria e o humano — valores fundamentais em uma era de produção acelerada e consumo descartável.

Nesse sentido, a marca se posiciona como referência internacional de moda regenerativa, mostrando que o Brasil pode produzir design de ponta sem abrir mão de suas raízes culturais e ambientais.

Patricia Viera no SPFW N60: um legado que se reinventa

A volta de Patricia Viera ao São Paulo Fashion Week N60 é simbólica. Seis anos após sua última participação, o retorno marca não apenas a continuidade de uma trajetória, mas a consolidação de uma nova fase. Sob o olhar de Andrea Viera, o desfile reafirma que a força da marca está na capacidade de transformar o couro em poesia, unindo técnica, emoção e propósito.

O Teatro Iguatemi, palco escolhido para a apresentação, reforçou essa dimensão teatral e emocional. O espaço, recém-inaugurado, serviu de moldura perfeita para uma coleção que é, ao mesmo tempo, íntima e universal.

O papel de Patricia Viera na moda brasileira

Desde os anos 1980, Patricia Viera é sinônimo de inovação artesanal e sofisticação atemporal. Sua contribuição para a moda brasileira vai além das passarelas: ela redefiniu a relação entre o artesanato e o luxo, abrindo espaço para um novo entendimento do design nacional.

Ao longo das décadas, sua marca consolidou uma estética própria — uma fusão entre arte, tecnologia e sustentabilidade, sempre mediada pela sensibilidade artesanal. A chegada de Andrea Viera à direção criativa apenas amplifica essa visão, apontando para um futuro onde tradição e modernidade coexistem em harmonia.

O verão 2025 é, portanto, um marco dessa trajetória: uma coleção que olha para o passado com respeito e para o futuro com esperança.

Quando moda é memória e transformação

O desfile de Patricia Viera no SPFW N60 foi mais do que uma apresentação de moda. Foi um manifesto sobre a permanência da beleza, a importância do gesto artesanal e o poder transformador da memória. Ao revisitar Londres e o início da carreira de Patricia, a marca celebra uma história que é, acima de tudo, humana — feita de mãos, de tempo e de amor ao ofício.

Com Andrea Viera à frente da criação, a grife prova que o futuro do couro — e da moda brasileira — está nas mãos de quem entende que sustentabilidade não é tendência, mas consciência.

Desfile sobre trilhos: inovação e poesia

Com o público a bordo, o desfile ofereceu uma experiência pouco usual. Para Gloria Coelho, desfilar dentro de uma estação é quase poético: “O trem parte, chega, leva histórias, traz memórias. É exatamente o que sinto ao olhar para a minha trajetória: evolução, encontros e novos começos.” O cenário reforça o conceito da coleção, que explora deslocamento e movimento — tanto das locomotivas quanto da própria criadora, que há mais de cinco décadas reflete sobre as transformações da moda.

Uma trajetória de 51 anos de inovação

A estilista, com 51 anos de carreira, aproveitou o desfile para fazer um paralelo entre a Revolução Industrial do século 19 e a chegada da inteligência artificial, tema central de sua nova coleção. “Pegamos aquele período e imaginamos como essas meninas estariam hoje”, explica. O conceito mistura tradição e modernidade, evidenciando a capacidade de Gloria Coelho de se reinventar e dialogar com o presente tecnológico sem perder a identidade estética consolidada ao longo dos anos.

Tecidos, cortes e técnicas artesanais

A coleção alterna tempos e estruturas: corsets, ternos de linhas arredondadas e bases inspiradas nos anos 1960 aparecem ao lado de bordados em tule, flores e superfícies trabalhadas manualmente. Entre os tecidos, destacam-se:

• Tecno K: fibras que estimulam a circulação sanguínea e possuem ação antibactericida.

• Gabardine Armani: material nobre que valoriza corte e caimento.

• Cetim de seda: com toque luxuoso e brilho natural.

A paleta de cores percorre preto, azul, marrom, bordô e rosa, criando harmonia entre sofisticação e versatilidade. Além disso, a estilista aposta em técnicas artesanais, como franjas, volumes e bordados metálicos, evidenciando a tradição da moda brasileira aliada à inovação.

Inteligência artificial nas estampas

Outro destaque da coleção é o uso da tecnologia na criação de estampas. Um floral elisabetano foi redesenhado digitalmente por Pedro Lourenço, filho da estilista, a partir de uma imagem gerada por inteligência artificial. Esse recurso atualiza o diálogo entre tradição e modernidade, reforçando a abordagem visionária de Gloria Coelho, que desde o início da carreira mescla técnica artesanal e experimentação tecnológica.

A experiência do público e desafios do cenário

Embora a proposta tenha sido inovadora, nem sempre foi fácil acompanhar cada detalhe. Os vagões cheios e o ritmo acelerado das modelos dificultaram a visualização completa das roupas, que por vezes pareciam deslocadas naquele cenário urbano. Ainda assim, a experiência ofereceu uma saída da zona de conforto, incentivando o público a refletir sobre deslocamento, tecnologia e novas formas de apresentação na moda.

Reflexão sobre a SPFW e seu papel

Gloria Coelho também comentou sobre a importância do evento para a moda brasileira: “Eu penso que trabalhei bastante, e que a São Paulo Fashion Week fez o Brasil aparecer no mundo. Ele organizou o calendário e trouxe visibilidade internacional.” A estilista reconhece o papel simbólico do SPFW, tanto para o país quanto para sua trajetória, consolidando o evento como palco para experimentações e inovações que vão além da passarela tradicional.

Conexão entre passado, presente e futuro

A inspiração histórica — a Revolução Industrial e a expansão ferroviária — conecta passado e presente, mostrando como a tecnologia impacta a moda. Ao trazer o contexto da inteligência artificial, Gloria questiona o papel da moda no futuro, propondo peças que não apenas vestem, mas narram histórias de inovação, memória e cultura brasileira.

O movimento como metáfora da criação

O conceito de deslocamento se repete nas criações: movimento das locomotivas, da moda e das ideias. Cada peça, do corset ao blazer, carrega a sensação de viagem e evolução, alinhando estética e narrativa. A estilista reforça a importância do design consciente, valorizando materiais, processos e histórias que envolvem cada criação, tornando cada desfile uma experiência cultural e sensorial.

Gloria Coelho SPFW N60 e a moda brasileira em movimento

O desfile de Gloria Coelho na SPFW N60 consolidou a estilista como referência de inovação, tradição e diálogo tecnológico na moda brasileira. Ao unir a história das locomotivas, a inteligência artificial e a tradição artesanal, a coleção se transforma em narrativa visual que reflete a experiência de uma carreira de mais de 50 anos, inspirando futuras gerações de criadores e fortalecendo a presença da moda brasileira no cenário internacional.