A confirmação de HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 não é apenas mais um anúncio de line-up. Trata-se de uma decisão estratégica que redefine o eixo estético do maior festival de música da América Latina. No dia 11 de setembro, no Palco Mundo, no Parque Olímpico, no Rio de Janeiro (RJ), duas forças de impacto global — uma oriunda do K-pop, outra consolidada na EDM internacional — dividirão a mesma noite.

Ao unir a potência performática sul-coreana à assinatura sonora brasileira de alcance planetário, o Rock in Rio 2026 deixa claro que sua curadoria não responde apenas à tradição, mas à dinâmica real do consumo musical contemporâneo.

Rock in Rio 2026 amplia fronteiras e consolida vocação global

Marcado para os dias 4, 5, 6, 7 e 11, 12 e 13 de setembro, o Rock in Rio 2026 retorna ao Parque Olímpico com uma programação que equilibra rock clássico, pop global, música eletrônica e, de forma mais incisiva do que em edições anteriores, o K-pop como força central de público.

A escolha por HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 reflete uma leitura precisa de mercado: diversificação demográfica, maximização de engajamento digital e expansão da audiência internacional. O festival, historicamente associado ao rock e ao pop ocidental, agora dialoga de maneira estratégica com o Oriente e com a cultura digital hiperconectada.

Não é coincidência que o anúncio tenha sido escalonado. Grandes festivais trabalham com picos sucessivos de busca orgânica, mantendo tráfego constante e relevância no Google News. A confirmação de HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 cumpre exatamente essa função.

HWASA: presença cênica e potência vocal além do K-pop

A participação em HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 simboliza mais do que uma estreia em grande escala no festival. Representa o reconhecimento da artista como força global capaz de sustentar o Palco Mundo — espaço historicamente reservado a nomes de grande apelo internacional.

HWASA integra uma geração de artistas sul-coreanos que transformaram o K-pop em fenômeno cultural transnacional. Sua presença no Brasil confirma o crescimento exponencial do fandom latino-americano, um dos mais ativos em streaming e mobilização digital.

Alok: a consolidação da EDM brasileira no circuito global

A combinação proposta em HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 cria uma narrativa sonora pensada para o Palco Mundo: da pulsação da EDM à performance pop coreografada. Não se trata apenas de estilos distintos, mas de públicos complementares — ambos altamente engajados nas redes sociais.

Ao inserir Alok nesse contexto, o festival reafirma o Brasil não apenas como mercado consumidor, mas como exportador de talento.

O dia 11 de setembro: K-pop como pilar central

No mesmo dia, o Palco Mundo terá como headliner o grupo Stray Kids, consolidando o K-pop como eixo estruturante da programação.

A presença simultânea de Stray Kids e HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 fortalece o posicionamento do festival junto ao público asiático e às comunidades digitais globais. Trata-se de uma decisão orientada por dados: fandoms organizados, consumo massivo de conteúdo em tempo real e alcance internacional imediato.

Essa movimentação não apenas amplia o alcance geográfico do evento, como redefine sua identidade cultural.

Line-up confirmado até o momento

A edição 2026 já anunciou atrações distribuídas ao longo dos dias:

Dia 4
Foo Fighters – headliner (Palco Mundo)

Dia 5
Avenged Sevenfold – headliner (Palco Mundo)
Bring Me The Horizon (Palco Mundo)

Dia 7
Elton John – headliner (Palco Mundo)
Gilberto Gil (Palco Mundo)
Jon Batiste (Palco Mundo)
Fatboy Slim (New Dance Order)
Laufey (Palco Sunset)

Dia 11
Stray Kids – headliner (Palco Mundo)
Jamiroquai (Palco Sunset)
HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 (Palco Mundo)

Dia 12
Maroon 5 – headliner (Palco Mundo)
Demi Lovato (Palco Mundo)
Mumford & Sons (Palco Sunset)

O line-up completo ainda não foi revelado, mantendo a estratégia de anúncios progressivos — mecanismo que sustenta picos de busca e presença constante nos noticiários.

O impacto estratégico de HWASA e Alok no Rock in Rio 2026

A confirmação de HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 conecta três eixos centrais:

1. Expansão do mercado asiático no Brasil

2. Consolidação da música eletrônica como atração de palco principal

3. Ampliação da audiência digital internacional

O festival assume uma postura que dialoga com as transformações do streaming e com o consumo multiplataforma. A combinação entre K-pop e EDM amplia o tempo médio de permanência do público e potencializa o engajamento em transmissões ao vivo.

Audiência digital e projeção internacional

Fandoms organizados operam como verdadeiras máquinas de amplificação. Hashtags coordenadas, streaming coletivo e produção massiva de conteúdo em tempo real projetam HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 para além do espaço físico do evento.

Historicamente, o Rock in Rio construiu sua reputação reunindo headliners do rock e do pop ocidental. Em 2026, a narrativa se expande: o Palco Mundo torna-se território de convergência entre culturas, idiomas e estéticas.

A escolha por HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 não é apenas artística — é econômica. Amplia mercados, atrai patrocinadores globais e reposiciona o festival como plataforma internacional de intercâmbio cultural.

Setembro sob os holofotes globais

Com datas definidas e parte do line-up revelado, o festival consolida uma estratégia de diversidade sonora sustentada por dados de audiência e tendências de consumo.

A presença de HWASA e Alok no Rock in Rio 2026 simboliza um ponto de inflexão: o Brasil se reafirma como palco de encontros globais. EDM brasileira e K-pop dividem a mesma noite em um espetáculo pensado para escala máxima.

No dia 11 de setembro, o Palco Mundo não será apenas cenário de shows. Será vitrine de um novo desenho geopolítico da música pop.

A relação do público brasileiro com Angélica atravessa décadas e permanece viva na memória afetiva de diferentes gerações. Nesta quinta-feira, a artista voltou a mobilizar fãs ao compartilhar um registro raro de sua infância, revivendo um capítulo pouco lembrado, mas essencial, da construção de sua imagem pública. Em clima de TBT, a apresentadora relembrou o período em que atuou como garota propaganda de uma marca de brinquedos, ainda no início de sua carreira. A publicação rapidamente se espalhou pelas redes, reacendendo lembranças, despertando nostalgia e celebrando a trajetória de uma artista que começou cedo como modelo publicitária e conquistou um espaço definitivo no entretenimento nacional.

A foto, descrita pela própria Angélica como um tesouro “do fundo do baú”, representa muito mais do que um registro de infância. É uma janela para o passado, para a construção de uma carreira que começou aos quatro anos e se expandiu com disciplina, carisma e grande capacidade de adaptação às transformações da televisão brasileira. O resgate desse momento levou admiradores a refletirem sobre o impacto da artista na cultura popular e sobre a longevidade de seu trabalho — algo raro em um setor marcado por mudanças rápidas.

A publicação, comentada por perfis de fãs e celebrada pelo público, destaca a importância simbólica da trajetória de Angélica, uma das personalidades mais reconhecidas da mídia nacional. Mais do que recordar uma propaganda antiga, o gesto reacende o debate sobre exposição infantil, carreira precoce e os caminhos percorridos por artistas que vivem sob os holofotes desde muito cedo.

A trajetória precoce de Angélica no Brasil e o início de uma carreira de 47 anos

A carreira de Angélica é uma das mais antigas entre artistas que começaram na infância e permaneceram no imaginário brasileiro. Seu primeiro contato com a televisão ocorreu no programa Buzina do Chacrinha, onde se destacou pela desenvoltura e espontaneidade incomuns para uma criança tão pequena. O passo seguinte veio ao participar e vencer o concurso “Criança Mais Bonita do Brasil”, competição que ampliou nacionalmente sua visibilidade e abriu portas para campanhas publicitárias, programas infantis e outros projetos audiovisuais.

A imagem revelada no TBT reacendeu a lembrança dessa fase. Nela, a pequena Angélica aparece interpretando papeis típicos da publicidade da época, representando marcas de brinquedos e produtos infantis. Essa fase, especialmente marcante para sua construção artística, consolidou seu caminho no universo televisivo, criando uma ponte entre sua identidade pessoal e a percepção pública construída ao longo dos anos.

O fato de a apresentadora resgatar esse momento reforça a relevância que ela atribui a sua própria história. A longevidade de sua carreira — 47 anos desde sua primeira aparição pública — é resultado não apenas de talento, mas também de uma capacidade única de transitar por diferentes formatos, linguagens e fases da televisão. Desde programas infantis até atrações voltadas ao grande público, Angélica se manteve relevante mesmo diante de profundas mudanças na mídia.

O simbolismo do TBT e a relação emocional com os fãs

O movimento de revisitar a infância em uma publicação nas redes sociais vai além do entretenimento. Ele se conecta diretamente com a nostalgia, que tem papel central na cultura digital contemporânea. Quando Angélica resgata um momento distante de sua trajetória, ela abre uma ponte emocional que liga diferentes gerações: aqueles que a acompanharam no início da carreira, os que a conheceram na fase adulta e os jovens que hoje seguem seu trabalho nas plataformas digitais.

A imagem da garota propaganda também se torna um lembrete de como o Brasil acompanhou seu crescimento diante das câmeras. O público viu a artista se desenvolver, amadurecer, formar família, mudar de projetos e se reinventar ao longo das décadas. A resposta calorosa dos fãs demonstra a força desse vínculo afetivo, que transcende o conteúdo de entretenimento e se transforma em uma relação de memória e cumplicidade.

As páginas administradas por admiradores de Angélica reforçam essa percepção, destacando a beleza e a importância de sua carreira. A resposta da artista, com bom humor e gratidão, evidencia que ela reconhece o carinho e a dedicação de um público que permanece fiel, mesmo com o tempo e as mudanças tecnológicas.

Exposição infantil, carreira precoce e os desafios de crescer sob os holofotes

Ao revisitar memórias da infância, Angélica reacende discussões sobre a exposição precoce de crianças na mídia. A artista já falou abertamente sobre como crescer diante das câmeras influenciou sua vida, destacando que, embora tenha tido oportunidades únicas, também enfrentou pressões e desafios específicos de quem não teve anonimato durante o desenvolvimento pessoal.

Hoje, mãe de três filhos — Joaquim, de 20 anos; Benício, de 18; e Eva, de 12 — a apresentadora demonstra preocupação ao refletir sobre a possibilidade de que seus filhos vivenciem exposição semelhante. As declarações anteriores de Angélica expressam receio quanto à invasão da privacidade e à intensidade com que a internet amplifica a vida de figuras públicas, especialmente as mais jovens. Essa posição coloca a artista como voz ativa em um debate cada vez mais presente: os limites da exposição de crianças e adolescentes em tempos de redes sociais.

Ao compartilhar o TBT, a artista não apenas revive seu passado, mas convida o público a refletir sobre questões complexas, como o impacto emocional de crescer diante de milhões de pessoas e a responsabilidade atual de proteger jovens de pressões semelhantes. Essa relação entre passado e presente fortalece ainda mais a narrativa de Angélica, que usa sua história como fonte de reflexão e maturidade.

A relevância da imagem de Angélica para a televisão brasileira

A presença de Angélica na televisão brasileira se tornou símbolo de estabilidade em meio a uma indústria marcada por constantes transformações. Sua capacidade de permanecer no ar, reinventando programas, formatos e linguagens, demonstra compreensão profunda do que o público espera e valoriza.

Ao longo de sua trajetória, a artista comandou programas infantis que se tornaram parte da memória coletiva, migrou para atrações de auditório, apresentou quadros especiais e se aproximou de formatos mais adultos ao longo do tempo. Essa transição orgânica fortaleceu sua imagem e criou um repertório diversificado, que sustenta sua relevância até hoje.

O resgate de sua fase infantil serve também como releitura dessa história. Ao mostrar a foto antiga, Angélica reitera o ponto de partida de uma carreira que se destaca pela longevidade, pela familiaridade com o público e pelo impacto cultural. Em tempos de consumo rápido e alta rotatividade digital, poucas figuras conseguem atravessar gerações mantendo carinho, respeito e identificação — e ela é uma das exceções.

A dimensão afetiva da lembrança e o impacto cultural

A foto compartilhada por Angélica desperta mais do que lembranças individuais. Ela aciona um repertório emocional coletivo, especialmente entre brasileiros que cresceram assistindo à televisão aberta. Para muitos, rever a artista pequena representa revisitar a própria infância: brincadeiras, tardes em família, programas clássicos e marcas que fizeram parte do cotidiano.

Essa dimensão afetiva reforça a influência cultural da apresentadora. Diferente de figuras que alcançam fama passageira, Angélica construiu uma marca pessoal sólida, que transcende fases e formatos. Sua imagem se tornou parte da identidade cultural do país, ocupando espaço que poucas celebridades mantêm de forma tão prolongada.

O TBT, portanto, não é apenas uma lembrança. É um capítulo de uma história maior, compartilhada entre artista e público.

O valor da memória e o fortalecimento da identidade pública

Ao publicar a imagem, Angélica reforça a importância da memória na construção da identidade pública. A lembrança da infância não é apenas um registro estético; é um marco simbólico de como sua carreira se desenvolveu e de como a artista se percebe no presente.

O gesto demonstra maturidade emocional ao olhar para o passado com carinho, consciência e compreensão do impacto que aquele momento teve em sua trajetória. Isso reforça também sua postura transparente, sempre presente em suas reflexões sobre trabalho, maternidade e exposição na mídia.

O público, por sua vez, reconhece e responde a essa autenticidade. Em tempos de internet saturada e discursos superficiais, a honestidade e a naturalidade de Angélica fortalecem a conexão com seus seguidores.

A criança que virou símbolo de gerações

O resgate da foto antiga reafirma a trajetória de Angélica como uma das artistas mais queridas e respeitadas do Brasil. Ao revisitar sua infância, ela não apenas emociona seus fãs, mas também fortalece sua própria narrativa. A história que começou diante das câmeras ainda na primeira infância evoluiu para uma carreira sólida, multifacetada e profundamente ligada ao imaginário nacional.

A imagem trazida em clima de TBT revela mais do que nostalgia. Ela ilustra uma vida inteira dedicada à arte, à comunicação e à construção de vínculos afetivos com o público. E mostra que, mesmo após 47 anos de carreira, Angélica continua encontrando novas formas de emocionar, inspirar e dialogar com quem a acompanha.

A Louis Vuitton inicia dezembro de 2025 com um dos anúncios mais emblemáticos de sua história recente: a abertura de uma megaloja em Seul, concebida para integrar moda, gastronomia, arte e narrativa histórica em um único espaço. O projeto, batizado de LV The Place Seoul, traduz a visão de uma marca que se reposiciona como instituição cultural e não apenas como grife de moda. A inauguração ocorre simultaneamente à ascensão de Pietro Beccari a um novo cargo dentro do grupo LVMH, ampliando sua influência sobre algumas das marcas mais importantes do conglomerado.

A presença de celebridades como Lisa, integrante do grupo BlackPink, Felix e o artista Takashi Murakami reforçou o impacto da inauguração e transformou o evento em marco cultural. Em plena efervescência sul-coreana, a Louis Vuitton consolida seu espaço em um mercado que se tornou protagonista global do consumo de luxo. A estratégia reforça o papel da Coreia como ponto-chave de inovação e desejo, fortalecendo a presença da marca entre jovens consumidores que buscam conceito, estética e experiência.

A megaloja, com cerca de 5 mil metros quadrados distribuídos em seis andares, simboliza a evolução da Louis Vuitton em Seul e inaugura um novo capítulo no que o mercado chama de retailtainment: lojas concebidas não apenas para vender, mas para entreter, educar e emocionar.

Uma superloja que redefine o varejo de luxo contemporâneo

Localizada em La Reserve, área de referência dentro do complexo de luxo Shinsegae, a nova Louis Vuitton em Seul inaugura um conceito que mistura exposição artística, gastronomia refinada, espaços imersivos e áreas comerciais distribuídas em múltiplos pavimentos. O resultado é um centro cultural dedicado à experiência Louis Vuitton, no qual produtos, histórias e símbolos convivem em harmonia com obras de arte contemporâneas.

O ponto central da megaloja é a exposição “Visionary Journeys”, uma narrativa histórica que reconta a evolução da marca desde o século XIX. O percurso inclui peças raras, documentos históricos, baús do final do século 1800 e estruturas icônicas que moldaram o imaginário da maison. O túnel “Trunkscape”, por exemplo, reúne baús originais da era de fundação da empresa, transportando o visitante para a origem da maison.

Esse tipo de curadoria traduz o conceito que Beccari chama de “profundidade narrativa”, algo cada vez mais relevante para consumidores jovens que valorizam história, coerência e autenticidade. O sucesso da curadoria feita anteriormente em Xangai serviu de base para uma expansão ainda mais sofisticada em Seul.

A liderança cultural da Louis Vuitton no cenário global

A abertura da Louis Vuitton em Seul acontece em momento estratégico. O mercado sul-coreano se posiciona entre os cinco mais fortes da marca, tanto em volume de compras quanto em perfil de consumidor. As novas gerações sul-coreanas impulsionam tendências globais, influenciando comportamentos em moda, beleza e lifestyle. Não por acaso, a megaloja foi construída em um edifício icônico dos anos 1930 e transformada em espaço quase inteiramente dominado pela maison.

A combinação de tradição, tecnologia e linguagem contemporânea torna a loja um marco global. Cada andar revela elementos distintos da marca: desde a construção dos primeiros baús até a visão futurista dos estilistas que moldaram diferentes décadas da Louis Vuitton. As seções dedicadas à relojoaria, personalização e alta marroquinaria ampliam a imersão do visitante na diversidade criativa da casa.

Essa construção de presença cultural está alinhada ao reposicionamento da marca, que tem investido fortemente em projetos ligados ao esporte, à arte e à música. A conexão com grandes eventos como Fórmula 1 e Olimpíadas reforça essa expansão simbólica.

Pietro Beccari e sua ascensão dentro do grupo LVMH

A inauguração da nova Louis Vuitton em Seul ocorreu menos de 24 horas após o anúncio de que Pietro Beccari assumiria um segundo cargo dentro do grupo LVMH, tornando-se CEO do conglomerado de moda que inclui marcas como Fendi, Pucci, Givenchy e Jonathan Anderson. A decisão do grupo representa reconhecimento de sua capacidade de reposicionar marcas e construir experiências que dialogam com a cultura contemporânea.

Beccari, que se tornou referência no setor de luxo pela revitalização da Dior, leva agora sua visão estratégica para um grupo ainda maior. Seus projetos anteriores — incluindo a reinvenção da flagship da Dior na Avenue Montaigne — consolidaram seu nome como um dos mais influentes executivos da moda global.

Sua filosofia se baseia na ideia de que o luxo precisa evoluir, oferecendo não apenas produtos, mas experiências sensoriais e emocionais que despertem curiosidade e conexão emocional. Essa visão é materializada de maneira exemplar na nova loja de Seul.

Gastronomia de alta performance para completar a experiência

A multifuncionalidade da Louis Vuitton em Seul se estende também para o topo do edifício, onde está o restaurante JP, comandado pelo chef sul-coreano Junghyun Park, responsável por um dos restaurantes mais premiados de Nova York.

O menu do JP é pensado como elemento narrativo do espaço. Os pratos reinterpretam memórias culinárias coreanas com técnica contemporânea, reforçando a visão de que a gastronomia é parte integral da experiência de marca. A harmonização entre sabores, arte, arquitetura e moda transforma a megaloja em destino cultural, não apenas comercial.

O terraço do restaurante abriga esculturas monumentais de artistas renomados, consolidando a unidade entre luxo, arte e história. A proposta alinha a Louis Vuitton ao conceito moderno de lifestyle premium, no qual cada detalhe é pensado para transmitir identidade e excelência.

Café, museu, arte e moda: a construção de um ecossistema

A expansão da presença da Louis Vuitton em múltiplos setores — moda, gastronomia, museologia, design, esportes e lifestyle — fortalece o conceito de ecossistema cultural. Em Seul, esse ecossistema se materializa de forma ampla: quatro andares de varejo, um restaurante de alto padrão, um café comandado pelo chef Maxime Frédéric e uma exposição histórica com curadoria de padrão museológico.

Esse modelo estimula engajamento emocional e transforma visitantes em clientes recorrentes. Estratégias como essa vêm sendo utilizadas pela marca desde 2021, culminando agora em sua forma mais grandiosa.

A aposta da Louis Vuitton no mercado sul-coreano também reflete a força econômica do país. O consumo de luxo na Coreia do Sul tem crescido em ritmo acelerado — superando mercados tradicionais, como Japão e alguns países europeus. A Louis Vuitton em Seul reforça essa liderança e posiciona o país como centro de influência fashion global.

A estética visionária das coleções apresentadas no espaço

O espaço dedicado à moda dentro da megaloja contempla as principais coleções de vestuário, marroquinaria e acessórios da marca. O destaque fica por conta das peças da coleção de cruzeiro apresentadas por Nicolas Ghesquière no Palácio dos Papas, em Avignon, marcada por estética futurista e medieval. A presença de Lisa, do BlackPink, em um dos looks reforçou o impacto global da coleção.

O diálogo entre passado e futuro é perceptível na curadoria: peças históricas convivem com elementos da cultura pop e com criações contemporâneas que definem a identidade atual da maison. A presença de bolsas em monograma, Damier e Epi reforça a força simbólica dos códigos tradicionais, reinterpretados constantemente ao longo das décadas.

A força comercial e simbólica da marca dentro do grupo LVMH

A Louis Vuitton permanece como marca de maior faturamento do conglomerado LVMH, responsável por cerca de um quarto das vendas e 40% dos lucros do grupo. O papel estruturante da empresa torna ainda mais significativo o projeto realizado em Seul, que fortalece sua posição como pilar da estratégia global do conglomerado.

A megaloja contribui não apenas para o resultado financeiro, mas para a construção de cultura. A capacidade da marca de transformar experiência em desejo e narrativa em valor é central para seu crescimento contínuo. A Louis Vuitton em Seul representa esse movimento em escala épica.

A atriz Cássia Kis é um dos grandes nomes da teledramaturgia brasileira — e sua atuação no clássico “Vale Tudo” (1988-1989) permanece entre os momentos mais emblemáticos da TV Globo. A cena em que sua personagem, Leila, é revelada como a assassina de Odete Roitman marcou gerações e se tornou um divisor de águas na ficção nacional.

Com o remake da novela chegando ao fim nesta sexta-feira (17), o público revive o desfecho impactante da versão original, exibida em 6 de janeiro de 1989, e volta a celebrar o talento e a força interpretativa de Cássia Kis, que deu vida a uma das vilãs mais complexas da história da televisão.

O assassinato de Odete Roitman: o auge da atuação de Cássia Kis

O mistério “Quem matou Odete Roitman?” foi uma das maiores perguntas já feitas na TV brasileira. Por meses, o país inteiro especulou quem seria o responsável pela morte da temida empresária vivida por Beatriz Segall.

No capítulo final, a resposta chocou o público: Leila, personagem de Cássia Kis, matou Odete por engano. A revelação surpreendeu e emocionou os espectadores, consolidando a atriz como um dos grandes talentos dramáticos de sua geração.

Na trama, Leila confessa o crime ao personagem Bartolomeu e foge do país ao lado de Marco Aurélio (Reginaldo Faria) e Bruno (Danton Mello). Dentro do avião, Marco Aurélio faz o icônico gesto de “dar uma banana para o Brasil”, encerrando a novela com uma crítica simbólica à impunidade e à corrupção — e eternizando a participação de Cássia Kis na história da teledramaturgia.

A fuga e o gesto que virou símbolo nacional

O desfecho de Leila (Cássia Kis) em “Vale Tudo” foi ousado e provocador. Fugindo do país ao lado de Marco Aurélio, ela escapa de qualquer punição, o que deixou parte do público indignada — e outra parte fascinada pela coragem da narrativa.

A cena do avião, em que Marco Aurélio debocha do Brasil, virou um dos momentos mais lembrados da TV. Para muitos críticos, o gesto sintetizou o espírito da época: um país dividido entre o desejo de justiça e a percepção de que os poderosos sempre escapam impunes.
A presença de Cássia Kis nessa sequência final reforçou seu talento em interpretar personagens intensas, contraditórias e emocionalmente densas.

Casamentos, reencontros e finais inesperados

Além da revelação do crime de Cássia Kis, o último capítulo de “Vale Tudo” também trouxe diversos desfechos marcantes para os demais personagens.
Afonso (Cássio Gabus Mendes) reencontra Solange (Lídia Brondi) e descobre ser pai de Marcinha, filha que acreditava ser de outro homem. O casal, querido pelo público, finalmente se casa, encerrando o ciclo com emoção.

Outros casamentos também marcaram o episódio:

• Poliana (Pedro Paulo Rangel) se une a Íris (Cristiana Galvão);

• Heleninha (Renata Sorrah) se casa com William (Dennis Carvalho), mostrando sua recuperação após um período de alcoolismo;

• E, de forma surpreendente, Maria de Fátima (Glória Pires) termina com um casamento arranjado com um príncipe italiano — um desfecho que sugere até mesmo um trisal com César (Carlos Alberto Riccelli).

Essas tramas paralelas ajudaram a tornar o último capítulo uma verdadeira celebração da diversidade de destinos e comportamentos humanos.

Do jogo do bicho à ascensão social

Outro destaque do fim da novela foi a transformação de Lucimar (Maria Gladys). A ex-faxineira vence no jogo do bicho ao apostar no número da sepultura de Odete Roitman, enriquecendo e retornando da Argentina completamente mudada.
Seu novo visual e comportamento arrogante — quase uma paródia de Odete — simbolizam a ironia da novela sobre o poder, o dinheiro e a hipocrisia social.

A crítica televisiva da época considerou essa virada uma das mais criativas de Vale Tudo, reforçando a ideia central da obra: no Brasil, tudo parece valer, inclusive a ascensão por meios duvidosos.

Ivan, Raquel e o encerramento simbólico

Enquanto alguns personagens escaparam de punições, Ivan (Antônio Fagundes) teve um desfecho mais realista. Condenado a dois anos de prisão por suborno, ele reconhece suas falhas e reflete sobre a integridade em uma sociedade corrupta.
Após cumprir um ano de pena, Ivan é indicado por Afonso (Cássio Gabus Mendes) à vice-presidência da TCA e escreve o livro “Vale Tudo”, uma metáfora sobre redenção e aprendizado.

O casal Ivan e Raquel (Regina Duarte) protagoniza a cena final da novela, caminhando pela praia — um símbolo de esperança e recomeço. O momento encerra com sutileza uma trama que abordou, com coragem, as contradições da moral brasileira.

Cássia Kis: intensidade e legado na teledramaturgia

A participação de Cássia Kis em “Vale Tudo” consolidou definitivamente sua posição como uma das atrizes mais respeitadas do país. Sua interpretação de Leila foi elogiada pela crítica por equilibrar frieza, emoção e complexidade psicológica.
Mesmo décadas depois, o público ainda se recorda do olhar tenso, da confissão inesperada e da fuga dramática que encerraram sua trajetória na novela.

Desde então, Cássia Kis construiu uma carreira repleta de personagens memoráveis em produções como “Porto dos Milagres”, “O Rei do Gado”, “Pantanal” e “Amor de Mãe”. Em cada papel, ela demonstra domínio técnico e profundidade emocional, características que a tornaram um ícone da TV brasileira.

O remake de 2025 e o impacto do retorno de Vale Tudo

Com o remake de “Vale Tudo” em exibição, o público revive não apenas a trama, mas também a memória afetiva ligada à versão original. A novela volta a despertar debates sobre ética, ambição e caráter — temas que continuam atuais mais de três décadas depois.

Mesmo sem participar do novo elenco, o nome Cássia Kis é constantemente lembrado nas redes sociais, em comparações entre o original e o remake. Sua interpretação definitiva de Leila é considerada insuperável por muitos fãs e críticos, reafirmando o poder do talento e da autenticidade artística.

Por que Cássia Kis ainda é referência na TV brasileira

O sucesso de Cássia Kis transcende “Vale Tudo”. A atriz é reconhecida por sua entrega total aos papéis e pela capacidade de dar profundidade a personagens humanas, contraditórias e realistas.
Em uma era de novelas que buscam cada vez mais representatividade e crítica social, a atuação de Cássia se mantém como um modelo de excelência interpretativa.

Sua trajetória também reflete o amadurecimento da teledramaturgia brasileira, que aprendeu a valorizar o anti-heroísmo e a complexidade moral. “Vale Tudo” foi pioneira nesse sentido — e Cássia Kis foi um dos pilares desse movimento.

“Vale Tudo” e a atualidade do seu discurso

Mais de 35 anos após sua estreia, “Vale Tudo” segue atual. Questões como corrupção, desigualdade e ética continuam no centro das discussões públicas, e a figura de Leila (Cássia Kis) permanece como um espelho das ambiguidades humanas.
O sucesso do remake mostra que o público ainda se reconhece nessas histórias, e que o impacto da novela vai muito além da nostalgia.

Ao revisitar o papel de Cássia Kis, o público também revisita um momento em que a teledramaturgia ousava questionar o próprio país — e fazia isso com arte, emoção e coragem.

O universo da moda está em plena transformação, e com o início do SPFW N60, em 13 de outubro de 2025, as atenções não se limitam apenas às passarelas. Cada coleção apresentada traz mensagens sobre o futuro da moda, suas prioridades e os valores que cada grife quer comunicar. Um dos movimentos mais significativos da indústria atualmente é a adoção de biomateriais para substituir o couro animal, promovendo inovação, sustentabilidade e luxo ético.

Nos últimos anos, marcas de luxo e designers independentes têm desenvolvido materiais que transformam resíduos orgânicos e plantas em bolsas, roupas, calçados e acessórios que desafiam o conceito tradicional de luxo. Entre os exemplos mais emblemáticos, estão o Biocuero, feito a partir da casca de banana pela marca espanhola Sentèz; o beLEAF, produzido no Brasil a partir da planta orelha-de-elefante; e o Mylo, à base de cogumelos, que já conquistou grifes internacionais como Hermès e Stella McCartney. Esses materiais demonstram como é possível aliar estética sofisticada, performance comparável ao couro tradicional e respeito ao meio ambiente.

Biomateriais: inovação sustentável na moda

Claudia Epszteyn, fundadora da Sentèz, destaca que o Biocuero é resultado de quase dois anos de pesquisa e desenvolvimento, sendo produzido com 70% de resíduos industriais, como cascas de frutas e celulose bacteriana proveniente da fermentação do kombucha. O processo é sustentável, não utiliza altas temperaturas nem produtos químicos nocivos, e permite que a peça seja compostada ao final de seu ciclo de vida, retornando ao solo como fertilizante natural. Para produzir uma bolsa de tamanho médio, são necessárias cerca de 18 cascas de banana, transformando o que seria lixo em um produto de alto valor agregado.

No Brasil, André de Castro, diretor de marketing da beLEAF, ressalta que a inovação está na autenticidade dos materiais e não na tentativa de imitar o couro animal. “Não estamos tentando parecer o couro bovino, mas abraçar a cara natural da folha”, afirma. A empresa já firmou parcerias com grifes renomadas como Loewe, Christian Louboutin, Misci e Lenny Niemeyer, criando um processo de biocurtimento que preserva 100% da textura natural das folhas.

O produto final da beLEAF é biodegradável, resistente e com performance semelhante ao couro animal, podendo receber acabamentos variados, do fosco ao brilho. Entretanto, a empresa ainda enfrenta desafios: pequenas quantidades de PU (poliuretano) são usadas para reforçar a estrutura do material, e a meta é criar uma composição totalmente vegetal e livre de polímeros fósseis.

Design autoral e impacto social

Outro destaque é a marca Leoniê, fundada pelo designer pernambucano Marlu Fonseca, que aposta em um luxo regenerativo. As peças combinam materiais inovadores e éticos, como couro de cacto da Desserto, borracha amazônica produzida por comunidades no Pará, folhas de orelha-de-elefante, fibras de PET reciclado, linho e compostos de soja e sal marinho. Cada criação traz dados de rastreabilidade, redução de emissões de carbono e origem ética da produção, e ainda apresenta design modular, que minimiza o consumo excessivo.

Para Fonseca, o couro vegetal pode custar até três vezes mais do que o couro tradicional, mas este investimento representa um compromisso com o futuro, inovação e responsabilidade social, não um obstáculo. A decisão de substituir o couro animal foi ética, estética e estratégica: ética por rejeitar o sofrimento animal, estética por valorizar texturas orgânicas e únicas, e estratégica por acreditar que o futuro do luxo pertence a quem une responsabilidade e inovação.

Sustentabilidade de fato ou greenwashing?

Apesar das inovações, a indústria enfrenta desafios para garantir que os materiais alternativos sejam verdadeiramente sustentáveis. Claudia Castanheira, pesquisadora do Instituto Fashion Revolution Brasil, enfatiza a importância de analisar todo o ciclo de vida dos biomateriais, desde o cultivo até a compostagem. Um material natural, produzido em larga escala sem planejamento, pode causar impactos negativos, como monoculturas, deslocamento de comunidades e perda de biodiversidade.

A moda é responsável por até 8% das emissões globais de carbono, e no Brasil menos de 20% dos resíduos têxteis são reciclados. Dados da pesquisa GenZ Insights mostram que 87% dos consumidores preferem marcas sustentáveis, mas o risco de greenwashing é real. Marcas podem promover produtos “verdes” sem realmente reduzir impactos ambientais, transformando inovação em estratégia de marketing.

Alguns biomateriais em destaque incluem:

• Piñatex: feito de folhas de abacaxi, usado por Hugo Boss.

• Tômtex: feito de borra de café e quitina de crustáceos.

• Mylo: produzido a partir de micélio de cogumelos, utilizado por Hermès e Stella McCartney, com produção restrita e custo elevado.

Castanheira reforça que o verdadeiro avanço sustentável não está apenas na substituição do couro, mas em repensar o ritmo de produção e consumo. Um material só é transformador se vier acompanhado de modelos de negócio circulares e transparentes, caso contrário, corre-se o risco de ser apenas mais um produto no mercado.

Desafios técnicos e logísticos

Produzir biomateriais em escala envolve desafios técnicos e climáticos. No caso da beLEAF, as folhas precisam ser cultivadas em sistemas agroflorestais e colhidas em épocas específicas do ano. André de Castro explica que durante períodos de seca, manter a produção é complexo, mas a empresa desenvolveu um processo que permite preservar folhas por meses, garantindo fluxo contínuo de matéria-prima.

Mesmo com narrativas poderosas e materiais inovadores, o luxo do futuro dependerá de um equilíbrio delicado entre inovação, ética e desejo do consumidor. Marlu Fonseca aponta que ainda existe certo preconceito contra materiais sustentáveis, vistos como “rústicos” ou “alternativos demais”. Ele afirma que se grandes marcas, como Gucci e Hermès, adotassem materiais alternativos em suas linhas principais, o impacto ambiental positivo seria expressivo e a aceitação do público muito maior.

O futuro do luxo

O cenário atual da moda demonstra que a substituição do couro animal por couro vegetal e biomateriais inovadores vai além de uma tendência estética. Trata-se de uma revolução ética e ambiental, capaz de transformar a indústria, reduzir impactos, valorizar comunidades e criar uma narrativa de luxo responsável. À medida que consumidores buscam marcas com propósito, autenticidade e respeito à natureza, o futuro da moda parece caminhar para materiais inovadores, design sustentável e economia circular, colocando o couro vegetal como protagonista dessa nova era.