Uma coleção inspirada na etimologia de “cosmopolita”

A estilista Lilly Sarti, ao lado de Renata Sarti, mergulhou na origem e nos significados da palavra “cosmopolita” para compreender e reinterpretar tudo o que construiu ao longo das quase duas décadas de marca. O resultado foi uma coleção que reflete o DNA contemporâneo da label: urbano, livre, adaptável e cheio de personalidade.

A ideia de cosmopolitismo traduz-se nas passarelas através de um guarda-roupa que dialoga com os grandes centros urbanos. As peças foram pensadas para acompanhar o ritmo da mulher moderna — aquela que circula entre o trabalho, os compromissos sociais e os momentos de lazer sem perder a elegância.

Versatilidade e identidade marcam o Inverno 2026

Na passarela da SPFW N60, o Inverno 2026 da Lilly Sarti apresentou uma moda funcional e elegante. O conceito “do dia à noite, de segunda a domingo” norteou a construção da coleção. Cada look foi desenhado para se adaptar às mais diversas situações, reafirmando o compromisso da marca com a durabilidade, atemporalidade e versatilidade.

Entre as apostas da estação estão:

• Calças jeans com bolsos desordenados, que trazem um toque despojado e contemporâneo.

• Saias mídi texturizadas, com pontas fluidas e movimento orgânico.

• Camisas estruturadas de couro, que traduzem força e modernidade.

• Tops de cristais, ousados e sensuais, que brincam com a transparência e o brilho.

• Vestidos drapeados e jaquetas militares, combinando delicadeza e rigidez em harmonia.

Essas composições refletem o equilíbrio entre o clássico e o ousado — característica que vem definindo a marca Lilly Sarti ao longo dos anos.

Durabilidade e estilo: o novo luxo da mulher Lilly Sarti

Para Lilly Sarti, moda e tempo caminham juntos. A estilista acredita que a longevidade das peças é um reflexo do amadurecimento da marca e da clientela. “Nossa cliente é fiel e busca roupas que permaneçam importantes em seu guarda-roupa”, resume.

Esse conceito de durabilidade emocional e estética é o fio condutor do Inverno 2026 da Lilly Sarti, que reforça o valor do investimento em peças atemporais, bem cortadas e de alta qualidade. O luxo aqui não está apenas nos materiais, mas na permanência — na roupa que atravessa estações e continua relevante.

A influência do japonismo na coleção

Entre as referências sutis, o japonismo ganha destaque como elemento de inspiração estética e filosófica. As pregas assimétricas, as silhuetas arredondadas e as construções em camadas remetem ao design japonês, sem recorrer à literalidade. Essa influência reforça o equilíbrio entre minimalismo e complexidade, duas forças que definem a linguagem da Lilly Sarti.

As modelagens fluidas e sobreposições inteligentes revelam a busca pela harmonia visual e funcional. O Inverno 2026 da Lilly Sarti é, portanto, uma celebração da forma e da essência — do gesto e do detalhe.

Styling e composição: o poder do conjunto

O São Paulo Fashion Week N60 trouxe nesta terça-feira (14.10) uma das apresentações mais ousadas da temporada: Forca Studio Inverno 2026. O Aeroporto Campo de Marte se transformou em passarela de moda ao redor de uma aeronave militar, evocando memórias das antigas aeronaves da Força Aérea Brasileira, e criando um cenário dramático e imersivo para o desfile.

A performance começou de forma espetacular: quatro paraquedistas aterrissaram ao vivo, abrindo caminho para a entrada da primeira modelo. A encenação não foi apenas um gesto estético, mas uma declaração de intenção da marca: alçar voos maiores no mercado de moda nacional e internacional, como explicam os sócios e diretores criativos Silvio De Marchi e Vivian Rivaben.

Forca Studio: do universo clubber à aviação

Curiosamente, o DNA da marca tem origem na cultura clubber, com peças pensadas para resistir à noite e ao fervo das festas eletrônicas. Dessa influência vêm bodies de látex, desenvolvidos em parceria com a criadora Cece, referência em materiais exclusivos para insiders da cena techno. Essa base performática evoluiu para o inverno 2026, incorporando utilitarismo, estrutura e inspiração militar, refletindo a versatilidade da grife e seu desejo por inovação constante.

Agora, a marca expande sua atuação: a loja da Barra Funda, em São Paulo, se transforma em showroom para lojistas e ateliê para peças sob medida. Silvio De Marchi detalha: “Vamos começar a vender no atacado e trabalhar com sob medida. Cada cliente poderá desenvolver uma peça do zero com nossa equipe de estilo”. Essa estratégia evidencia a ambição da marca de se consolidar no mercado premium, oferecendo exclusividade, personalização e atendimento diferenciado.

Coleção Inverno 2026: inspiração militar e leveza contemporânea

A coleção apresentada no SPFW N60 mantém o utilitarismo clássico da marca, incorporando novidades que equilibram estética e funcionalidade. Inspirados pelo mundo da aviação, os casacos exibem mangas arredondadas, lembrando paraquedas abertos, e cores que remetem aos uniformes da Força Aérea estadunidense. O uso de coletes de múltiplos bolsos, calças com fechos de metal e zíperes, além de elásticos, reforça a abordagem utilitária.

Além do couro — elemento tradicional na grife — o inverno 2026 explora tricôs, segundas peles, parkas de brilho plastificado, tops, slip dresses e vestidos com babados, promovendo leveza e fluidez. O uso de tecidos como chiffon, náilon e malhas finas acrescenta movimento às peças, contrastando com o peso do couro e a rigidez dos elementos militares.

A estética permanece performática, mas com uma nova dimensão: a alfaiataria corporativa se insinua com camisas, gravatas e paletós. Ainda que o acabamento precise de refinamento para competir com o impacto cênico do desfile, a aposta demonstra maturidade e ampliação da versatilidade da marca.

Performance e espetáculo: moda como experiência

A presença dos paraquedistas ao vivo exemplifica o compromisso da Forca Studio com a experiência sensorial do público. Cada detalhe da apresentação — da aeronave militar aos efeitos visuais e à iluminação — foi pensado para criar um diálogo entre moda, movimento e narrativa. A performance aérea serviu não apenas como entretenimento, mas como metáfora do desejo da marca de conquistar novos horizontes.

O desfile reforça a noção de que moda vai além de roupas: é cultura, espetáculo e comunicação. Ao integrar elementos da aviação e da performance clubber, a grife demonstra habilidade em transformar uma coleção em experiência multidimensional, captando a atenção da mídia, lojistas e consumidores.

Expansão e estratégia de mercado

A expansão do Forca Studio é estratégica e bem estruturada. A loja da Barra Funda passa a funcionar como hub para negócios B2B, permitindo a venda no atacado e a customização de peças para clientes especiais. Essa abordagem evidencia o potencial da marca em criar valor agregado, consolidando sua presença em multimarcas e oferecendo soluções personalizadas no Brasil inteiro.

Silvio De Marchi ressalta que, apesar da tradição performática da grife, o foco está em diversificação de produtos, abrangendo desde jaquetas e saias de couro até tricôs, parkas de brilho, bodies e tops, permitindo atender uma gama maior de consumidores e lojas.

Moda e utilitarismo: tradição e inovação

O universo clubber da marca, que já inspirava resistência e performance, agora dialoga com o utilitarismo militar. Peças com bolsos múltiplos, fechos de metal e zíperes estratégicos demonstram preocupação com funcionalidade e praticidade, enquanto elementos de alfaiataria corporativa expandem o vocabulário visual da marca. Essa fusão de estética urbana, performance e utilitarismo cria uma identidade única, consolidando a Forca Studio como referência de inovação no cenário nacional.

A escolha de cores, cortes e materiais reforça a coerência da coleção: os tons remetem à aviação, mas o uso de tecidos leves adiciona feminilidade, movimento e modernidade, permitindo que cada peça funcione tanto para o look urbano quanto para performance artística.

Beleza e styling: da pista de dança à passarela

O makeup levemente vampiresco, com olhos negros e vermelhos esfumados, mantém o vínculo com o universo noturno e clubber da marca. O styling reforça a narrativa da coleção, equilibrando o espírito raver com o utilitarismo, criando coesão entre vestuário, atitude e performance.

O resultado é um desfile que mantém a essência da marca, mas projeta novas direções: leveza, personalização, corporativismo e expansão de mercado.

O Forca Studio Inverno 2026 no SPFW N60 demonstra como uma marca pode transitar entre cultura urbana, performance e utilitarismo sem perder identidade. A apresentação evidencia inovação técnica, narrativa visual impactante e expansão estratégica, confirmando que a grife não é apenas relevante no universo da moda nacional, mas também apta a competir em mercados internacionais.

A integração de elementos militares, bodies de látex, tecidos leves e alfaiataria corporativa cria uma coleção versátil, performática e altamente comercial, alinhando moda, experiência e estratégia de negócios. O show de paraquedistas e o uso da aeronave como passarela são símbolos do potencial da marca: sempre pronta para alçar novos voos.

Com foco em expansão de mercado, multimarcas e peças sob medida, a marca se consolida como referência de inovação, criatividade e design funcional, mostrando que a moda brasileira pode ser performática, utilitária e sustentável ao mesmo tempo.

O verão 2025 de Patricia Viera marcou um dos momentos mais emblemáticos do São Paulo Fashion Week N60, reafirmando o protagonismo da marca carioca na moda autoral e sustentável. Sob a direção criativa de Andrea Viera, filha da fundadora, o desfile propôs uma viagem sensorial e afetiva às origens da estilista — uma revisita à Londres dos anos 1970, onde Patricia iniciou sua trajetória, sem deixar de lado o DNA artesanal e o compromisso com o couro como expressão artística.

No Teatro Iguatemi, em São Paulo, o público foi envolvido por uma atmosfera que uniu técnica, emoção e memória. Mais do que uma coleção, Patricia Viera apresentou uma reflexão sobre o tempo, o legado familiar e a capacidade de reinvenção de uma marca que há décadas define o padrão de excelência do couro brasileiro na alta moda.

Um retorno às origens com olhar contemporâneo

O ponto de partida da coleção foi Londres — cidade onde Patricia deu seus primeiros passos no universo fashion, nos anos 1970. A estilista recupera a essência desse período não como um exercício de nostalgia, mas como um diálogo criativo com o presente. “comecei na moda trabalhando com o que chamavam de couro de classificação baixa. Aprendi a pegar o que era considerado menor e transformar em luxo”, relembra Patricia.

Essa visão se mantém viva por meio do projeto Zero Waste, iniciado em 2017, que transforma sobras de curtume em elementos de design. No verão 2025, o conceito ganha força nas estampas de poás e microflores, aplicadas com extrema precisão técnica. É o luxo que nasce da sustentabilidade — um luxo consciente, que ressignifica o valor do artesanal e do reuso.

Andrea Viera: continuidade e renovação da linguagem

Desde que Andrea Viera assumiu a direção criativa da marca em 2023, o desafio tem sido equilibrar tradição e inovação. A nova coleção demonstra maturidade nessa transição: o couro, sempre protagonista, aparece reinventado, com novas texturas e uma leveza que desafia o imaginário do material.

Andrea mantém o legado da mãe, mas imprime um olhar próprio. A estrutura das peças dialoga com o movimento contemporâneo da moda brasileira — fluido, tecnológico e, ao mesmo tempo, conectado à natureza. O macramê artesanal, desenvolvido pela costureira Eleni Gomes, adiciona uma camada de textura e movimento que celebra o gesto humano. “Por mais que a gente tenha indústria, tem coisas que só o gesto humano alcança”, comenta Patricia.

Essa dualidade entre técnica e emoção se tornou a força da marca. O desfile mostra que o feito à mão não é uma resistência ao novo, mas um pilar de uma moda regenerativa, sustentável e duradoura.

Couro como linguagem: o DNA de Patricia Viera

Nenhuma outra marca brasileira trabalha o couro com a mesma sofisticação e sensibilidade que Patricia Viera. Para o verão 2025, o material foi submetido a um verdadeiro processo de revisão estética, explorando sua capacidade de ser leve, flexível e gráfica. Os cortes a laser, uma das assinaturas da marca, aparecem com novas interpretações: desenhos que remetem aos jardins de Londres, às arquiteturas clássicas e até às pontas de lápis, transformando superfícies rígidas em telas fluidas de movimento.

O resultado é uma coleção que reafirma o couro como linguagem artística. Longe do estereótipo pesado, o material ganha leveza em vestidos curtos e longos, compondo uma narrativa visual que alterna entre o clássico e o futurista. É o encontro entre tradição e tecnologia, com a elegância que há décadas define o nome Patricia Viera.

Paleta de cores e inspirações britânicas

A cartela de cores do verão 2025 reforça o frescor da estação sem perder a sofisticação. Tons suaves de branco, baunilha, menta e azul céu criam a base das composições, enquanto os acentos de rosa chiclete, vermelho tomate e preto adicionam ritmo e contraste. As referências britânicas aparecem com sutileza: o espírito irreverente da moda de Mary Quant, traduzido nos “cílios” aplicados como detalhes decorativos no couro, e na beleza das modelos, que ecoava o estilo icônico dos anos 1960 londrinos.

As estampas florais, xadrezes e relevos a laser reforçam o equilíbrio entre a herança artesanal e a experimentação técnica, firmando o desfile como um dos mais consistentes desta edição do SPFW.

Trilha sonora e atmosfera poética

A trilha sonora ao vivo, conduzida pela cantora Dora Morelenbaum, transformou o desfile em uma performance emocional. A música foi o fio condutor de uma narrativa que celebrou o passado e o presente da marca. O tom suave e poético da trilha reforçou a proposta de leveza da coleção, criando uma conexão sensorial entre o público e as criações.

Enquanto Andrea Viera comandava os bastidores, Patricia acompanhou o desfile da primeira fila — um gesto simbólico de passagem de bastão, que emocionou quem acompanhava. No final, mãe e filha subiram juntas à passarela para receber os aplausos, em um momento que selou a continuidade da história da marca com autenticidade e afeto.

Sustentabilidade e artesania: o luxo do futuro

O conceito de luxo sustentável permeia toda a trajetória de Patricia Viera, e nesta coleção ele se reafirma com vigor. O uso consciente do couro, o reaproveitamento de materiais e a valorização do trabalho manual transformam o desfile em uma declaração ética e estética.

O projeto Zero Waste, a pesquisa com macramê artesanal e o desenvolvimento de novas texturas refletem um compromisso com a sustentabilidade que vai além do discurso. É uma proposta de moda que respeita o tempo, a matéria e o humano — valores fundamentais em uma era de produção acelerada e consumo descartável.

Nesse sentido, a marca se posiciona como referência internacional de moda regenerativa, mostrando que o Brasil pode produzir design de ponta sem abrir mão de suas raízes culturais e ambientais.

Patricia Viera no SPFW N60: um legado que se reinventa

A volta de Patricia Viera ao São Paulo Fashion Week N60 é simbólica. Seis anos após sua última participação, o retorno marca não apenas a continuidade de uma trajetória, mas a consolidação de uma nova fase. Sob o olhar de Andrea Viera, o desfile reafirma que a força da marca está na capacidade de transformar o couro em poesia, unindo técnica, emoção e propósito.

O Teatro Iguatemi, palco escolhido para a apresentação, reforçou essa dimensão teatral e emocional. O espaço, recém-inaugurado, serviu de moldura perfeita para uma coleção que é, ao mesmo tempo, íntima e universal.

O papel de Patricia Viera na moda brasileira

Desde os anos 1980, Patricia Viera é sinônimo de inovação artesanal e sofisticação atemporal. Sua contribuição para a moda brasileira vai além das passarelas: ela redefiniu a relação entre o artesanato e o luxo, abrindo espaço para um novo entendimento do design nacional.

Ao longo das décadas, sua marca consolidou uma estética própria — uma fusão entre arte, tecnologia e sustentabilidade, sempre mediada pela sensibilidade artesanal. A chegada de Andrea Viera à direção criativa apenas amplifica essa visão, apontando para um futuro onde tradição e modernidade coexistem em harmonia.

O verão 2025 é, portanto, um marco dessa trajetória: uma coleção que olha para o passado com respeito e para o futuro com esperança.

Quando moda é memória e transformação

O desfile de Patricia Viera no SPFW N60 foi mais do que uma apresentação de moda. Foi um manifesto sobre a permanência da beleza, a importância do gesto artesanal e o poder transformador da memória. Ao revisitar Londres e o início da carreira de Patricia, a marca celebra uma história que é, acima de tudo, humana — feita de mãos, de tempo e de amor ao ofício.

Com Andrea Viera à frente da criação, a grife prova que o futuro do couro — e da moda brasileira — está nas mãos de quem entende que sustentabilidade não é tendência, mas consciência.

A Semana de Moda de São Paulo (SPFW N60), uma das mais importantes plataformas de moda da América Latina, recebeu um dos desfiles mais simbólicos e emocionantes desta temporada: a apresentação da Flavia Aranha, estilista reconhecida internacionalmente por unir sustentabilidade, ancestralidade e inovação estética. Em uma passarela que mais parecia um ritual de reconexão com a terra, Flavia apresentou uma coleção que ultrapassa os limites da roupa — é manifesto, cura e espiritualidade.

A proposta da Flavia Aranha no SPFW N60 reafirma o protagonismo da marca na moda regenerativa. Mais do que criar peças, ela cria sistemas — tecidos, pigmentos e processos que respeitam o tempo da natureza. O resultado é uma experiência sensorial que combina tecnologia verde, técnicas artesanais e uma reflexão profunda sobre o futuro do vestir.

🌱 A essência da coleção: o tempo como matéria-prima

O tema central da coleção apresentada no SPFW N60 é o tempo — tempo de plantar, de colher, de tingir e de se transformar. A designer propõe um novo olhar sobre o ritmo da moda, rompendo com a lógica da aceleração e do descarte. Em seu ateliê, cada peça é tratada como um organismo vivo, que nasce e amadurece de forma natural.

Os tecidos utilizados são 100% de origem natural, provenientes de fibras como algodão orgânico, linho e seda crua. O grande destaque fica para os tingimentos vegetais, técnica que Flavia domina com maestria. As cores surgem a partir de pigmentos obtidos de plantas brasileiras — casca de eucalipto, açafrão-da-terra, pau-brasil e folhas de mangueira —, revelando tonalidades suaves e terrosas que remetem à própria paleta do bioma nacional.

“Cada cor carrega uma história, uma memória e uma energia”, costuma dizer a estilista. Essa filosofia se traduz em roupas que parecem pulsar, como se estivessem conectadas ao ciclo da natureza.

🌸 Uma passarela de rituais e pertencimento

O desfile de Flavia Aranha no SPFW N60 começou com uma trilha sonora imersiva, marcada por tambores e cantos de origem afro-indígena. O ambiente remetia a uma floresta viva — sons de água, vento e folhas criavam uma atmosfera de acolhimento e espiritualidade. As modelos, de diferentes idades, corpos e tons de pele, caminharam descalças, simbolizando o retorno à terra.

Cada passo parecia um gesto de reverência. As roupas flutuavam em movimento orgânico: túnicas amplas, kaftans, saias fluidas e mantos com franjas longas criavam uma dança entre o corpo e o tecido. As texturas naturais e os acabamentos manuais destacavam o valor do feito à mão, um dos pilares da marca.

Ao final, o público foi convidado a silenciar — um momento de meditação coletiva, em que a passarela se transformou em espaço de pausa. Um ato simples, mas poderoso, que resumia a mensagem da designer: “a moda pode curar”.

🌾 Sustentabilidade regenerativa: mais que discurso, prática

O diferencial da Flavia Aranha está na consistência de sua proposta. Enquanto muitas marcas falam em sustentabilidade, ela pratica o conceito de forma sistêmica. A marca adota o ciclo produtivo regenerativo, que busca devolver à natureza mais do que retira dela. Isso inclui o uso de resíduos têxteis como insumo para novos tecidos, reaproveitamento de águas de tingimento e parceria com comunidades tradicionais.

A estilista também mantém uma estreita relação com cooperativas de artesãs e agricultores familiares. As fibras são cultivadas de forma agroecológica, e os processos de tingimento são feitos em baixa temperatura, reduzindo o consumo de energia. Essa rede de produção solidária dá origem a um produto final com alto valor simbólico e social.

No SPFW N60, a designer apresentou dados que comprovam o impacto positivo de sua atuação: redução de 80% no uso de água em comparação ao tingimento sintético e 60% menos emissão de CO₂. Cada peça carrega um QR Code que permite rastrear toda a cadeia produtiva — uma forma de transparência que reforça o compromisso com o consumidor consciente.

💧 A cor como linguagem da terra

Um dos elementos mais marcantes da coleção é o uso das cores naturais. Longe dos tons artificiais, o trabalho de Flavia transforma pigmentos em linguagem poética. Tons de areia, barro, folhas secas e céu ao entardecer compõem uma cartela que conversa com os biomas brasileiros, especialmente o cerrado e a mata atlântica.

Essa estética orgânica também se reflete nas formas. As modelagens são fluidas e acolhedoras, pensadas para se adaptar ao corpo e ao tempo. Não há gênero, estação ou tendência — há apenas harmonia.

A estilista acredita que a roupa pode ser uma ferramenta de cura emocional. O contato com tecidos naturais e pigmentos vivos gera bem-estar, conforto e sensação de pertencimento. “Quando vestimos algo que respeita o planeta, também estamos respeitando a nós mesmos”, sintetiza a designer em seu manifesto.

🌍 Moda e espiritualidade: o reencontro com o sagrado

No desfile da Flavia Aranha SPFW N60, moda e espiritualidade se fundiram em uma narrativa poderosa. A passarela foi concebida como espaço de reconexão — entre o humano e o natural, o presente e o ancestral. Essa dimensão simbólica coloca a marca em um lugar único na moda brasileira: o de quem produz beleza com propósito.

Flavia, que há mais de uma década pesquisa o poder das plantas tintoriais, vê na natureza uma mestra. Cada tingimento é um processo meditativo, um convite à presença. Esse olhar espiritual sobre o fazer manual conecta a estilista a tradições antigas e, ao mesmo tempo, a posiciona na vanguarda da moda ética internacional.

🧶 Inovação e tecnologia verde

Embora profundamente enraizada na tradição artesanal, a marca Flavia Aranha também investe em tecnologia verde. Em parceria com startups de bioinovação, ela desenvolve pigmentos extraídos de resíduos agrícolas e experimenta tecidos biodegradáveis. O objetivo é ampliar o alcance da moda sustentável sem abrir mão da autenticidade.

Durante o SPFW N60, a estilista apresentou uma linha de acessórios feitos com biocouro — material desenvolvido a partir de micélio de cogumelos. O resultado são peças leves, resistentes e totalmente compostáveis. Essa integração entre ciência e natureza reforça a relevância de Flavia como uma das principais vozes do movimento global de slow fashion.

💬 Repercussão e impacto cultural

A crítica especializada aclamou o desfile como um dos momentos mais inspiradores da temporada. Revistas de moda internacionais destacaram a coerência entre estética e propósito. Nas redes sociais, o nome Flavia Aranha SPFW N60 tornou-se trending topic, com elogios à mensagem de cura e à beleza natural das criações.

A apresentação também gerou reflexões sobre o papel da moda no mundo pós-consumo. Em um cenário em que o mercado tenta equilibrar inovação e responsabilidade, Flavia surge como exemplo de que é possível unir ética, arte e desejo.

🌺 Um convite à mudança

Mais do que um desfile, a Flavia Aranha no SPFW N60 foi um convite à transformação. Sua mensagem é clara: a moda precisa desacelerar, reaprender a ouvir o tempo da terra e valorizar o que é vivo. Em um mundo dominado por fast fashion e excesso, a estilista propõe o oposto — leveza, consciência e conexão.

O público saiu emocionado, ciente de ter presenciado não apenas uma coleção, mas um rito. Um lembrete de que vestir pode ser um ato político e espiritual.

A passagem de Flavia Aranha pelo SPFW N60 reforça a posição do Brasil como referência em moda sustentável. Ao unir design, ancestralidade e regeneração, ela mostra que é possível criar beleza com responsabilidade. Sua obra é um manifesto silencioso — mas de impacto profundo — sobre o poder da moda de curar, educar e transformar.

Desfile sobre trilhos: inovação e poesia

Com o público a bordo, o desfile ofereceu uma experiência pouco usual. Para Gloria Coelho, desfilar dentro de uma estação é quase poético: “O trem parte, chega, leva histórias, traz memórias. É exatamente o que sinto ao olhar para a minha trajetória: evolução, encontros e novos começos.” O cenário reforça o conceito da coleção, que explora deslocamento e movimento — tanto das locomotivas quanto da própria criadora, que há mais de cinco décadas reflete sobre as transformações da moda.

Uma trajetória de 51 anos de inovação

A estilista, com 51 anos de carreira, aproveitou o desfile para fazer um paralelo entre a Revolução Industrial do século 19 e a chegada da inteligência artificial, tema central de sua nova coleção. “Pegamos aquele período e imaginamos como essas meninas estariam hoje”, explica. O conceito mistura tradição e modernidade, evidenciando a capacidade de Gloria Coelho de se reinventar e dialogar com o presente tecnológico sem perder a identidade estética consolidada ao longo dos anos.

Tecidos, cortes e técnicas artesanais

A coleção alterna tempos e estruturas: corsets, ternos de linhas arredondadas e bases inspiradas nos anos 1960 aparecem ao lado de bordados em tule, flores e superfícies trabalhadas manualmente. Entre os tecidos, destacam-se:

• Tecno K: fibras que estimulam a circulação sanguínea e possuem ação antibactericida.

• Gabardine Armani: material nobre que valoriza corte e caimento.

• Cetim de seda: com toque luxuoso e brilho natural.

A paleta de cores percorre preto, azul, marrom, bordô e rosa, criando harmonia entre sofisticação e versatilidade. Além disso, a estilista aposta em técnicas artesanais, como franjas, volumes e bordados metálicos, evidenciando a tradição da moda brasileira aliada à inovação.

Inteligência artificial nas estampas

Outro destaque da coleção é o uso da tecnologia na criação de estampas. Um floral elisabetano foi redesenhado digitalmente por Pedro Lourenço, filho da estilista, a partir de uma imagem gerada por inteligência artificial. Esse recurso atualiza o diálogo entre tradição e modernidade, reforçando a abordagem visionária de Gloria Coelho, que desde o início da carreira mescla técnica artesanal e experimentação tecnológica.

A experiência do público e desafios do cenário

Embora a proposta tenha sido inovadora, nem sempre foi fácil acompanhar cada detalhe. Os vagões cheios e o ritmo acelerado das modelos dificultaram a visualização completa das roupas, que por vezes pareciam deslocadas naquele cenário urbano. Ainda assim, a experiência ofereceu uma saída da zona de conforto, incentivando o público a refletir sobre deslocamento, tecnologia e novas formas de apresentação na moda.

Reflexão sobre a SPFW e seu papel

Gloria Coelho também comentou sobre a importância do evento para a moda brasileira: “Eu penso que trabalhei bastante, e que a São Paulo Fashion Week fez o Brasil aparecer no mundo. Ele organizou o calendário e trouxe visibilidade internacional.” A estilista reconhece o papel simbólico do SPFW, tanto para o país quanto para sua trajetória, consolidando o evento como palco para experimentações e inovações que vão além da passarela tradicional.

Conexão entre passado, presente e futuro

A inspiração histórica — a Revolução Industrial e a expansão ferroviária — conecta passado e presente, mostrando como a tecnologia impacta a moda. Ao trazer o contexto da inteligência artificial, Gloria questiona o papel da moda no futuro, propondo peças que não apenas vestem, mas narram histórias de inovação, memória e cultura brasileira.

O movimento como metáfora da criação

O conceito de deslocamento se repete nas criações: movimento das locomotivas, da moda e das ideias. Cada peça, do corset ao blazer, carrega a sensação de viagem e evolução, alinhando estética e narrativa. A estilista reforça a importância do design consciente, valorizando materiais, processos e histórias que envolvem cada criação, tornando cada desfile uma experiência cultural e sensorial.

Gloria Coelho SPFW N60 e a moda brasileira em movimento

O desfile de Gloria Coelho na SPFW N60 consolidou a estilista como referência de inovação, tradição e diálogo tecnológico na moda brasileira. Ao unir a história das locomotivas, a inteligência artificial e a tradição artesanal, a coleção se transforma em narrativa visual que reflete a experiência de uma carreira de mais de 50 anos, inspirando futuras gerações de criadores e fortalecendo a presença da moda brasileira no cenário internacional.