A Semana de Moda de São Paulo (SPFW) chega à sua edição de 30 anos consolidada como um dos principais eventos do calendário fashion mundial. Em 2025, o evento promete desfiles icônicos, novidades do setor e uma agenda repleta de talentos consagrados e emergentes. Com apresentações distribuídas entre os dias 13 e 20 de outubro, o SPFW reúne marcas de prestígio, estilistas consagrados e novas apostas da moda brasileira, consolidando a capital paulista como polo estratégico de tendências.

O evento é uma vitrine essencial para o mercado de moda, influenciando diretamente consumo, comportamento e tendências de vestuário. A edição histórica de 2025 celebra três décadas de inovação e criatividade, reunindo tanto grandes grifes quanto estilistas independentes que vêm ganhando destaque no cenário nacional e internacional.

Programação completa do SPFW 2025

13 de outubro

• 11h: João Pimenta

• 15h: Gloria Coelho

• 20h: Ronaldo Fraga

14 de outubro

• 10h30: Flávia Aranha

• 12h30: Patricia Vieira

• 17h: Força

15 de outubro

• 12h30: Lilly Sarti

16 de outubro

• 10h30: À La Garçonne

• 15h: Meninos Rei

• 16h: Marina Bitu

• 17h30: Leandro Castro

• 18h30: Catarina Mina

• 19h30: Dario Mittmann

• 20h30: Handred

17 de outubro

• 15h: Sau

• 16h: Foz

• 18h: Normando

• 20h30: Bold Strap

18 de outubro

• 14h: Herchcovitch; Alexandre

• 15h30: Rafael Caetano

• 18h: Ateliê Mão de Mãe

• 19h: Santa Resistência

• 20h: Dendezeiro

• 21h20: Uó por Marcelo Sommer

19 de outubro

• 11h: Angela Brito

• 15h: David Lee

• 16h30: Davi Ramos

• 18h: Amir Slama

• 19h: Fauve

• 20h30: Led

20 de outubro

• 14h: Gustavo Silvestre

• 15h30: Weider Silveiro

• 18h30: Apartamento 03

• 19h30: Martins

• 20h30: Lino Villaventura

Marcas e estilistas em destaque no SPFW 2025

A edição de 30 anos do SPFW  combina tradição e inovação. Entre os destaques estão nomes icônicos da moda brasileira, como Ronaldo Fraga, Gloria Coelho e Amir Slama, que apresentam coleções que dialogam com tendências globais e valorizam a identidade cultural nacional.

Além dos veteranos, o evento também destaca talentos emergentes, como Meninos Rei, Marina Bitu e Handred, que trazem propostas inovadoras, explorando sustentabilidade, inclusão e novas linguagens da moda.

O SPFW 2025 também é palco para a exploração de novas tecnologias, tecidos sustentáveis e apresentações que unem moda e performance, proporcionando experiências imersivas para o público e profissionais do setor.

SPFW e o impacto na indústria da moda

O SPFW é mais do que um evento de passarela; ele atua como um termômetro do mercado. As marcas aproveitam a exposição para lançar coleções comerciais, gerar conteúdo editorial e digital, além de consolidar parcerias estratégicas com varejistas e investidores.

O evento também tem papel importante na formação de tendências globais, influenciando o comportamento do consumidor e o ciclo de produção da moda brasileira. Com 30 anos de história, o SPFW reforça sua importância na valorização de talentos nacionais e na promoção da moda brasileira internacionalmente.

Tendências esperadas para a edição do SPFW 2025

Nesta edição, espera-se que a sustentabilidade e a inovação tecnológica sejam protagonistas. Materiais recicláveis, processos de produção ecoeficientes e soluções inteligentes para confecção estão entre os principais focos das novas coleções. Além disso, a presença de estilistas independentes reforça a democratização da moda, trazendo diversidade e autenticidade para as passarelas.

Cores vibrantes, estampas autorais, alfaiataria moderna e experimentações de shapes estão entre os elementos que devem marcar o evento. O SPFW 2025 busca equilibrar tradição e inovação, consolidando-se como referência de tendências para profissionais, influenciadores e consumidores.

A edição histórica de 30 anos do SPFW reafirma a relevância do evento como vitrine para a moda brasileira e espaço de promoção de talentos e inovação. Com uma programação completa entre 13 e 20 de outubro, o evento reúne estilistas consagrados e novos nomes, consolidando a influência de São Paulo no cenário internacional da moda.

A participação de grandes nomes, combinada à diversidade de estilistas emergentes, garante que o SPFW 2025 seja um evento memorável, com impacto direto na economia criativa e no desenvolvimento do setor de moda no Brasil.

A moda do estranho deixou de ser apenas uma curiosidade estética para se tornar um fenômeno global, unindo tradição, inovação e consumo digital. Entre os destaques do cenário atual estão peças icônicas como o Tabi da Maison Margiela, sapatos que separam o polegar dos demais dedos, e acessórios como o Labubu, bonecos e itens colecionáveis que viralizam nas redes sociais. Estes elementos, que misturam irreverência e tradição, têm conquistado fãs, influenciadores e colecionadores ao redor do mundo, provando que o “estranho” é um poderoso motor de consumo e identidade.

O Tabi, por exemplo, criado nos moldes de meias e sandálias tradicionais japonesas, desperta reações polarizadas: enquanto alguns admiradores exaltam sua ousadia, outros questionam seu design. Esse contraste é parte do apelo da moda do estranho, que funciona como crachá de pertencimento para nichos e gera intenso engajamento nas redes, principalmente no TikTok, onde comentários polarizados amplificam a visibilidade das peças. Influenciadoras como Malu Borges, com milhões de seguidores, exemplificam como a excentricidade pode ser transformada em capital de influência, tornando o inusitado uma estratégia de marketing pessoal.

O papel das influenciadoras na moda do estranho

A ascensão da moda do estranho está intimamente ligada às influenciadoras digitais, que exibem itens excêntricos e geram debates sobre estética, consumo e comportamento. Malu Borges, por exemplo, demonstra como opiniões negativas não diminuem seu alcance; pelo contrário, geram engajamento e tornam as peças mais desejadas. A lógica do algoritmo reforça esse efeito, ampliando a exposição de produtos que provocam surpresa ou polêmica.

Este fenômeno evidencia que, na moda do estranho, a polarização não é um problema, mas uma ferramenta estratégica. Ao mostrar peças fora do padrão, as influenciadoras ajudam a redefinir normas estéticas e introduzem o público a novas formas de expressão pessoal. A mistura de autenticidade, irreverência e storytelling faz com que itens aparentemente bizarros ganhem significado cultural e mercadológico.

O Labubu: sucesso viral e consumo estratégico

Outro exemplo da moda do estranho é o Labubu, boneco criado por um artista japonês e viralizado em plataformas digitais. Inicialmente fabricado pela chinesa Pop Mart, o acessório ganhou destaque quando celebridades internacionais foram fotografadas usando-o em bolsas e acessórios, gerando aumento exponencial nas vendas e consolidando sua relevância como item de coleção. Dados indicam crescimento de buscas e vendas expressivos, mostrando como objetos excêntricos podem se tornar fenômenos de consumo massivo.

Este sucesso é explicado pelo poder simbólico do estranho. O Labubu, assim como outras peças inusitadas, oferece aos consumidores uma forma de expressão única, mesclando conforto emocional, diversão e desejo de individualidade. O fenômeno ilustra como a moda do estranho pode transformar itens simples em símbolos de status e identidade.

Capital simbólico do estranho: história e contemporaneidade

O conceito de “estranho” na moda não é recente. Desde o século XVIII, movimentos subversivos contestavam códigos estéticos e sociais. No fim de 1790, jovens franceses chocaram a sociedade com fraques recortados, refletindo instabilidade política. Décadas depois, estilistas como Miuccia Prada e Jean Paul Gaultier desafiaram normas de gênero e estética, usando peças inovadoras e provocativas para comunicar poder, feminilidade e criatividade.

Na atualidade, designers como Demna Gvasalia e Jonathan Anderson consolidam o capital simbólico da moda do estranho ao unir rigor técnico e formas inusitadas. Tênis destruídos, bolsas excêntricas e braceletes em formatos inusitados não apenas geram controvérsia, mas também reforçam a autoridade e identidade de marcas como Balenciaga, Gucci e Loewe. Essa estratégia mostra que o estranho é capaz de criar valor, engajamento e reconhecimento no mercado de luxo e cultura pop.

Cultura digital e apropriação de tendências

A moda do estranho se fortalece também na apropriação de culturas periféricas e expressões juvenis. A antropóloga Carol Delgado explica que, fora do padrão de beleza eurocêntrico, designers buscam inspiração em movimentos culturais como funk, rap e manifestações locais. Essa abordagem amplia o repertório criativo, promove diversidade estética e conecta o mercado de moda a experiências culturais variadas, reforçando a identidade de nichos específicos.

O fenômeno mostra que o estranho é mais que aparência; é uma forma de resistência cultural, expressão pessoal e estratégia de mercado. Influenciadores e consumidores utilizam o estranho para sinalizar pertencimento e autenticidade, tornando cada peça uma declaração de identidade.

A dimensão lúdica na moda do estranho

O lúdico e o excêntrico caminham lado a lado na moda do estranho. Exemplos contemporâneos incluem a sneakerina e a bota Astro Boy da MSCHF, que exploram referências infantis e elementos de fantasia. A geração Z, em especial, adota símbolos como a “bunny face” para criar linguagens visuais próprias, conectando moda, identidade e cultura digital.

A moda excêntrica também estimula criatividade pessoal. Influenciadoras e consumidores relatam que o uso de peças inusitadas incentiva a exploração de novos estilos, combinações e narrativas visuais, reforçando a importância do estranho como catalisador de expressão individual e social.

Sustentabilidade e slow fashion na moda do estranho

Apesar da popularidade, a moda do estranho exige consciência de consumo. Influenciadoras como Jéssica Batan destacam a importância de avaliar compras e priorizar slow fashion, evitando aquisições impulsivas motivadas apenas pelo efeito viral. Itens excêntricos podem gerar grande engajamento, mas também acumulam-se rapidamente se não houver planejamento, mostrando que criatividade e responsabilidade caminham juntas.

Além disso, valorizar peças handmade e artesanais conecta o estranho à tradição e autenticidade, reforçando a relação emocional entre consumidor e objeto e promovendo sustentabilidade no consumo de moda excêntrica.

O estranho como motor da moda contemporânea

A moda do estranho é mais do que uma tendência passageira; é um fenômeno cultural, estético e econômico. Desde o Tabi até os Labubus, do Armadillo de McQueen às bolsas de saco de lixo da Balenciaga, o estranho transforma o cotidiano em palco de experimentação, debate e consumo estratégico.

Influenciadores, designers e consumidores encontram no estranho uma forma de expressão, pertencimento e capital simbólico, mostrando que ousadia e autenticidade podem se tornar lucrativas e culturalmente relevantes. O fenômeno é prova de que o estranho, quando bem explorado, pode definir narrativas de moda, criar tendências globais e transformar objetos inusitados em símbolos de poder, identidade e criatividade.

A temporada Miu Miu verão 2026 reafirma o compromisso de Miuccia Prada com a reinterpretação de símbolos femininos, consolidando sua abordagem sociopolítica na moda. Conhecida por seu olhar atento à condição da mulher, a estilista transforma peças cotidianas em objetos de luxo e desejo, desta vez concentrando-se no avental como elemento central da coleção.

A escolha do avental não é casual. Na Miu Miu verão 2026, ele surge bordado com pedrarias, decorado com babados, confeccionado em renda delicada ou em couro estruturado, e é combinado com calças de alfaiataria, paletós, camisas oversized e jaquetas pesadas. Essa releitura confere à peça um status inédito, unindo funcionalidade histórica à sofisticação contemporânea. A narrativa se amplia em criações inspiradas no shape do avental, como suéteres abertos nas laterais e fechados por lacinhos, reforçando a experimentação estética da marca.

Inspiração histórica e trabalho feminino

Para conceber a coleção Miu Miu verão 2026, Miuccia Prada estudou fotografias de Dorothea Lange e Helga Paris, que documentaram o universo doméstico e laboral de mulheres nas décadas de 1920 e 1930. A estilista buscou capturar não apenas a estética da época, mas também a experiência cotidiana das mulheres, enfatizando os desafios, adversidades e invisibilidade que permeiam seu trabalho.

A coleção se torna, assim, uma reflexão sobre a valorização da mulher e o reconhecimento de sua contribuição histórica. O avental — tradicionalmente associado a tarefas domésticas — é elevado a ícone de luxo e empoderamento, simbolizando a capacidade de transformar o cotidiano em arte e expressão.

Elementos domésticos reinterpretados

Além do avental, outros símbolos do universo doméstico ganham releituras sofisticadas na Miu Miu verão 2026. Estampas e frufrus inspirados em toalhas de mesa dos anos 1960 aparecem em tops e vestidos, enquanto cintos multifuncionais completam calças e bermudas de corte amplo.

Essa abordagem evidencia a habilidade de Miuccia Prada em transformar elementos tradicionais em peças de desejo, conectando história, cultura e moda de forma inovadora. A coleção demonstra que itens cotidianos podem transcender sua função original e se tornar símbolos de estilo e poder.

Female gaze e representação feminina na moda

A Miu Miu verão 2026 também reforça o conceito de female gaze, perspectiva que prioriza a experiência da mulher na criação de roupas, em oposição ao olhar masculino, que muitas vezes reduz a mulher a objeto de desejo. Essa leitura se reflete no casting escolhido para a temporada, que inclui nomes como Sandra Hüller, Milla Jovovich e Richard E. Grant, promovendo diversidade e representatividade, afastando-se dos padrões homogêneos que dominam a indústria.

Essa postura é estratégica e necessária: na atual temporada, a presença feminina em cadeiras criativas ainda é escassa, com apenas duas diretoras entre 15 estreias em grandes maisons. O trabalho de Miuccia Prada evidencia a relevância de um olhar feminino e sensível à experiência da mulher, reforçando a Miu Miu como espaço de inovação e empoderamento.

Contexto sociopolítico e ironia na moda

Outro aspecto da Miu Miu verão 2026 é a interpretação irônica de símbolos tradicionais de submissão feminina. Com o crescimento do movimento trad wife nas redes sociais — que idealiza um estilo de vida doméstico inspirado nos anos 1950 — Miuccia transforma o avental e outros elementos domésticos em ícones de emancipação e desejo.

A estilista demonstra que é possível abordar questões contemporâneas e históricas sem perder o glamour ou a sofisticação, unindo crítica social e moda de alta-costura. Essa dualidade reforça a relevância cultural da coleção e posiciona a Miu Miu como referência na reflexão sobre papéis de gênero e representação feminina.

Técnicas e detalhes da coleção

O Miu Miu verão 2026 explora uma variedade de técnicas de alfaiataria e bordado. O avental, por exemplo, surge em versões com pedrarias, babados, renda delicada e couro estruturado, demonstrando a habilidade da marca em combinar tradição e inovação.

As calças de alfaiataria, paletós oversized e suéteres reinterpretados ampliam a silhueta, criando volumes inesperados e reforçando o caráter experimental da coleção. Essa abordagem permite que cada peça carregue não apenas valor estético, mas também uma narrativa sociocultural.

Impacto da Miu Miu verão 2026 na indústria

A Miu Miu verão 2026 é um exemplo de como uma coleção pode influenciar tendências globais e fortalecer a identidade de uma marca. Ao transformar peças históricas em símbolos de luxo e empoderamento, Miuccia Prada estabelece parâmetros para outras maisons que buscam inovação aliada à responsabilidade social.

Além disso, a temporada evidencia a importância do olhar feminino na moda, incentivando a indústria a refletir sobre diversidade, representação e inclusão em todos os níveis criativos.

Moda, história e empoderamento

Com a Miu Miu verão 2026, Miuccia Prada prova que a moda pode ser um veículo de transformação social e cultural. O avental deixa de ser apenas um objeto funcional para se tornar ícone de luxo e emancipação, conectado à história do trabalho feminino e às lutas contemporâneas por igualdade de gênero.

A coleção consolida a Miu Miu como referência no female gaze, promovendo inovação estética, consciência sociopolítica e valorização da experiência feminina. Ao mesmo tempo, reforça a capacidade da moda de dialogar com o passado, reinterpretar símbolos e construir novas narrativas para o futuro.

Fotos: Getty Images

Marina Ruy Barbosa voltou a ser o centro das atenções — e não por acaso. Conhecida por seu estilo sofisticado e sempre impecável, a atriz marcou presença em um evento no Jockey Club do Rio de Janeiro nesta segunda-feira (6), exibindo um look recortado que rapidamente se tornou o assunto mais comentado entre os amantes da moda. O look de Marina Ruy Barbosa combina elegância, sensualidade e ousadia na medida certa, reafirmando sua posição como uma das celebridades mais influentes do país quando o assunto é estilo.

A aparição da atriz não apenas movimentou as redes sociais, como também inspirou fashionistas e stylists que acompanham de perto as escolhas de Marina em eventos de alto perfil. Cada detalhe do visual, desde o corte do vestido até os acessórios, foi cuidadosamente pensado para transmitir a essência da mulher moderna e confiante.

O poder do look de Marina Ruy Barbosa

Ao longo dos anos, data-start=”1497″ data-end=”1519″>Marina Ruy Barbosa construiu uma imagem que vai muito além da televisão. A atriz se tornou referência de moda, elegância e sofisticação. O look de Marina Ruy Barbosa no Jockey Club é mais uma prova de sua capacidade de unir tendências internacionais a um toque pessoal, resultando em um visual impactante e memorável.

O vestido recortado, em tom neutro e com modelagem que valoriza a silhueta, é uma tradução perfeita do equilíbrio entre o clássico e o contemporâneo. As fendas sutis e os recortes estratégicos criam um efeito visual que transmite leveza e sensualidade sem perder o refinamento. Esse tipo de design, inclusive, é uma das tendências mais fortes da moda atual, vista nas principais passarelas do mundo.

O estilo de Marina costuma mesclar referências do minimalismo europeu com detalhes tropicais, criando uma identidade fashion única. Ao escolher um vestido com linhas geométricas e recortes assimétricos, a atriz reafirma seu gosto apurado e o domínio que tem sobre a própria imagem.

Detalhes que fazem a diferença no visual

Quando se fala em look de Marina Ruy Barbosa, cada elemento carrega significado. O cabelo ruivo, marca registrada da atriz, foi mantido solto e com ondas naturais, reforçando uma estética fresh e sofisticada. A maquiagem seguiu a mesma proposta: pele iluminada, olhos levemente marcados e batom nude — uma combinação atemporal que valoriza os traços sem exageros.

Os acessórios foram discretos, mas certeiros. Brincos minimalistas e sandálias de tiras finas completaram o visual, mantendo o foco principal no vestido. Essa escolha reforça uma das maiores lições de estilo que Marina costuma ensinar: menos é mais. A simplicidade, quando aliada a peças de qualidade e bom caimento, é capaz de criar um impacto muito mais forte do que produções excessivamente elaboradas.

Referência de estilo no Brasil e no exterior

O look de Marina Ruy Barbosa no evento do Rio é mais um exemplo de como a atriz conseguiu transformar sua imagem em uma grife pessoal. Ao longo de sua carreira, Marina investiu em conhecimento de moda, parcerias com grandes marcas e uma presença consistente em eventos de prestígio internacional, como semanas de moda em Paris e Milão.

Essa construção cuidadosa da imagem fez dela uma das figuras mais respeitadas no universo fashion. Marina é frequentemente citada por estilistas e veículos especializados como uma “musa de elegância natural”, capaz de transitar entre diferentes estilos — do glamouroso ao casual — sem perder autenticidade.

Além disso, a atriz é uma das brasileiras mais fotografadas em tapetes vermelhos. Seu senso de moda já foi destaque em publicações internacionais, o que reforça o alcance de sua influência. Não é raro que seus looks gerem tendência, com marcas e influenciadoras replicando seus visuais logo após cada aparição pública.

Tendência dos recortes e o impacto no street style

A escolha do vestido recortado por Marina Ruy Barbosa não é aleatória. A tendência dos recortes estratégicos vem ganhando força nas coleções de grandes grifes desde 2023, aparecendo em desfiles de nomes como Mugler, Versace e Stella McCartney. A proposta é valorizar o corpo de forma moderna e artística, brincando com geometrias e aberturas que conferem dinamismo ao tecido.

No caso do look de Marina Ruy Barbosa, os recortes aparecem de maneira equilibrada, sugerindo sensualidade sem vulgaridade. Essa é uma das marcas do estilo da atriz — saber até onde ousar, mantendo sempre o refinamento. A peça escolhida também conversa com o clima carioca, unindo sofisticação e frescor em um mesmo visual.

É comum observar que, após cada aparição pública da artista, peças similares esgotam rapidamente nas lojas e sites de moda. Isso mostra como Marina se tornou uma verdadeira influenciadora de comportamento e consumo, ditando tendências e inspirando escolhas fashion de milhares de mulheres.

A moda como expressão pessoal

Mais do que seguir tendências, o look de Marina Ruy Barbosa reflete uma filosofia de estilo baseada na autenticidade. A atriz costuma afirmar que prefere usar peças que expressem seu humor e seu momento de vida, em vez de apenas reproduzir o que está nas passarelas. Essa postura reforça a importância da moda como forma de comunicação pessoal e empoderamento.

No evento do Jockey Club, o vestido recortado transmite exatamente isso: confiança, maturidade e personalidade. O equilíbrio entre o design ousado e a postura elegante traduz a imagem de uma mulher segura, que sabe o que quer e não tem medo de se destacar.

A influência de Marina Ruy Barbosa no mercado fashion

Além de ícone de estilo, Marina Ruy Barbosa também atua nos bastidores do mercado de moda. Ela é empresária e fundadora de sua própria marca, a Ginger, que segue princípios de sustentabilidade e produção consciente. Essa atuação reforça o papel de Marina como uma figura multifacetada, que entende a moda não apenas como estética, mas também como responsabilidade.

O look de Marina Ruy Barbosa no evento do Rio reforça essa coerência entre o que ela veste e o que acredita. A atriz costuma valorizar o trabalho de designers brasileiros, apostando em peças que unem qualidade e propósito. Esse posicionamento a diferencia de outras celebridades que seguem apenas o glamour, sem se preocupar com o impacto por trás da produção.

Por que o look de Marina Ruy Barbosa é referência de elegância?

A resposta está no conjunto: corte impecável, materiais nobres, styling harmônico e uma presença de palco natural. Poucas personalidades conseguem equilibrar todos esses elementos com tanta leveza quanto Marina. Seu estilo é resultado de autoconhecimento e de uma trajetória construída com consistência.

O look de Marina Ruy Barbosa no Jockey Club sintetiza a fase atual da atriz — madura, bem-sucedida e confiante. É o tipo de visual que inspira não apenas por sua beleza, mas pela mensagem que transmite: ser elegante é ser autêntico.

Inspiração para o público feminino

O impacto de Marina no universo da moda é perceptível nas redes sociais. Sempre que aparece em um evento, hashtags com seu nome e com expressões como “look de Marina Ruy Barbosa” entram nos trending topics. Mulheres de diferentes idades buscam inspiração em suas produções, adaptando as ideias para o dia a dia, seja em compromissos profissionais, jantares ou festas.

Esse poder de influência transforma Marina em uma das vozes mais relevantes do lifestyle brasileiro. Sua imagem vai além da estética: ela representa o equilíbrio entre beleza, trabalho, elegância e atitude. O look de Marina Ruy Barbosa é um reflexo dessa combinação — e é exatamente por isso que causa tanto fascínio.

O legado fashion de Marina Ruy Barbosa

Com o passar dos anos, Marina vem consolidando um legado que a coloca entre as grandes referências de estilo do país. Seu nome é associado a marcas de luxo, campanhas globais e capas de revistas. Mas o que realmente diferencia a atriz é a naturalidade com que ela encara o mundo da moda: como um espaço de expressão e liberdade.

O look de Marina Ruy Barbosa no evento no Rio é mais um capítulo dessa trajetória de sucesso. É a prova de que a moda, quando usada com propósito e autenticidade, é capaz de contar histórias — e a dela é uma das mais inspiradoras da atualidade.

Quando o brinquedo vira item de colecionador e redefine o luxo na moda

Lady Gaga é conhecida mundialmente por seu estilo ousado, autêntico e sempre à frente do seu tempo. No entanto, desta vez, a estrela do pop surpreendeu ao aderir a uma das maiores tendências do universo fashion em 2025: o Labubu. A pelúcia, inicialmente vista como um brinquedo artístico, transformou-se em símbolo de luxo, status e originalidade. A aparição da cantora com seu Labubu exclusivo, criado sob medida para ela, consolidou de vez a tendência no cenário global da moda.

A seguir, você entenderá como o Labubu se tornou objeto de desejo de celebridades e colecionadores, quais são os fatores que impulsionaram sua valorização, como a cultura pop está redefinindo o conceito de luxo e por que Lady Gaga conseguiu elevar essa trend ao patamar de fenômeno cultural.

O que é o Labubu?

O Labubu é uma pelúcia estilizada criada pelo artista de Hong Kong Kasing Lung, inicialmente como parte de um universo lúdico que mistura elementos sombrios e infantis. Originalmente concebido como uma figura artística para colecionadores, o Labubu rapidamente extrapolou o nicho dos toy art e ganhou espaço nas passarelas e nos bastidores das semanas de moda mais prestigiadas do planeta.

Com sua aparência peculiar — geralmente com olhos grandes, orelhas longas e uma estética que mistura fofura com um toque de bizarrice — o Labubu atraiu a atenção de estilistas, influenciadores e celebridades.

O boom do Labubu no mundo das celebridades

A presença do Labubu pendurado em bolsas e mochilas de nomes como Marina Ruy Barbosa, Rosé (Blackpink) e, agora, Lady Gaga, transformou o boneco em um símbolo de estilo e sofisticação. A popularidade atingiu níveis inéditos, colocando o brinquedo nas vitrines de colecionadores e fashionistas de todo o mundo.

Mas não se trata de qualquer pelúcia: versões raras do Labubu já foram negociadas por mais de US$ 10 mil, e algumas edições especiais esgotam em minutos após o lançamento. Mais do que um acessório, ele passou a ser um ativo valioso no mercado de luxo.

O Labubu de Lady Gaga: exclusividade e identidade visual

Durante uma aparição nas ruas de Malibu, Lady Gaga chamou a atenção ao carregar um Labubu exclusivo, confeccionado especialmente para ela pelo artista Marko Monroe. Inspirado no videoclipe da música Abracadabra, o brinquedo vestia um look gótico com babados vermelhos e peruca preta com franja, imitando fielmente a estética da cantora.

Essa personalização do Labubu não apenas aumentou sua visibilidade nas redes sociais e na imprensa internacional, como também elevou o status da peça para além do mundo da moda: virou arte em movimento.

Combinado a uma bolsa Kelly Hermès, cujo valor pode ultrapassar os US$ 45 mil, o visual de Gaga representou uma fusão entre o luxo tradicional e a cultura pop contemporânea — dois mundos que, sob seu comando, coexistem em perfeita harmonia.

Labubu: do brinquedo ao luxo

Embora o Labubu pareça, à primeira vista, apenas uma pelúcia de aparência excêntrica, ele é muito mais do que isso. O boneco é um exemplo de como a cultura pop e o mercado de colecionáveis se fundiram ao universo do luxo.

A exclusividade de certas edições, os materiais utilizados e as parcerias com artistas renomados fizeram com que o Labubu se tornasse uma peça altamente valorizada. É comum encontrar modelos sendo revendidos em plataformas internacionais por preços que superam os de bolsas de grife.

Além disso, o Labubu conquistou espaço em exposições de arte contemporânea e se consolidou como objeto de desejo entre colecionadores asiáticos e europeus.

A estratégia por trás da tendência

Um dos grandes responsáveis por essa explosão de popularidade é o marketing orgânico impulsionado por celebridades. Quando uma figura como Lady Gaga exibe um item como o Labubu, o alcance é instantâneo. Os fãs procuram imediatamente saber do que se trata, marcas correm para capitalizar em cima do interesse gerado e os preços disparam.

Essa estratégia se alinha perfeitamente com os novos comportamentos de consumo de luxo. Em vez de buscar apenas grifes tradicionais, o público contemporâneo quer exclusividade, criatividade e autenticidade. O Labubu entrega tudo isso — e ainda carrega uma dose de humor e irreverência que agrada tanto aos jovens quanto a colecionadores sérios.

Moda e toy art: uma fusão crescente

O sucesso do Labubu é apenas mais um capítulo da tendência que une moda e toy art. Nos últimos anos, bonecos estilizados, como os Be@rbricks e os Dunny, também ganharam espaço no guarda-roupa de celebridades. Porém, o Labubu conseguiu algo raro: conectar moda, arte e fandoms, tudo em uma única peça.

Esse tipo de fusão se mostra ainda mais poderosa quando incorporada por personalidades que transcendem a música ou o cinema, como Lady Gaga. Ao dizer no palco “I’m a Labubu”, ela não apenas brincou com seu visual — ela se fundiu à tendência, como se fosse parte dela.

O futuro do Labubu: hype ou consolidação?

Enquanto muitos se perguntam se o fenômeno do Labubu é passageiro, os indícios apontam para sua consolidação como ícone contemporâneo de estilo e cultura. A combinação de:

• Edições limitadas,

• Customizações artísticas,

• Adoção por celebridades,

• Preços elevados e demanda crescente,

torna o Labubu um ativo valioso, tanto financeiramente quanto simbolicamente.

Com a força das redes sociais e o desejo incessante por exclusividade, a tendência é que vejamos ainda mais versões de Labubu assinadas por artistas renomados, marcas de moda colaborando com a franquia e, quem sabe, sua entrada oficial no circuito das grandes semanas de moda internacionais.

Por que o Labubu conquistou o mundo da moda?

O Labubu representa mais do que uma pelúcia estilizada. Ele é um reflexo de como o luxo está sendo reconfigurado na era digital — um tempo em que a autenticidade, a arte e a identidade são mais valorizadas do que logotipos. Com a chancela de Lady Gaga, a tendência ultrapassou as fronteiras da Ásia, ganhou visibilidade global e se estabeleceu como um dos símbolos fashion mais inusitados e desejados de 2025.

No cruzamento entre cultura pop, toy art e alta-costura, o Labubu ocupa hoje o centro do palco. E com o apoio de ícones como Lady Gaga, tudo indica que ele veio para ficar.

O Festival de Cannes 2025 teve início nesta terça-feira (13) na deslumbrante Côte d’Azur, na França, e já contou com a presença marcante de modelos brasileiras que roubaram a cena no tapete vermelho. Isabeli Fontana e Alessandra Ambrósio representaram o Brasil com elegância e estilo, exibindo looks que destacaram suas personalidades e o talento da moda nacional.

Isabeli Fontana encanta com vestido de seda e broche poderoso

Isabeli Fontana desfilou no tapete vermelho do Festival de Cannes 2025 usando um vestido de seda que evidenciou sua sofisticação. A peça apresentava uma longa fenda lateral, realçando sua silhueta, e foi complementada por um broche marcante, acessório que se tornou o queridinho da modelo durante o evento.

O vestido de seda escolhido por Isabeli Fontana destacou-se pela fluidez do tecido e pelo corte impecável, que proporcionou movimento e leveza ao look. A fenda lateral conferiu um toque de sensualidade, enquanto o broche poderoso adicionou um elemento de sofisticação e personalidade à produção. Este look não apenas valorizou sua beleza, mas também refletiu as tendências atuais da moda, solidificando sua posição como ícone de estilo.

Alessandra Ambrósio aposta em vestido turquesa com manga de plumas

Alessandra Ambrósio, por sua vez, optou por um vestido turquesa que chamou a atenção pelo decote em formato de coração e pela fenda estratégica. O grande destaque da produção ficou por conta da manga adornada com plumas, conferindo um ar de ousadia e glamour ao visual.

O vestido turquesa escolhido por Alessandra Ambrósio evidenciou sua elegância e estilo único. O decote em coração valorizou o colo da modelo, enquanto a fenda acrescentou um toque de sensualidade. A manga de plumas trouxe um elemento dramático e sofisticado, tornando o look memorável no tapete vermelho do Festival de Cannes 2025. Essa escolha ousada destacou não apenas a beleza de Alessandra, mas também a criatividade dos estilistas que a assessoraram.

A presença brasileira no Festival de Cannes 2025

A participação das top models Isabeli Fontana e Alessandra Ambrósio no Festival de Cannes 2025 reforça a relevância das modelos brasileiras no cenário internacional da moda e do entretenimento. Ambas desfilaram com looks que evidenciaram não apenas sua beleza, mas também o talento e a criatividade dos estilistas envolvidos em suas produções.

O Festival de Cannes 2025 continua sendo uma vitrine importante para a moda global, e a presença de modelos brasileiras no evento destaca a influência e o prestígio do Brasil no mundo fashion. Com escolhas de looks que combinam elegância, ousadia e sofisticação, Isabeli Fontana e Alessandra Ambrósio mostraram por que são referências no universo da moda.

A influência das modelos brasileiras no cenário internacional

A moda brasileira tem ganhado destaque mundial, e eventos como o Festival de Cannes 2025 são fundamentais para solidificar essa presença. As modelos brasileiras não apenas desfilam, mas também influenciam tendências e promovem a cultura nacional através de suas escolhas de roupas e acessórios. A presença de Isabeli Fontana e Alessandra Ambrósio é um reflexo do talento e da versatilidade que as modelos do Brasil trazem para o cenário internacional.