A situação meteorológica reforça a necessidade de montar uma produção adaptável. A previsão aponta máximas de 28°C no sábado (5), 25°C no domingo (6) e 24°C na segunda-feira (7), enquanto as mínimas previstas recuam para 19°C, 17°C e 15°C, respectivamente. Para quem chega cedo e permanece até os últimos shows, isso significa lidar com uma diferença térmica que pode alterar completamente a sensação térmica ao longo do festival.

Nesse cenário, a lógica do look de festival em 2026 se afasta de produções montadas apenas para fotografia. Modelagens amplas, sobreposições, acessórios utilitários e calçados capazes de suportar muitas horas em pé ganham espaço. Publicações especializadas em moda também apontam xadrez, crochê, referências western, camisetas e combinações com bermudas entre as alternativas para a edição deste ano.

O primeiro princípio é simples: a roupa precisa acompanhar a rotina do evento. Quem pretende circular entre os palcos, enfrentar filas, caminhar por grandes distâncias e permanecer em áreas abertas deve priorizar tecidos e peças que permitam movimentação. Uma produção visualmente elaborada perde funcionalidade quando aperta, esquenta excessivamente ou exige ajustes constantes.

Modelagens amplas ganham espaço na Cidade do Rock

Calças oversized, cargos, baggy, jogger e outros modelos de pernas mais largas formam uma das bases mais adequadas para um dia inteiro de festival. Além de permitirem maior liberdade de movimento, elas facilitam a composição com camisetas, regatas e peças de diferentes volumes. A tendência aparece entre as principais apostas de moda para o Rock in Rio 2026.

A lógica também funciona com bermudas amplas, incluindo versões jeans mais soltas. O resultado é particularmente interessante para quem quer um visual informal sem recorrer ao short muito curto ou a peças excessivamente ajustadas. Uma camiseta mais ampla pode reforçar a proposta, enquanto uma parte de cima mais enxuta cria contraste de proporções.

As camisetas de bandas continuam sendo uma solução natural para o festival, mas não precisam ser usadas de maneira óbvia. Uma t-shirt oversized pode ser combinada com calça cargo, bermuda larga ou saia, enquanto versões com lavagem desgastada ou acabamento destroyed acrescentam referência rocker sem exigir uma produção complexa.

Para quem prefere um visual mais feminino, vestidos amplos também podem ser utilizados como base. Nesse caso, o calçado e os acessórios determinam a direção da produção. Bota western, tênis esportivo ou um modelo de sola mais robusta podem alterar completamente a proposta.

O xadrez é outra alternativa que pode ser adaptada ao festival sem recorrer ao visual grunge tradicional. A estampa pode aparecer em saia, camisa, bermuda ou sobreposição, enquanto peças básicas equilibram o conjunto. A combinação entre camiseta, xadrez e tênis aparece entre as sugestões de moda para o evento.

Sobreposição ajuda a enfrentar a mudança de temperatura

A necessidade de adaptar o look ao clima faz da terceira peça um recurso funcional, e não apenas estético. Camisa de flanela leve, jaqueta fina, corta-vento ou outra camada de fácil transporte pode ser usada durante os períodos mais amenos e retirada quando o calor aumentar.

O recurso também permite variar a aparência ao longo do dia. Uma camiseta simples pode ganhar outra leitura com uma camisa aberta, um colete utilitário ou uma jaqueta amarrada na cintura. A sobreposição aparece entre as tendências destacadas para a edição de 2026.

Para os primeiros dias do festival, essa estratégia é especialmente importante porque a previsão mostra uma mudança relevante entre as tardes mais quentes e os períodos noturnos mais frios. No domingo e na segunda-feira, a possibilidade de chuva e as temperaturas menores tornam ainda mais útil ter uma camada adicional à disposição.

O ideal é evitar peças volumosas demais, que ocupem espaço quando não estiverem sendo usadas. Uma jaqueta leve ou uma camisa que possa ser presa à cintura oferece mais praticidade do que um casaco pesado.

Referências western também podem ser incorporadas sem comprometer a mobilidade. Vestido amplo, colete, chapéu e botas aparecem entre as propostas de styling para o Rock in Rio, enquanto detalhes em crochê acrescentam textura e ajudam a construir uma produção menos previsível.

Calçado é a escolha que mais interfere no conforto

Em um festival que exige longos períodos em pé, o calçado deve ser escolhido pela combinação entre conforto, estabilidade e adaptação ao terreno. Tênis com bom suporte ou botas já utilizadas anteriormente tendem a ser opções mais seguras do que modelos novos, rígidos ou pouco testados.

A recomendação vale principalmente para quem pretende permanecer em áreas de pista por várias horas. Um sapato que parece confortável por alguns minutos pode provocar desconforto depois de um longo período caminhando. O melhor momento para testar o calçado é antes do festival, em situações que permitam verificar atrito, pressão e ajuste.

Botas de cano curto, coturnos e modelos western podem funcionar bem com bermudas, calças e vestidos, mas devem passar pelo mesmo teste de conforto. O peso também precisa ser considerado: um calçado excessivamente pesado pode aumentar o cansaço ao final do dia.

Tênis esportivos aparecem como alternativa particularmente versátil quando a prioridade é mobilidade. Em uma produção baseada em peças mais marcantes, ele ainda pode funcionar como elemento de equilíbrio. A combinação entre saia ou bermuda, camiseta e tênis é recorrente nas propostas de moda para festivais.

Acessórios podem transformar uma produção básica

Acessórios permitem acrescentar personalidade sem aumentar significativamente o volume da roupa. Bandanas e lenços, por exemplo, podem ser usados no cabelo, no pescoço ou presos a outras partes da produção. Além do efeito visual, são peças leves e fáceis de carregar.

Cintos, correntes, óculos de sol e bijuterias de maior impacto também ajudam a transformar uma base simples. O cuidado está em evitar acessórios que possam comprometer a segurança na entrada. A organização autoriza correntes integradas ao cinto ou ao look quando caracterizadas claramente como parte do vestuário, mas itens pontiagudos ou que possam representar risco podem ser barrados.

Outro ponto importante é a escolha da bolsa. Como grandes bolsas, malas e mochilas não são permitidas na Cidade do Rock, a produção precisa considerar alternativas menores, além de deixar espaço para itens essenciais.

Isso favorece uma proposta mais enxuta: telefone, documentos, meios de pagamento e objetos necessários para o dia devem ocupar pouco espaço. Uma bolsa compacta ou outro modelo compatível com as regras de entrada evita carregar volume desnecessário durante os shows.

Chuva muda o planejamento do look

A previsão para o primeiro fim de semana torna a proteção contra chuva parte importante da produção. O próprio Rock in Rio permite a entrada de capa de chuva, além de cangas e casacos. Guarda-chuvas, por outro lado, estão na lista de itens proibidos.

A diferença é prática. Uma capa fina pode ser dobrada e transportada com facilidade, enquanto um guarda-chuva ocupa mais espaço e ainda não poderá passar pela revista. Para quem optar por calça ou vestido mais longo, vale considerar também a capacidade de secagem do tecido em caso de chuva.

O mesmo princípio vale para o calçado. Modelos muito delicados ou feitos para situações secas podem não ser a melhor escolha em um dia de instabilidade. Materiais mais resistentes e solados com boa aderência oferecem vantagem quando o chão estiver molhado.

A previsão indica chuva fraca a moderada no domingo (6) e na segunda-feira (7), além de temperaturas mais baixas nesses dias. A combinação de umidade e frio tende a exigir um planejamento diferente daquele necessário para uma tarde quente e ensolarada.

O que pode entrar e o que deve ficar de fora

A composição do look também precisa levar em conta as regras da Cidade do Rock. A organização permite garrafa plástica transparente de água de até 500 ml, protetor solar de até 100 ml, protetor solar em bastão, óculos de sol, capa de chuva, casacos e carregador portátil dentro das dimensões estabelecidas.

Na alimentação, são permitidos até cinco itens por pessoa, desde que estejam dentro das condições estabelecidas pela organização. Alimentos industrializados devem estar lacrados, enquanto frutas cortadas e sanduíches precisam ser acondicionados em embalagens transparentes e não rígidas.

Entre as restrições estão recipientes de vidro ou metal, embalagens rígidas, guarda-chuvas, sprays, objetos cortantes ou pontiagudos, câmeras profissionais com lente destacável, drones e bolsas ou mochilas de grandes dimensões. Fantasias, máscaras e acessórios que dificultem a identificação do portador também estão proibidos.

Para o público, isso significa que o melhor look para o festival não é necessariamente o mais elaborado. É aquele que combina identidade visual com uma rotina de várias horas de deslocamento, espera e permanência em áreas abertas.

A edição de 2026 oferece espaço para diferentes linguagens de moda: do visual rocker clássico ao western, passando por peças oversized, xadrez, crochê, sobreposições e acessórios marcantes. A diferença, neste ano, está em adaptar essas referências às condições reais da Cidade do Rock. Uma camiseta de banda com calça ampla e tênis, por exemplo, pode ser complementada por uma camada leve e uma capa de chuva compacta. Da mesma forma, vestido amplo e botas podem ganhar uma jaqueta fina para os horários mais frios.

Com uma variação prevista de temperatura que pode superar 10 graus entre os períodos mais quentes e frios dos primeiros dias, a versatilidade deixa de ser apenas uma escolha estética e se torna parte da estratégia para aproveitar a programação. O resultado é um guarda-roupa de festival menos dependente de tendências isoladas e mais orientado por mobilidade, proteção e possibilidade de adaptação ao longo do dia.

Há estampas que pertencem menos a uma temporada específica do que ao próprio vocabulário da moda. O animal print é uma delas. Leopardo, zebra, cobra, tigre e outras interpretações inspiradas no mundo animal atravessam décadas alternando glamour, provocação, sensualidade e rebeldia. Agora, esse repertório ganha uma leitura mais sofisticada: menos literal, mais confortável e muito mais fácil de incorporar ao cotidiano.

Nas coleções recentes e no street style, as estampas animais voltaram a ocupar uma posição de destaque. Casacos, tricôs, vestidos, acessórios e calçados aparecem cobertos por padrões que antes eram reservados às produções de maior impacto. A diferença está justamente na forma de usar. Em vez de construir um visual deliberadamente exuberante, a proposta atual incorpora o animal print a peças simples, modelagens relaxadas e uma cartela que privilegia bege, caramelo, chocolate, creme e preto.

Não se trata apenas de anunciar que a oncinha voltou. Ela nunca desapareceu completamente. A transformação mais interessante está na maneira como esse código passou a ser tratado.

A estampa deixa de funcionar exclusivamente como símbolo de sensualidade ou extravagância e começa a ocupar o lugar de um elemento quase neutro dentro do guarda-roupa. Um suéter animal print pode substituir uma malha camel. Uma sapatilha de zebra entra no espaço de um sapato preto. Uma bolsa de cobra acrescenta textura a uma produção monocromática sem necessariamente dominar o look.

É justamente essa mudança de perspectiva que faz o animal print parecer novo novamente.

O animal print troca o excesso pela naturalidade

Durante muito tempo, o imaginário ligado às estampas animais esteve associado a uma estética bastante definida: vestidos ajustados, salto alto, brilho, joias importantes e uma sensualidade deliberada. Essa leitura continua existindo, mas deixou de ser a única possibilidade.

A moda contemporânea vem retirando o animal print desse território exclusivo.

Em vez de depender do glamour ostensivo, ele aparece agora sobre peças que pertencem ao cotidiano: tricôs amplos, cardigãs, casacos de corte simples, saias fluidas, sapatilhas, bolsas, lenços e peças de alfaiataria. A mesma estampa capaz de comandar um vestido de noite pode surgir em um suéter usado com jeans reto e mocassins.

É justamente essa contradição que torna sua versão atual mais interessante.

Em um tricô de gola alta, por exemplo, a padronagem forte encontra uma construção acolhedora. A textura macia da malha reduz parte da agressividade visual do desenho, enquanto a combinação de bege, camel, chocolate e preto mantém a composição dentro de uma família cromática reconhecível e extremamente fácil de coordenar.

Existe uma espécie de luxo descontraído nessa fórmula.

A roupa chama atenção sem parecer montada especificamente para chamar atenção.

Leopardo deixa de ser a única opção

Embora o leopardo continue sendo uma das versões mais reconhecíveis do animal print, o repertório atual é muito mais amplo.

A zebra ganha força especialmente quando aparece em combinações menos óbvias do que o clássico preto e branco. Tons de chocolate, creme, areia e café tornam suas listras mais suaves e sofisticadas, permitindo que a estampa funcione até mesmo em tricôs volumosos ou peças de alfaiataria.

O efeito é gráfico, mas não necessariamente agressivo.

Já o snakeskin, inspirado na pele de cobra, oferece uma leitura mais discreta e texturizada. Em tons de taupe, cinza, bege e marrom, a padronagem se aproxima visualmente de um desenho abstrato. Isso faz com que funcione especialmente bem em peças de linhas limpas, como blusas de gola alta, bolsas estruturadas, botas e saias.

O tigre ocupa um território diferente. Suas listras são mais dramáticas e carregam uma energia naturalmente mais intensa. Quando usado em materiais nobres ou combinado a alfaiataria minimalista, porém, também pode adquirir uma leitura mais sofisticada.

Essa variedade ajuda a explicar por que o animal print continua atravessando temporadas.

Não existe apenas uma forma de usá-lo.

Quando a estampa começa a funcionar como um neutro

Chamar animal print de neutro pode parecer contraditório. Afinal, poucas estampas são tão facilmente reconhecíveis. Mas a lógica está menos na ausência de impacto e mais na facilidade cromática.

Observe as cores predominantes.

Bege, areia, camel, caramelo, chocolate, cinza e preto já formam, individualmente, a base de grande parte de um guarda-roupa clássico. Quando aparecem juntas em uma padronagem animal, conversam naturalmente com jeans, alfaiataria preta, branco, creme, cáqui, marrom, vinho e diferentes tons terrosos.

Isso significa que a estampa não precisa ser tratada como um corpo estranho dentro do look.

Um tricô de leopardo pode ocupar exatamente o lugar de um suéter camel. Uma bolsa de cobra pode exercer a mesma função de uma peça marrom. Uma sapatilha de zebra pode quebrar a monotonia de uma produção inteiramente preta sem exigir nenhuma outra intervenção.

Em vez de perguntar constantemente “com o que essa estampa combina?”, pode ser mais produtivo identificar sua cor predominante e construir o restante do visual a partir dela.

É nessa simplificação que mora boa parte da elegância atual.

Tricô transforma a força da estampa

No knitwear, essa transformação fica particularmente evidente porque textura e desenho trabalham em direções complementares.

O animal print fornece ritmo gráfico. O tricô oferece suavidade.

Uma gola alta cria uma moldura para o rosto e imediatamente acrescenta estrutura ao conjunto. Quando a peça possui ombros relaxados, mangas mais generosas ou modelagem ligeiramente ampla, surge uma proporção especialmente contemporânea: sofisticada sem ser rígida, confortável sem parecer desleixada.

A mesma lógica funciona com diferentes estampas.

Um suéter de zebra em tons de café e creme pode ser combinado a uma calça de alfaiataria bege. Um tricô com desenho de cobra em taupe e chocolate funciona com pantalona marrom. Já o leopardo clássico pode ganhar leveza quando aparece com jeans azul e sapatos baixos.

A peça não depende de grandes artifícios para funcionar.

E essa talvez seja uma das maiores diferenças entre a antiga leitura do animal print e a atual.

Alfaiataria cria o contraponto perfeito

Se existe uma maneira simples de sofisticar uma estampa animal, ela passa pela alfaiataria.

Calças de cintura alta, blazers de linhas precisas, saias longas estruturadas e casacos de corte limpo criam uma espécie de disciplina visual para desenhos naturalmente expressivos.

O contraste funciona justamente porque as duas linguagens são diferentes.

Enquanto a estampa introduz espontaneidade e movimento, a alfaiataria oferece estrutura.

Um tricô de zebra com pantalona creme cria uma imagem gráfica e ao mesmo tempo elegante. Uma blusa de snakeskin com calça chocolate amplia a sensação de profundidade cromática. Já um suéter de leopardo combinado a uma calça preta de corte impecável preserva a força da estampa sem transformar o conjunto em uma produção excessivamente carregada.

Para quem prefere uma abordagem mais discreta, basta inverter a proporção.

A roupa pode permanecer completamente neutra enquanto o animal print aparece apenas em um sapato, bolsa ou cinto.

A força dos tons terrosos

Parte importante da sofisticação dessa nova fase está na paleta.

Bege, areia, caramelo, camel, chocolate e preto formam uma das combinações mais permanentes da moda. São cores que carregam calor visual, atravessam estações e permitem inúmeras sobreposições.

No animal print, essa harmonia cromática é especialmente importante.

Em vez de tratar a estampa como um elemento isolado, a proposta consiste em prolongar suas próprias cores para o restante do look.

Um casaco camel pode recuperar os tons mais claros da padronagem. Uma bolsa chocolate pode repetir seus elementos escuros. Botas pretas fazem conexão com detalhes gráficos. Uma peça creme pode suavizar todo o conjunto.

O resultado é continuidade visual.

Essa estratégia também facilita a entrada do animal print no guarda-roupa de quem normalmente evita estampas.

Quando as cores permanecem dentro de uma mesma família, o desenho deixa de parecer tão dominante.

A beleza acompanha a mesma lógica

A maquiagem também participa dessa mudança de linguagem.

Quando o animal print aparece de maneira mais sofisticada, a beleza pode abandonar aquela construção deliberadamente glamourosa que historicamente acompanhou a estampa. Pele luminosa, correções sutis, sobrancelhas naturais, olhos discretamente definidos e boca em tons rosados, caramelizados ou nude permitem que a roupa permaneça como principal elemento gráfico.

Não se trata de desaparecer atrás do look.

Trata-se de equilibrá-lo.

Cabelos soltos e levemente ondulados reforçam essa proposta. O movimento natural conversa com a textura de tricôs e tecidos sem acrescentar rigidez à composição.

Cabelos crespos e cacheados volumosos também funcionam de maneira especialmente interessante ao lado das estampas animais. Nesse caso, existe um diálogo entre duas texturas fortes que pode resultar em uma imagem poderosa sem exigir maquiagem carregada ou acessórios ostensivos.

A chave continua sendo edição.

Nem todos os elementos precisam disputar protagonismo.

Uma peça protagonista, poucos concorrentes

A fórmula mais segura para quem deseja experimentar a tendência continua bastante simples: uma peça protagonista e poucos concorrentes visuais.

Se o tricô animal print ocupa o centro da composição, os acessórios podem permanecer minimalistas. Argolas pequenas, bolsas estruturadas, sapatos de linhas simples e joias discretas são suficientes.

Outra possibilidade é trabalhar diferentes texturas dentro da mesma família cromática.

Animal print com couro marrom, camurça, denim, lã ou cetim cria profundidade sem transformar o look em uma sucessão de informações.

Uma blusa de cobra, por exemplo, pode ganhar sofisticação com uma pantalona de cetim chocolate. Um tricô de zebra funciona com calça de lã creme. Já um casaco de leopardo ganha uma leitura mais urbana quando aparece sobre camiseta branca, jeans reto e sapatilhas.

O segredo não está em diminuir a personalidade da estampa.

Está em permitir que ela tenha espaço para aparecer.

Como usar animal print sem exagerar

Para quem já gosta da padronagem, tricôs e casacos são duas das formas mais interessantes de explorá-la porque possuem presença suficiente para construir grande parte do look sozinhos.

Calças e saias lisas resolvem o restante da composição.

Para quem ainda considera o animal print intenso demais, o caminho pode começar pelos acessórios. Uma bolsa pequena de snakeskin, um lenço de zebra, uma sapatilha de leopardo ou um cinto estampado introduzem o elemento sem dominar a imagem inteira.

Existe ainda uma terceira possibilidade: usar o animal print quase como uma textura.

Nesse caso, quanto mais próxima a estampa estiver da paleta geral da produção, mais discreto será seu impacto.

Um desenho de cobra em bege e taupe combinado a peças marrons pode ser percebido quase como parte de um look monocromático. Zebra em creme e chocolate produz efeito semelhante. Até o leopardo clássico se torna menos óbvio quando aparece junto a camel, areia e café.

Para a noite, não é necessário abandonar essa contenção.

Uma saia longa escura, botas de salto moderado, joias metálicas pequenas e uma bolsa compacta já são suficientes para mudar o registro.

Misturar estampas exige intenção

Embora a proposta mais minimalista privilegie apenas um desenho animal por vez, misturar estampas continua sendo uma possibilidade.

O segredo está em encontrar algum elemento de ligação.

Pode ser uma cor repetida, uma diferença clara de escala ou simplesmente a predominância de uma das estampas sobre a outra.

Uma bolsa pequena de zebra pode conviver com um tricô discreto de cobra se ambos permanecerem dentro de uma paleta de marrom e creme. Um sapato de leopardo pode acompanhar uma roupa listrada quando as cores conversam e uma das estampas aparece em proporção muito menor.

Ainda assim, não existe obrigação de transformar uma tendência em exercício de styling complexo.

A versão mais sofisticada do animal print em 2026 está justamente na facilidade.

Do escritório ao fim de semana

Outra razão para a permanência do animal print é sua capacidade de mudar completamente de personalidade dependendo da combinação.

No ambiente profissional, uma blusa de cobra sob blazer marrom e calça de alfaiataria cria interesse sem abandonar a formalidade.

No fim de semana, um suéter de zebra com jeans reto e mocassins oferece uma leitura mais casual.

Para jantar, um tricô de leopardo combinado a saia longa de cetim e botas cria um contraste entre conforto e sofisticação.

Em uma produção essencialmente preta, uma bolsa ou sapatilha estampada pode ser suficiente para alterar toda a imagem.

Essa adaptabilidade é uma das razões pelas quais o animal print dificilmente desaparece por completo do repertório da moda.

O animal print não voltou: ele aprendeu uma nova linguagem

Definir o animal print apenas como uma tendência seria reduzir sua história.

Estampas inspiradas em felinos, répteis e outros animais atravessam décadas e reaparecem sob interpretações profundamente diferentes. Já foram símbolos de glamour, rebeldia, sensualidade, ostentação e até irreverência.

Agora, uma das leituras mais interessantes é justamente a menos óbvia.

Tricôs macios. Alfaiataria precisa. Calças amplas. Saias fluidas. Tons naturais. Cabelos soltos. Maquiagem discreta. Poucos acessórios.

Nada disso elimina a personalidade da estampa.

O leopardo continua carregando presença. A zebra mantém seu efeito gráfico. A cobra preserva uma sensualidade mais silenciosa. O tigre continua oferecendo dramaticidade.

A diferença está na forma como esses códigos são enquadrados.

Quando cercado por materiais agradáveis, silhuetas descomplicadas e uma paleta coerente, o animal print deixa de funcionar exclusivamente como elemento de impacto e passa a ocupar um espaço mais permanente no guarda-roupa.

Pode ser protagonista sem ser barulhento.

Pode ser clássico sem parecer conservador.

Pode ser sensual sem depender do excesso.

E talvez seja justamente esse o ponto mais contemporâneo de sua nova fase: **continuar selvagem na estampa, mas absolutamente sofisticado na maneira de vestir.

A Semana de Moda de São Paulo (SPFW) chega à sua edição de 30 anos consolidada como um dos principais eventos do calendário fashion mundial. Em 2025, o evento promete desfiles icônicos, novidades do setor e uma agenda repleta de talentos consagrados e emergentes. Com apresentações distribuídas entre os dias 13 e 20 de outubro, o SPFW reúne marcas de prestígio, estilistas consagrados e novas apostas da moda brasileira, consolidando a capital paulista como polo estratégico de tendências.

O evento é uma vitrine essencial para o mercado de moda, influenciando diretamente consumo, comportamento e tendências de vestuário. A edição histórica de 2025 celebra três décadas de inovação e criatividade, reunindo tanto grandes grifes quanto estilistas independentes que vêm ganhando destaque no cenário nacional e internacional.

Programação completa do SPFW 2025

13 de outubro

• 11h: João Pimenta

• 15h: Gloria Coelho

• 20h: Ronaldo Fraga

14 de outubro

• 10h30: Flávia Aranha

• 12h30: Patricia Vieira

• 17h: Força

15 de outubro

• 12h30: Lilly Sarti

16 de outubro

• 10h30: À La Garçonne

• 15h: Meninos Rei

• 16h: Marina Bitu

• 17h30: Leandro Castro

• 18h30: Catarina Mina

• 19h30: Dario Mittmann

• 20h30: Handred

17 de outubro

• 15h: Sau

• 16h: Foz

• 18h: Normando

• 20h30: Bold Strap

18 de outubro

• 14h: Herchcovitch; Alexandre

• 15h30: Rafael Caetano

• 18h: Ateliê Mão de Mãe

• 19h: Santa Resistência

• 20h: Dendezeiro

• 21h20: Uó por Marcelo Sommer

19 de outubro

• 11h: Angela Brito

• 15h: David Lee

• 16h30: Davi Ramos

• 18h: Amir Slama

• 19h: Fauve

• 20h30: Led

20 de outubro

• 14h: Gustavo Silvestre

• 15h30: Weider Silveiro

• 18h30: Apartamento 03

• 19h30: Martins

• 20h30: Lino Villaventura

Marcas e estilistas em destaque no SPFW 2025

A edição de 30 anos do SPFW  combina tradição e inovação. Entre os destaques estão nomes icônicos da moda brasileira, como Ronaldo Fraga, Gloria Coelho e Amir Slama, que apresentam coleções que dialogam com tendências globais e valorizam a identidade cultural nacional.

Além dos veteranos, o evento também destaca talentos emergentes, como Meninos Rei, Marina Bitu e Handred, que trazem propostas inovadoras, explorando sustentabilidade, inclusão e novas linguagens da moda.

O SPFW 2025 também é palco para a exploração de novas tecnologias, tecidos sustentáveis e apresentações que unem moda e performance, proporcionando experiências imersivas para o público e profissionais do setor.

SPFW e o impacto na indústria da moda

O SPFW é mais do que um evento de passarela; ele atua como um termômetro do mercado. As marcas aproveitam a exposição para lançar coleções comerciais, gerar conteúdo editorial e digital, além de consolidar parcerias estratégicas com varejistas e investidores.

O evento também tem papel importante na formação de tendências globais, influenciando o comportamento do consumidor e o ciclo de produção da moda brasileira. Com 30 anos de história, o SPFW reforça sua importância na valorização de talentos nacionais e na promoção da moda brasileira internacionalmente.

Tendências esperadas para a edição do SPFW 2025

Nesta edição, espera-se que a sustentabilidade e a inovação tecnológica sejam protagonistas. Materiais recicláveis, processos de produção ecoeficientes e soluções inteligentes para confecção estão entre os principais focos das novas coleções. Além disso, a presença de estilistas independentes reforça a democratização da moda, trazendo diversidade e autenticidade para as passarelas.

Cores vibrantes, estampas autorais, alfaiataria moderna e experimentações de shapes estão entre os elementos que devem marcar o evento. O SPFW 2025 busca equilibrar tradição e inovação, consolidando-se como referência de tendências para profissionais, influenciadores e consumidores.

A edição histórica de 30 anos do SPFW reafirma a relevância do evento como vitrine para a moda brasileira e espaço de promoção de talentos e inovação. Com uma programação completa entre 13 e 20 de outubro, o evento reúne estilistas consagrados e novos nomes, consolidando a influência de São Paulo no cenário internacional da moda.

A participação de grandes nomes, combinada à diversidade de estilistas emergentes, garante que o SPFW 2025 seja um evento memorável, com impacto direto na economia criativa e no desenvolvimento do setor de moda no Brasil.

A moda do estranho deixou de ser apenas uma curiosidade estética para se tornar um fenômeno global, unindo tradição, inovação e consumo digital. Entre os destaques do cenário atual estão peças icônicas como o Tabi da Maison Margiela, sapatos que separam o polegar dos demais dedos, e acessórios como o Labubu, bonecos e itens colecionáveis que viralizam nas redes sociais. Estes elementos, que misturam irreverência e tradição, têm conquistado fãs, influenciadores e colecionadores ao redor do mundo, provando que o “estranho” é um poderoso motor de consumo e identidade.

O Tabi, por exemplo, criado nos moldes de meias e sandálias tradicionais japonesas, desperta reações polarizadas: enquanto alguns admiradores exaltam sua ousadia, outros questionam seu design. Esse contraste é parte do apelo da moda do estranho, que funciona como crachá de pertencimento para nichos e gera intenso engajamento nas redes, principalmente no TikTok, onde comentários polarizados amplificam a visibilidade das peças. Influenciadoras como Malu Borges, com milhões de seguidores, exemplificam como a excentricidade pode ser transformada em capital de influência, tornando o inusitado uma estratégia de marketing pessoal.

O papel das influenciadoras na moda do estranho

A ascensão da moda do estranho está intimamente ligada às influenciadoras digitais, que exibem itens excêntricos e geram debates sobre estética, consumo e comportamento. Malu Borges, por exemplo, demonstra como opiniões negativas não diminuem seu alcance; pelo contrário, geram engajamento e tornam as peças mais desejadas. A lógica do algoritmo reforça esse efeito, ampliando a exposição de produtos que provocam surpresa ou polêmica.

Este fenômeno evidencia que, na moda do estranho, a polarização não é um problema, mas uma ferramenta estratégica. Ao mostrar peças fora do padrão, as influenciadoras ajudam a redefinir normas estéticas e introduzem o público a novas formas de expressão pessoal. A mistura de autenticidade, irreverência e storytelling faz com que itens aparentemente bizarros ganhem significado cultural e mercadológico.

O Labubu: sucesso viral e consumo estratégico

Outro exemplo da moda do estranho é o Labubu, boneco criado por um artista japonês e viralizado em plataformas digitais. Inicialmente fabricado pela chinesa Pop Mart, o acessório ganhou destaque quando celebridades internacionais foram fotografadas usando-o em bolsas e acessórios, gerando aumento exponencial nas vendas e consolidando sua relevância como item de coleção. Dados indicam crescimento de buscas e vendas expressivos, mostrando como objetos excêntricos podem se tornar fenômenos de consumo massivo.

Este sucesso é explicado pelo poder simbólico do estranho. O Labubu, assim como outras peças inusitadas, oferece aos consumidores uma forma de expressão única, mesclando conforto emocional, diversão e desejo de individualidade. O fenômeno ilustra como a moda do estranho pode transformar itens simples em símbolos de status e identidade.

Capital simbólico do estranho: história e contemporaneidade

O conceito de “estranho” na moda não é recente. Desde o século XVIII, movimentos subversivos contestavam códigos estéticos e sociais. No fim de 1790, jovens franceses chocaram a sociedade com fraques recortados, refletindo instabilidade política. Décadas depois, estilistas como Miuccia Prada e Jean Paul Gaultier desafiaram normas de gênero e estética, usando peças inovadoras e provocativas para comunicar poder, feminilidade e criatividade.

Na atualidade, designers como Demna Gvasalia e Jonathan Anderson consolidam o capital simbólico da moda do estranho ao unir rigor técnico e formas inusitadas. Tênis destruídos, bolsas excêntricas e braceletes em formatos inusitados não apenas geram controvérsia, mas também reforçam a autoridade e identidade de marcas como Balenciaga, Gucci e Loewe. Essa estratégia mostra que o estranho é capaz de criar valor, engajamento e reconhecimento no mercado de luxo e cultura pop.

Cultura digital e apropriação de tendências

A moda do estranho se fortalece também na apropriação de culturas periféricas e expressões juvenis. A antropóloga Carol Delgado explica que, fora do padrão de beleza eurocêntrico, designers buscam inspiração em movimentos culturais como funk, rap e manifestações locais. Essa abordagem amplia o repertório criativo, promove diversidade estética e conecta o mercado de moda a experiências culturais variadas, reforçando a identidade de nichos específicos.

O fenômeno mostra que o estranho é mais que aparência; é uma forma de resistência cultural, expressão pessoal e estratégia de mercado. Influenciadores e consumidores utilizam o estranho para sinalizar pertencimento e autenticidade, tornando cada peça uma declaração de identidade.

A dimensão lúdica na moda do estranho

O lúdico e o excêntrico caminham lado a lado na moda do estranho. Exemplos contemporâneos incluem a sneakerina e a bota Astro Boy da MSCHF, que exploram referências infantis e elementos de fantasia. A geração Z, em especial, adota símbolos como a “bunny face” para criar linguagens visuais próprias, conectando moda, identidade e cultura digital.

A moda excêntrica também estimula criatividade pessoal. Influenciadoras e consumidores relatam que o uso de peças inusitadas incentiva a exploração de novos estilos, combinações e narrativas visuais, reforçando a importância do estranho como catalisador de expressão individual e social.

Sustentabilidade e slow fashion na moda do estranho

Apesar da popularidade, a moda do estranho exige consciência de consumo. Influenciadoras como Jéssica Batan destacam a importância de avaliar compras e priorizar slow fashion, evitando aquisições impulsivas motivadas apenas pelo efeito viral. Itens excêntricos podem gerar grande engajamento, mas também acumulam-se rapidamente se não houver planejamento, mostrando que criatividade e responsabilidade caminham juntas.

Além disso, valorizar peças handmade e artesanais conecta o estranho à tradição e autenticidade, reforçando a relação emocional entre consumidor e objeto e promovendo sustentabilidade no consumo de moda excêntrica.

O estranho como motor da moda contemporânea

A moda do estranho é mais do que uma tendência passageira; é um fenômeno cultural, estético e econômico. Desde o Tabi até os Labubus, do Armadillo de McQueen às bolsas de saco de lixo da Balenciaga, o estranho transforma o cotidiano em palco de experimentação, debate e consumo estratégico.

Influenciadores, designers e consumidores encontram no estranho uma forma de expressão, pertencimento e capital simbólico, mostrando que ousadia e autenticidade podem se tornar lucrativas e culturalmente relevantes. O fenômeno é prova de que o estranho, quando bem explorado, pode definir narrativas de moda, criar tendências globais e transformar objetos inusitados em símbolos de poder, identidade e criatividade.

A temporada Miu Miu verão 2026 reafirma o compromisso de Miuccia Prada com a reinterpretação de símbolos femininos, consolidando sua abordagem sociopolítica na moda. Conhecida por seu olhar atento à condição da mulher, a estilista transforma peças cotidianas em objetos de luxo e desejo, desta vez concentrando-se no avental como elemento central da coleção.

A escolha do avental não é casual. Na Miu Miu verão 2026, ele surge bordado com pedrarias, decorado com babados, confeccionado em renda delicada ou em couro estruturado, e é combinado com calças de alfaiataria, paletós, camisas oversized e jaquetas pesadas. Essa releitura confere à peça um status inédito, unindo funcionalidade histórica à sofisticação contemporânea. A narrativa se amplia em criações inspiradas no shape do avental, como suéteres abertos nas laterais e fechados por lacinhos, reforçando a experimentação estética da marca.

Inspiração histórica e trabalho feminino

Para conceber a coleção Miu Miu verão 2026, Miuccia Prada estudou fotografias de Dorothea Lange e Helga Paris, que documentaram o universo doméstico e laboral de mulheres nas décadas de 1920 e 1930. A estilista buscou capturar não apenas a estética da época, mas também a experiência cotidiana das mulheres, enfatizando os desafios, adversidades e invisibilidade que permeiam seu trabalho.

A coleção se torna, assim, uma reflexão sobre a valorização da mulher e o reconhecimento de sua contribuição histórica. O avental — tradicionalmente associado a tarefas domésticas — é elevado a ícone de luxo e empoderamento, simbolizando a capacidade de transformar o cotidiano em arte e expressão.

Elementos domésticos reinterpretados

Além do avental, outros símbolos do universo doméstico ganham releituras sofisticadas na Miu Miu verão 2026. Estampas e frufrus inspirados em toalhas de mesa dos anos 1960 aparecem em tops e vestidos, enquanto cintos multifuncionais completam calças e bermudas de corte amplo.

Essa abordagem evidencia a habilidade de Miuccia Prada em transformar elementos tradicionais em peças de desejo, conectando história, cultura e moda de forma inovadora. A coleção demonstra que itens cotidianos podem transcender sua função original e se tornar símbolos de estilo e poder.

Female gaze e representação feminina na moda

A Miu Miu verão 2026 também reforça o conceito de female gaze, perspectiva que prioriza a experiência da mulher na criação de roupas, em oposição ao olhar masculino, que muitas vezes reduz a mulher a objeto de desejo. Essa leitura se reflete no casting escolhido para a temporada, que inclui nomes como Sandra Hüller, Milla Jovovich e Richard E. Grant, promovendo diversidade e representatividade, afastando-se dos padrões homogêneos que dominam a indústria.

Essa postura é estratégica e necessária: na atual temporada, a presença feminina em cadeiras criativas ainda é escassa, com apenas duas diretoras entre 15 estreias em grandes maisons. O trabalho de Miuccia Prada evidencia a relevância de um olhar feminino e sensível à experiência da mulher, reforçando a Miu Miu como espaço de inovação e empoderamento.

Contexto sociopolítico e ironia na moda

Outro aspecto da Miu Miu verão 2026 é a interpretação irônica de símbolos tradicionais de submissão feminina. Com o crescimento do movimento trad wife nas redes sociais — que idealiza um estilo de vida doméstico inspirado nos anos 1950 — Miuccia transforma o avental e outros elementos domésticos em ícones de emancipação e desejo.

A estilista demonstra que é possível abordar questões contemporâneas e históricas sem perder o glamour ou a sofisticação, unindo crítica social e moda de alta-costura. Essa dualidade reforça a relevância cultural da coleção e posiciona a Miu Miu como referência na reflexão sobre papéis de gênero e representação feminina.

Técnicas e detalhes da coleção

O Miu Miu verão 2026 explora uma variedade de técnicas de alfaiataria e bordado. O avental, por exemplo, surge em versões com pedrarias, babados, renda delicada e couro estruturado, demonstrando a habilidade da marca em combinar tradição e inovação.

As calças de alfaiataria, paletós oversized e suéteres reinterpretados ampliam a silhueta, criando volumes inesperados e reforçando o caráter experimental da coleção. Essa abordagem permite que cada peça carregue não apenas valor estético, mas também uma narrativa sociocultural.

Impacto da Miu Miu verão 2026 na indústria

A Miu Miu verão 2026 é um exemplo de como uma coleção pode influenciar tendências globais e fortalecer a identidade de uma marca. Ao transformar peças históricas em símbolos de luxo e empoderamento, Miuccia Prada estabelece parâmetros para outras maisons que buscam inovação aliada à responsabilidade social.

Além disso, a temporada evidencia a importância do olhar feminino na moda, incentivando a indústria a refletir sobre diversidade, representação e inclusão em todos os níveis criativos.

Moda, história e empoderamento

Com a Miu Miu verão 2026, Miuccia Prada prova que a moda pode ser um veículo de transformação social e cultural. O avental deixa de ser apenas um objeto funcional para se tornar ícone de luxo e emancipação, conectado à história do trabalho feminino e às lutas contemporâneas por igualdade de gênero.

A coleção consolida a Miu Miu como referência no female gaze, promovendo inovação estética, consciência sociopolítica e valorização da experiência feminina. Ao mesmo tempo, reforça a capacidade da moda de dialogar com o passado, reinterpretar símbolos e construir novas narrativas para o futuro.

Fotos: Getty Images

Marina Ruy Barbosa voltou a ser o centro das atenções — e não por acaso. Conhecida por seu estilo sofisticado e sempre impecável, a atriz marcou presença em um evento no Jockey Club do Rio de Janeiro nesta segunda-feira (6), exibindo um look recortado que rapidamente se tornou o assunto mais comentado entre os amantes da moda. O look de Marina Ruy Barbosa combina elegância, sensualidade e ousadia na medida certa, reafirmando sua posição como uma das celebridades mais influentes do país quando o assunto é estilo.

A aparição da atriz não apenas movimentou as redes sociais, como também inspirou fashionistas e stylists que acompanham de perto as escolhas de Marina em eventos de alto perfil. Cada detalhe do visual, desde o corte do vestido até os acessórios, foi cuidadosamente pensado para transmitir a essência da mulher moderna e confiante.

O poder do look de Marina Ruy Barbosa

Ao longo dos anos, data-start=”1497″ data-end=”1519″>Marina Ruy Barbosa construiu uma imagem que vai muito além da televisão. A atriz se tornou referência de moda, elegância e sofisticação. O look de Marina Ruy Barbosa no Jockey Club é mais uma prova de sua capacidade de unir tendências internacionais a um toque pessoal, resultando em um visual impactante e memorável.

O vestido recortado, em tom neutro e com modelagem que valoriza a silhueta, é uma tradução perfeita do equilíbrio entre o clássico e o contemporâneo. As fendas sutis e os recortes estratégicos criam um efeito visual que transmite leveza e sensualidade sem perder o refinamento. Esse tipo de design, inclusive, é uma das tendências mais fortes da moda atual, vista nas principais passarelas do mundo.

O estilo de Marina costuma mesclar referências do minimalismo europeu com detalhes tropicais, criando uma identidade fashion única. Ao escolher um vestido com linhas geométricas e recortes assimétricos, a atriz reafirma seu gosto apurado e o domínio que tem sobre a própria imagem.

Detalhes que fazem a diferença no visual

Quando se fala em look de Marina Ruy Barbosa, cada elemento carrega significado. O cabelo ruivo, marca registrada da atriz, foi mantido solto e com ondas naturais, reforçando uma estética fresh e sofisticada. A maquiagem seguiu a mesma proposta: pele iluminada, olhos levemente marcados e batom nude — uma combinação atemporal que valoriza os traços sem exageros.

Os acessórios foram discretos, mas certeiros. Brincos minimalistas e sandálias de tiras finas completaram o visual, mantendo o foco principal no vestido. Essa escolha reforça uma das maiores lições de estilo que Marina costuma ensinar: menos é mais. A simplicidade, quando aliada a peças de qualidade e bom caimento, é capaz de criar um impacto muito mais forte do que produções excessivamente elaboradas.

Referência de estilo no Brasil e no exterior

O look de Marina Ruy Barbosa no evento do Rio é mais um exemplo de como a atriz conseguiu transformar sua imagem em uma grife pessoal. Ao longo de sua carreira, Marina investiu em conhecimento de moda, parcerias com grandes marcas e uma presença consistente em eventos de prestígio internacional, como semanas de moda em Paris e Milão.

Essa construção cuidadosa da imagem fez dela uma das figuras mais respeitadas no universo fashion. Marina é frequentemente citada por estilistas e veículos especializados como uma “musa de elegância natural”, capaz de transitar entre diferentes estilos — do glamouroso ao casual — sem perder autenticidade.

Além disso, a atriz é uma das brasileiras mais fotografadas em tapetes vermelhos. Seu senso de moda já foi destaque em publicações internacionais, o que reforça o alcance de sua influência. Não é raro que seus looks gerem tendência, com marcas e influenciadoras replicando seus visuais logo após cada aparição pública.

Tendência dos recortes e o impacto no street style

A escolha do vestido recortado por Marina Ruy Barbosa não é aleatória. A tendência dos recortes estratégicos vem ganhando força nas coleções de grandes grifes desde 2023, aparecendo em desfiles de nomes como Mugler, Versace e Stella McCartney. A proposta é valorizar o corpo de forma moderna e artística, brincando com geometrias e aberturas que conferem dinamismo ao tecido.

No caso do look de Marina Ruy Barbosa, os recortes aparecem de maneira equilibrada, sugerindo sensualidade sem vulgaridade. Essa é uma das marcas do estilo da atriz — saber até onde ousar, mantendo sempre o refinamento. A peça escolhida também conversa com o clima carioca, unindo sofisticação e frescor em um mesmo visual.

É comum observar que, após cada aparição pública da artista, peças similares esgotam rapidamente nas lojas e sites de moda. Isso mostra como Marina se tornou uma verdadeira influenciadora de comportamento e consumo, ditando tendências e inspirando escolhas fashion de milhares de mulheres.

A moda como expressão pessoal

Mais do que seguir tendências, o look de Marina Ruy Barbosa reflete uma filosofia de estilo baseada na autenticidade. A atriz costuma afirmar que prefere usar peças que expressem seu humor e seu momento de vida, em vez de apenas reproduzir o que está nas passarelas. Essa postura reforça a importância da moda como forma de comunicação pessoal e empoderamento.

No evento do Jockey Club, o vestido recortado transmite exatamente isso: confiança, maturidade e personalidade. O equilíbrio entre o design ousado e a postura elegante traduz a imagem de uma mulher segura, que sabe o que quer e não tem medo de se destacar.

A influência de Marina Ruy Barbosa no mercado fashion

Além de ícone de estilo, Marina Ruy Barbosa também atua nos bastidores do mercado de moda. Ela é empresária e fundadora de sua própria marca, a Ginger, que segue princípios de sustentabilidade e produção consciente. Essa atuação reforça o papel de Marina como uma figura multifacetada, que entende a moda não apenas como estética, mas também como responsabilidade.

O look de Marina Ruy Barbosa no evento do Rio reforça essa coerência entre o que ela veste e o que acredita. A atriz costuma valorizar o trabalho de designers brasileiros, apostando em peças que unem qualidade e propósito. Esse posicionamento a diferencia de outras celebridades que seguem apenas o glamour, sem se preocupar com o impacto por trás da produção.

Por que o look de Marina Ruy Barbosa é referência de elegância?

A resposta está no conjunto: corte impecável, materiais nobres, styling harmônico e uma presença de palco natural. Poucas personalidades conseguem equilibrar todos esses elementos com tanta leveza quanto Marina. Seu estilo é resultado de autoconhecimento e de uma trajetória construída com consistência.

O look de Marina Ruy Barbosa no Jockey Club sintetiza a fase atual da atriz — madura, bem-sucedida e confiante. É o tipo de visual que inspira não apenas por sua beleza, mas pela mensagem que transmite: ser elegante é ser autêntico.

Inspiração para o público feminino

O impacto de Marina no universo da moda é perceptível nas redes sociais. Sempre que aparece em um evento, hashtags com seu nome e com expressões como “look de Marina Ruy Barbosa” entram nos trending topics. Mulheres de diferentes idades buscam inspiração em suas produções, adaptando as ideias para o dia a dia, seja em compromissos profissionais, jantares ou festas.

Esse poder de influência transforma Marina em uma das vozes mais relevantes do lifestyle brasileiro. Sua imagem vai além da estética: ela representa o equilíbrio entre beleza, trabalho, elegância e atitude. O look de Marina Ruy Barbosa é um reflexo dessa combinação — e é exatamente por isso que causa tanto fascínio.

O legado fashion de Marina Ruy Barbosa

Com o passar dos anos, Marina vem consolidando um legado que a coloca entre as grandes referências de estilo do país. Seu nome é associado a marcas de luxo, campanhas globais e capas de revistas. Mas o que realmente diferencia a atriz é a naturalidade com que ela encara o mundo da moda: como um espaço de expressão e liberdade.

O look de Marina Ruy Barbosa no evento no Rio é mais um capítulo dessa trajetória de sucesso. É a prova de que a moda, quando usada com propósito e autenticidade, é capaz de contar histórias — e a dela é uma das mais inspiradoras da atualidade.

Quando o brinquedo vira item de colecionador e redefine o luxo na moda

Lady Gaga é conhecida mundialmente por seu estilo ousado, autêntico e sempre à frente do seu tempo. No entanto, desta vez, a estrela do pop surpreendeu ao aderir a uma das maiores tendências do universo fashion em 2025: o Labubu. A pelúcia, inicialmente vista como um brinquedo artístico, transformou-se em símbolo de luxo, status e originalidade. A aparição da cantora com seu Labubu exclusivo, criado sob medida para ela, consolidou de vez a tendência no cenário global da moda.

A seguir, você entenderá como o Labubu se tornou objeto de desejo de celebridades e colecionadores, quais são os fatores que impulsionaram sua valorização, como a cultura pop está redefinindo o conceito de luxo e por que Lady Gaga conseguiu elevar essa trend ao patamar de fenômeno cultural.

O que é o Labubu?

O Labubu é uma pelúcia estilizada criada pelo artista de Hong Kong Kasing Lung, inicialmente como parte de um universo lúdico que mistura elementos sombrios e infantis. Originalmente concebido como uma figura artística para colecionadores, o Labubu rapidamente extrapolou o nicho dos toy art e ganhou espaço nas passarelas e nos bastidores das semanas de moda mais prestigiadas do planeta.

Com sua aparência peculiar — geralmente com olhos grandes, orelhas longas e uma estética que mistura fofura com um toque de bizarrice — o Labubu atraiu a atenção de estilistas, influenciadores e celebridades.

O boom do Labubu no mundo das celebridades

A presença do Labubu pendurado em bolsas e mochilas de nomes como Marina Ruy Barbosa, Rosé (Blackpink) e, agora, Lady Gaga, transformou o boneco em um símbolo de estilo e sofisticação. A popularidade atingiu níveis inéditos, colocando o brinquedo nas vitrines de colecionadores e fashionistas de todo o mundo.

Mas não se trata de qualquer pelúcia: versões raras do Labubu já foram negociadas por mais de US$ 10 mil, e algumas edições especiais esgotam em minutos após o lançamento. Mais do que um acessório, ele passou a ser um ativo valioso no mercado de luxo.

O Labubu de Lady Gaga: exclusividade e identidade visual

Durante uma aparição nas ruas de Malibu, Lady Gaga chamou a atenção ao carregar um Labubu exclusivo, confeccionado especialmente para ela pelo artista Marko Monroe. Inspirado no videoclipe da música Abracadabra, o brinquedo vestia um look gótico com babados vermelhos e peruca preta com franja, imitando fielmente a estética da cantora.

Essa personalização do Labubu não apenas aumentou sua visibilidade nas redes sociais e na imprensa internacional, como também elevou o status da peça para além do mundo da moda: virou arte em movimento.

Combinado a uma bolsa Kelly Hermès, cujo valor pode ultrapassar os US$ 45 mil, o visual de Gaga representou uma fusão entre o luxo tradicional e a cultura pop contemporânea — dois mundos que, sob seu comando, coexistem em perfeita harmonia.

Labubu: do brinquedo ao luxo

Embora o Labubu pareça, à primeira vista, apenas uma pelúcia de aparência excêntrica, ele é muito mais do que isso. O boneco é um exemplo de como a cultura pop e o mercado de colecionáveis se fundiram ao universo do luxo.

A exclusividade de certas edições, os materiais utilizados e as parcerias com artistas renomados fizeram com que o Labubu se tornasse uma peça altamente valorizada. É comum encontrar modelos sendo revendidos em plataformas internacionais por preços que superam os de bolsas de grife.

Além disso, o Labubu conquistou espaço em exposições de arte contemporânea e se consolidou como objeto de desejo entre colecionadores asiáticos e europeus.

A estratégia por trás da tendência

Um dos grandes responsáveis por essa explosão de popularidade é o marketing orgânico impulsionado por celebridades. Quando uma figura como Lady Gaga exibe um item como o Labubu, o alcance é instantâneo. Os fãs procuram imediatamente saber do que se trata, marcas correm para capitalizar em cima do interesse gerado e os preços disparam.

Essa estratégia se alinha perfeitamente com os novos comportamentos de consumo de luxo. Em vez de buscar apenas grifes tradicionais, o público contemporâneo quer exclusividade, criatividade e autenticidade. O Labubu entrega tudo isso — e ainda carrega uma dose de humor e irreverência que agrada tanto aos jovens quanto a colecionadores sérios.

Moda e toy art: uma fusão crescente

O sucesso do Labubu é apenas mais um capítulo da tendência que une moda e toy art. Nos últimos anos, bonecos estilizados, como os Be@rbricks e os Dunny, também ganharam espaço no guarda-roupa de celebridades. Porém, o Labubu conseguiu algo raro: conectar moda, arte e fandoms, tudo em uma única peça.

Esse tipo de fusão se mostra ainda mais poderosa quando incorporada por personalidades que transcendem a música ou o cinema, como Lady Gaga. Ao dizer no palco “I’m a Labubu”, ela não apenas brincou com seu visual — ela se fundiu à tendência, como se fosse parte dela.

O futuro do Labubu: hype ou consolidação?

Enquanto muitos se perguntam se o fenômeno do Labubu é passageiro, os indícios apontam para sua consolidação como ícone contemporâneo de estilo e cultura. A combinação de:

• Edições limitadas,

• Customizações artísticas,

• Adoção por celebridades,

• Preços elevados e demanda crescente,

torna o Labubu um ativo valioso, tanto financeiramente quanto simbolicamente.

Com a força das redes sociais e o desejo incessante por exclusividade, a tendência é que vejamos ainda mais versões de Labubu assinadas por artistas renomados, marcas de moda colaborando com a franquia e, quem sabe, sua entrada oficial no circuito das grandes semanas de moda internacionais.

Por que o Labubu conquistou o mundo da moda?

O Labubu representa mais do que uma pelúcia estilizada. Ele é um reflexo de como o luxo está sendo reconfigurado na era digital — um tempo em que a autenticidade, a arte e a identidade são mais valorizadas do que logotipos. Com a chancela de Lady Gaga, a tendência ultrapassou as fronteiras da Ásia, ganhou visibilidade global e se estabeleceu como um dos símbolos fashion mais inusitados e desejados de 2025.

No cruzamento entre cultura pop, toy art e alta-costura, o Labubu ocupa hoje o centro do palco. E com o apoio de ícones como Lady Gaga, tudo indica que ele veio para ficar.

O Festival de Cannes 2025 teve início nesta terça-feira (13) na deslumbrante Côte d’Azur, na França, e já contou com a presença marcante de modelos brasileiras que roubaram a cena no tapete vermelho. Isabeli Fontana e Alessandra Ambrósio representaram o Brasil com elegância e estilo, exibindo looks que destacaram suas personalidades e o talento da moda nacional.

Isabeli Fontana encanta com vestido de seda e broche poderoso

Isabeli Fontana desfilou no tapete vermelho do Festival de Cannes 2025 usando um vestido de seda que evidenciou sua sofisticação. A peça apresentava uma longa fenda lateral, realçando sua silhueta, e foi complementada por um broche marcante, acessório que se tornou o queridinho da modelo durante o evento.

O vestido de seda escolhido por Isabeli Fontana destacou-se pela fluidez do tecido e pelo corte impecável, que proporcionou movimento e leveza ao look. A fenda lateral conferiu um toque de sensualidade, enquanto o broche poderoso adicionou um elemento de sofisticação e personalidade à produção. Este look não apenas valorizou sua beleza, mas também refletiu as tendências atuais da moda, solidificando sua posição como ícone de estilo.

Alessandra Ambrósio aposta em vestido turquesa com manga de plumas

Alessandra Ambrósio, por sua vez, optou por um vestido turquesa que chamou a atenção pelo decote em formato de coração e pela fenda estratégica. O grande destaque da produção ficou por conta da manga adornada com plumas, conferindo um ar de ousadia e glamour ao visual.

O vestido turquesa escolhido por Alessandra Ambrósio evidenciou sua elegância e estilo único. O decote em coração valorizou o colo da modelo, enquanto a fenda acrescentou um toque de sensualidade. A manga de plumas trouxe um elemento dramático e sofisticado, tornando o look memorável no tapete vermelho do Festival de Cannes 2025. Essa escolha ousada destacou não apenas a beleza de Alessandra, mas também a criatividade dos estilistas que a assessoraram.

A presença brasileira no Festival de Cannes 2025

A participação das top models Isabeli Fontana e Alessandra Ambrósio no Festival de Cannes 2025 reforça a relevância das modelos brasileiras no cenário internacional da moda e do entretenimento. Ambas desfilaram com looks que evidenciaram não apenas sua beleza, mas também o talento e a criatividade dos estilistas envolvidos em suas produções.

O Festival de Cannes 2025 continua sendo uma vitrine importante para a moda global, e a presença de modelos brasileiras no evento destaca a influência e o prestígio do Brasil no mundo fashion. Com escolhas de looks que combinam elegância, ousadia e sofisticação, Isabeli Fontana e Alessandra Ambrósio mostraram por que são referências no universo da moda.

A influência das modelos brasileiras no cenário internacional

A moda brasileira tem ganhado destaque mundial, e eventos como o Festival de Cannes 2025 são fundamentais para solidificar essa presença. As modelos brasileiras não apenas desfilam, mas também influenciam tendências e promovem a cultura nacional através de suas escolhas de roupas e acessórios. A presença de Isabeli Fontana e Alessandra Ambrósio é um reflexo do talento e da versatilidade que as modelos do Brasil trazem para o cenário internacional.