O movimento da criadora, que liderou a casa italiana por quase três décadas após o assassinato de seu irmão e fundador Gianni Versace em 1997, ocorre em um momento de profunda reestruturação da indústria de vestuário e cosméticos de alto padrão. Enquanto o mercado europeu de luxo absorve consolidações bilionárias e transições de comando em marcas históricas — como a recente incorporação da própria Versace pelo grupo Prada —, Donatella opta por empreender em um segmento que prioriza a presença digital, a inclusão de novos públicos e a diversificação de portfólio entre vestuário e produtos de beleza.

Uma nova rota comercial voltada para o consumo digital e as gerações emergentes

A parceria firmada com o grupo californiano Revolve representa uma mudança significativa na trajetória da executiva, tradicionalmente associada ao modelo clássico de desfiles presenciais, ateliês exclusivos e distribuição em lojas físicas de grande prestígio internacional. A nova marca, cujos detalhes operacionais e cronograma de lançamentos começam a ser delineados para o mercado global, nasce com o propósito explícito de estabelecer um canal de diálogo contínuo e personalizado com os consumidores das gerações mais jovens.

De acordo com as diretrizes divulgadas pela empresária, a criação do empreendimento foi motivada pelo desejo de explorar formatos criativos que fujam das amarras tradicionais da indústria. A escolha do parceiro norte-americano não é fortuita: o grupo Revolve consolidou sua posição no mercado internacional de moda por meio de uma estratégia altamente digitalizada, baseada no uso intensivo de dados de consumo, parcerias com influenciadores digitais e eventos de grande repercussão nas redes sociais. Ao unir a experiência de décadas em design de luxo de Donatella Versace com a infraestrutura tecnológica de e-commerce da corporação americana, a nova marca busca capturar margens elevadas em um segmento no qual a agilidade de entrega e a conexão imediata com o consumidor final tornaram-se fatores determinantes de competitividade.

Transformações estruturais no eixo da alta-costura em Milão

O anúncio do novo projeto empresarial coincide com a véspera de mais uma edição da Semana de Moda de Milão, um dos eventos mais importantes do calendário econômico e cultural da Europa. No entanto, o cenário apresentado neste período revela um panorama corporativo consideravelmente distinto daquele observado nos anos anteriores. A grife original Versace, agora sob o controle acionário e administrativo do grupo Prada, passa por um processo de readequação de sua identidade visual e estratégica, marcado pela recente nomeação de Pieter Mulier para a direção criativa da marca e pela saída de nomes ligados ao ciclo anterior de gestão.

Essa transição societária e administrativa alterou de forma sensível a dinâmica dos conglomerados de luxo na Itália. Analistas de mercado apontam que a consolidação de grandes grupos tem gerado um movimento pendular: ao mesmo tempo em que corporações multinacionais concentram marcas tradicionais para ganhar escala financeira e poder de barganha global, estilistas e executivos veteranos buscam maior autonomia em parcerias ágeis com plataformas digitais estrangeiras. A ausência da grife Versace no cronograma oficial de desfiles do principal evento milanês reflete esse período de transição interna, abrindo espaço para que figuras centrais da história da moda italiana experimentem novos formatos fora dos grandes conglomerados tradicionais.

A consolidação do mercado de beleza e o impacto nas margens corporativas

A decisão de Donatella Versace de estruturar o novo negócio contemplando tanto o setor de vestuário quanto o mercado de beleza reflete uma tendência estrutural observada entre os principais conglomerados de luxo do mundo. Nos últimos anos, a categoria de cosméticos, fragrâncias e produtos para cuidados pessoais tem funcionado como o principal motor de crescimento e estabilização de receitas para marcas de alto padrão, oferecendo margens de lucro superiores às registradas pela alta-costura tradicional.

Enquanto as coleções de vestuário de passarela cumprem o papel fundamental de construir o desejo e a reputação da marca, os produtos de beleza e acessórios de entrada garantem capilaridade financeira, atingindo uma base de consumidores mais ampla, especialmente nos mercados emergentes da Ásia e nas faixas etárias mais jovens do Ocidente. A estratégia da nova marca desenvolvida em conjunto com a Revolve aponta diretamente para essa direção, buscando monetizar o prestígio acumulado pela estilista italiana por meio de produtos de consumo recorrente e de fácil distribuição transfronteiriça.

O desafio da transição de legado para a inovação independente

Para os especialistas em economia do setor de luxo, o principal desafio de iniciativas lideradas por figuras históricas da moda reside na capacidade de dissociar o peso do passado de uma proposta comercial genuinamente inovadora. Donatella Versace construiu sua reputação internacional mantendo vivo o legado criativo de Gianni Versace, adaptando a estética exuberante, barroca e ousada da grife às exigências do mercado global ao longo de quase três décadas. No entanto, o novo empreendimento exige uma linguagem visual e comercial distinta, voltada para um público que consome moda de maneira descentralizada e influenciada por algoritmos de redes sociais.

A empresária tem enfatizado em suas declarações públicas que a criatividade contemporânea precisa ser corajosa e inclusiva, princípios que dialogam diretamente com as demandas políticas e sociais expressas pelas gerações Millennials e Geração Z. A parceria com a Revolve oferece justamente a infraestrutura analítica necessária para identificar essas demandas com rapidez, permitindo que coleções sejam desenhadas, produzidas e comercializadas em ciclos muito mais curtos do que o tradicional calendário de duas estações anuais que historicamente caracterizou a alta-costura europeia.

Perspectivas econômicas e os próximos passos da expansão global

O mercado financeiro e os analistas de varejo global agora acompanham com atenção os próximos passos da nova marca, com expectativa de que os primeiros lançamentos comerciais ocorram nos próximos meses, acompanhados pela divulgação oficial do calendário de distribuição e das plataformas de e-commerce que serão utilizadas prioritariamente. A integração entre a curadoria de estilo de uma das maiores designers da história da moda europeia e a capilaridade logística de uma gigante digital americana tem o potencial de criar um caso de estudo relevante sobre o futuro dos negócios no setor de bens de alto padrão.

Enquanto a indústria de luxo europeia continua a navegar por um cenário macroeconômico desafiador, marcado por volatilidade cambial, oscilações na demanda do mercado chinês e custos operacionais crescentes, iniciativas independentes e parcerias transatlânticas surgem como alternativas viáveis para executivos que buscam escapar das burocracias dos grandes conglomerados. Para Donatella Versace, o retorno ao mercado não representa apenas uma nova empreitada comercial, mas a afirmação de sua relevância em um ecossistema econômico em constante mutação, onde a capacidade de reinvenção continua a ser o principal ativo de sobrevivência para os grandes nomes da criação artística mundial.

Fontes:

Revolve – comunicados ao mercado e informações corporativas sobre parcerias estratégicas globais

Prada Group – fatos relevantes e documentos societários referentes à aquisição da grife Versace

Câmara Nacional da Moda Italiana – calendário oficial, relatórios setoriais e diretrizes operacionais da Semana de Moda de Milão

A decisão foi anunciada conjuntamente em 31 de agosto, exatamente um mês depois de o museu apresentar publicamente o projeto. Nesse intervalo, a exposição deixou de ser apenas uma celebração da trajetória de um dos nomes mais influentes da moda contemporânea e passou ao centro de uma discussão sobre até onde uma instituição cultural pode separar uma obra de enorme relevância estética da conduta de seu autor.

Galliano foi demitido da Dior em 2011 e condenado na França depois de episódios envolvendo declarações antissemitas e racistas. Nos anos seguintes, construiu uma segunda fase profissional que culminou em uma década à frente da Maison Margiela, onde voltou a ser reconhecido como uma das forças criativas mais importantes da moda.

Era justamente essa trajetória — ascensão, ruptura, retorno e transformação — que “Horizons” pretendia examinar.

Com o cancelamento, o Costume Institute perde uma exposição que vinha sendo desenhada para ocupar oito meses do calendário do Met, até janeiro de 2028. A instituição terá agora de definir um novo projeto para sua temporada de primavera e reorganizar também os planos do Met Gala de 2027.

Uma retrospectiva construída para ir além dos vestidos

“John Galliano: Horizons” não havia sido concebida como uma retrospectiva convencional organizada apenas em torno de vestidos célebres e momentos de passarela.

O projeto de Andrew Bolton, curador responsável pelo Costume Institute, pretendia acompanhar a maneira como Galliano transforma referências históricas, personagens, geografias, arte, cinema e literatura em roupa. Para isso, seriam reunidos não apenas looks acabados, mas desenhos, acessórios, protótipos, toiles, cadernos de pesquisa e materiais de arquivo.

A narrativa começaria em 1984, com “Les Incroyables”, coleção de formatura apresentada por Galliano na Central Saint Martins, em Londres. O trabalho chamou atenção imediatamente pela teatralidade e pela capacidade do jovem estilista de transformar pesquisa histórica em moda contemporânea.

A mostra avançaria pelas coleções de sua própria etiqueta e pelas passagens por Givenchy e Christian Dior, até chegar à Maison Margiela e à coleção Artisanal de primavera-verão 2024, uma das apresentações mais celebradas da fase final de Galliano na maison.

O Met possui a maior coleção institucional de trabalhos do estilista, o que daria à exposição uma dimensão incomum. A intenção era mostrar tanto o espetáculo final visto nas passarelas quanto o caminho percorrido antes que uma peça chegasse ao corpo.

Essa investigação do processo criativo seria especialmente importante no caso de Galliano. Poucos estilistas contemporâneos fizeram da pesquisa uma parte tão visível da própria linguagem. Seus desfiles frequentemente começaram muito antes da escolha do tecido, em personagens históricos, fotografias, pinturas, narrativas literárias e universos ficcionais posteriormente desmontados e reconstruídos em roupas.

O passado de Galliano faria parte da própria exposição

O aspecto mais delicado da retrospectiva não seria escondido.

O primeiro dos três movimentos previstos por Bolton, chamado “Bearings”, abordaria diretamente a ruptura ocorrida na carreira de Galliano entre 2010 e 2011. A narrativa incluiria sua conduta antissemita, racista e anti-asiática, a saída da Dior e de sua própria marca, a condenação judicial na França e o tratamento posterior relacionado à dependência de álcool e outras substâncias.

O projeto seria seguido pelos segmentos “Horizons” e “Atlas of Transformation”, dedicados respectivamente ao universo de referências do estilista e à transformação dessas referências em peças acabadas.

A estrutura revelava a ambição do Met de colocar duas questões lado a lado: a extraordinária relevância criativa de Galliano para a moda e a responsabilidade por comportamentos que alteraram de maneira permanente a forma como sua trajetória é recebida.

Isso não foi suficiente para eliminar as críticas.

Para parte dos opositores da exposição, contextualizar os episódios não resolvia a questão principal. A própria concessão de uma grande retrospectiva individual por uma instituição como o Met poderia ser interpretada como uma forma de reconhecimento e consagração.

E uma exposição do Costume Institute tem um peso simbólico que ultrapassa a simples exibição de roupas.

Galliano seria apenas o terceiro estilista vivo a receber esse espaço

A dimensão da homenagem fica mais evidente quando se observa a história do departamento de moda do Met.

Se tivesse sido realizada, “John Galliano: Horizons” seria apenas a terceira grande exposição monográfica do Costume Institute dedicada a um estilista vivo.

A primeira ocorreu em 1983, quando o museu apresentou uma retrospectiva de Yves Saint Laurent. A decisão foi excepcional para a época e ajudou a consolidar a ideia de que moda poderia ocupar museus de arte não apenas como documento histórico, mas como linguagem criativa digna da mesma atenção destinada a outras disciplinas.

Somente 34 anos depois, em 2017, o Costume Institute voltaria a dedicar uma exposição desse porte a uma designer viva, com “Rei Kawakubo/Comme des Garçons: Art of the In-Between”.

Galliano entraria nesse grupo restrito dez anos depois de Kawakubo.

Mais do que organizar suas coleções cronologicamente, portanto, o Met estaria colocando seu nome dentro de uma linhagem institucional extremamente seletiva. Para os críticos, foi justamente essa consagração que tornou a escolha difícil de separar do passado do estilista.

Moda, reputação e responsabilidade se encontraram no museu

As semanas que seguiram o anúncio mostraram como a discussão ultrapassava a avaliação do talento de Galliano.

Integrantes da comunidade judaica, doadores e figuras públicas de Nova York contestaram o projeto. Entre as manifestações divulgadas estavam críticas do galerista e colecionador Arne Glimcher, da presidente da Câmara Municipal de Nova York, Julie Menin, e de Elisha Wiesel, presidente da fundação criada em torno do legado de seu pai, o escritor e sobrevivente do Holocausto Elie Wiesel.

A doadora Alice Tisch também questionou a escolha do museu e os critérios institucionais que haviam levado à aprovação da retrospectiva.

O debate colocou o Costume Institute diante de uma questão que museus enfrentam com frequência crescente: apresentar uma obra criticamente não é necessariamente o mesmo que homenagear seu criador, mas a fronteira entre as duas coisas se torna menos clara quando se trata de uma retrospectiva individual de grande escala.

No campo da moda, essa distinção adquire ainda outra camada. Uma exposição no Met não apenas documenta uma trajetória. Ela influencia a maneira como designers são incorporados à história da disciplina, como suas obras são estudadas e como futuras gerações passam a interpretá-las.

“John Galliano: Horizons” pretendia confrontar exatamente essa tensão. No fim, foi essa mesma tensão que contribuiu para inviabilizar o projeto.

Galliano diz que reparação não acontece em uma exposição

Ao confirmar o cancelamento, Galliano reconheceu novamente a dor provocada por suas declarações e afirmou que permanece responsável por elas.

O estilista também deixou claro que não considera uma exposição, um reconhecimento institucional ou um único gesto público suficientes para representar reparação. Em sua declaração, relacionou esse processo a uma responsabilidade contínua, construída por comportamento, aprendizado e escuta ao longo do tempo.

Galliano afirmou ainda que não queria que o debate em torno de sua pessoa colocasse o Met em uma posição difícil ou retirasse atenção do trabalho desenvolvido pelo Costume Institute.

O designer mencionou também os 15 anos de sobriedade e recuperação do alcoolismo e da dependência, período que coincide com a reconstrução gradual de sua vida pessoal e profissional após 2011.

Andrew Bolton apoiou a decisão de cancelar a mostra. O curador defendeu o papel dos museus na abordagem de histórias difíceis, mas reconheceu a preocupação e a dor provocadas pelo projeto.

Anna Wintour, integrante do conselho do Met e figura historicamente ligada ao Costume Institute e ao Met Gala, também manifestou apoio ao cancelamento.

A segunda vida criativa de Galliano complicou a discussão

Se a trajetória de Galliano tivesse terminado em 2011, a discussão talvez tivesse outra configuração.

Mas o estilista voltou.

Em 2014, assumiu a direção criativa da Maison Margiela, onde permaneceu por cerca de uma década. A relação entre uma casa conhecida pela desconstrução e um designer célebre pela teatralidade parecia improvável no início, mas resultou em uma das fases mais estudadas de sua carreira.

Na Margiela, Galliano refinou técnicas de construção, ilusão visual e transformação do vestuário, trabalhando frequentemente sobre a fronteira entre roupa, personagem e performance.

A coleção Artisanal apresentada em 2024 tornou-se um dos momentos mais comentados da moda recente e reacendeu de maneira intensa a discussão sobre sua influência criativa.

É esse retorno que torna sua posição na história da moda particularmente complexa.

A importância de Galliano como criador é difícil de eliminar da narrativa das últimas quatro décadas. Ao mesmo tempo, sua recuperação profissional não apaga os acontecimentos que provocaram sua queda.

O Met pretendia transformar essa contradição em exposição. O cancelamento mostra que colocar essa discussão dentro de um museu pode ser tão complexo quanto discuti-la fora dele.

Met Gala de 2027 agora precisa de um novo rumo

Há ainda uma consequência prática importante para o calendário da moda.

O Met Gala funciona como a grande abertura pública e financeira da exposição anual de primavera do Costume Institute. O tema da noite nasce da pesquisa curatorial e influencia roupas, cenografia, convidados e boa parte da conversa global sobre moda nas semanas seguintes.

Com “Horizons” fora da programação, o Met precisa definir outra exposição e, consequentemente, uma nova direção para o evento de 2027.

O museu informou que anunciará posteriormente tanto a mostra substituta quanto os detalhes do próximo Met Gala.

Para uma instituição acostumada a desenvolver exposições dessa escala com anos de antecedência, substituir em poucos meses um projeto dedicado a quatro décadas de produção representa uma alteração considerável.

O cancelamento também produz uma ironia difícil de ignorar. “John Galliano: Horizons” havia sido concebida para examinar como criação, memória, responsabilidade e mudança cultural modificam a maneira como uma obra é vista ao longo do tempo.

A exposição não acontecerá, mas a discussão que pretendia provocar já aconteceu.

E, ao interromper o projeto antes que um único look fosse instalado nas galerias, o Met acrescentou um novo capítulo à própria história que pretendia contar: a de como a moda decide quem entra para o museu, de que maneira entra e até que ponto o reconhecimento artístico pode ser separado da responsabilidade de quem criou a obra.

No segundo trimestre fiscal de 2026, encerrado em 1º de agosto, as vendas comparáveis da Gap cresceram 10%, repetindo o avanço de dois dígitos registrado nos três meses anteriores. A receita da marca chegou a US$ 844 milhões, 9% acima do mesmo período de 2025. Em um grupo no qual Old Navy e Athleta registraram retração, a Gap se tornou o principal destaque positivo do portfólio.

Mais do que uma melhora comercial, os números acompanham uma transformação visível na linguagem da marca. Denim, fleece, camisetas, camisas, cáquis e roupas inspiradas no workwear voltaram ao centro das coleções, mas agora aparecem com proporções ampliadas, construções mais elaboradas e uma direção de imagem muito mais próxima do universo da moda do que do varejo básico tradicional.

A mudança ganhou sua expressão mais clara com a GapStudio, linha comandada por Zac Posen, diretor criativo da Gap Inc. O projeto funciona como um laboratório no qual os códigos históricos da companhia são reinterpretados com técnicas, volumes e acabamento que aproximam a marca do design autoral.

É uma estratégia que não tenta apagar o passado da Gap. Pelo contrário: transforma esse passado em matéria-prima.

Zac Posen transforma os básicos da Gap em objetos de moda

Apresentada no fim de agosto, a coleção GapStudio Fall 2026 reúne 20 peças construídas a partir de elementos tradicionais do vestuário americano. Denim, cáqui, camisaria, camiseta, uniformes e referências ao workwear aparecem reorganizados por Zac Posen em silhuetas mais arquitetônicas.

A cartela parte de índigo profundo, preto lavado, cáqui militar, branco óptico e diferentes tonalidades de azul. O interesse, porém, está menos na cor e mais na construção.

Colarinhos exagerados, costuras aparentes, proporções alongadas, volumes controlados e detalhes de trompe l’oeil transformam peças familiares em roupas que pedem um segundo olhar. Uma jaqueta jeans deixa de ser apenas uma jaqueta jeans; uma camisa ganha escala; o workwear abandona a leitura estritamente utilitária e passa a funcionar como linguagem estética.

Essa abordagem resume bem o novo momento da Gap. Em vez de perseguir tendências de curta duração, a marca procura identificar quais elementos de seu próprio arquivo ainda têm relevância e como eles podem ser apresentados a uma geração acostumada a misturar peças de diferentes épocas, preços e referências.

O resultado está alinhado a uma das principais mudanças do consumo de moda nos últimos anos: o retorno do interesse por itens aparentemente simples, desde que tenham corte, proporção e styling capazes de diferenciá-los.

Para uma empresa cuja identidade sempre esteve ligada ao básico americano, essa mudança de comportamento abriu uma oportunidade.

Uma camiseta branca chegou ao Met Gala

A aproximação com a moda ganhou um de seus momentos mais simbólicos em maio, quando Kendall Jenner apareceu no Met Gala usando um look criado por Zac Posen no GapStudio de Nova York.

A peça partia de um dos itens mais elementares da história da Gap: a camiseta branca.

Posen transformou esse arquétipo em uma construção escultórica inspirada na Vitória de Samotrácia, escultura helenística exposta no Louvre. O resultado levou para o tapete do Metropolitan Museum of Art um produto associado ao vestuário cotidiano americano, mas reconstruído dentro de uma lógica de alta elaboração.

Para a Gap, a escolha teve significado maior do que simplesmente vestir uma celebridade.

Durante boa parte de sua história, a marca construiu relevância cultural justamente aproximando básicos e personalidades. Campanhas de décadas anteriores colocaram músicos, atores e modelos usando jeans, camisetas, cáquis e moletons diante de fundos minimalistas. Essa simplicidade visual tornou-se uma assinatura.

O GapStudio recupera essa memória sem tentar reproduzi-la literalmente. A celebridade continua presente, mas o produto ganha maior protagonismo de design.

O movimento também permite à Gap circular simultaneamente por dois espaços: o varejo de grande escala e a moda aspiracional. A maior parte de sua receita continua vindo de roupas acessíveis e amplamente distribuídas, enquanto projetos especiais ajudam a reconstruir prestígio e desejo em torno do nome.

Jeans voltou a ser uma linguagem central

Nenhuma categoria representa melhor essa retomada do que o denim.

A Gap nasceu em 1969 como uma loja especializada em jeans e discos, e o tecido atravessou praticamente todas as fases da empresa. Na estratégia atual, ele novamente ocupa uma posição de destaque.

A administração da companhia cita denim entre as categorias que vêm impulsionando a recuperação, ao lado de fleece e roupas infantis. Mas o interesse atual pelo jeans não se limita a ampliar a quantidade de modelos disponíveis.

A forma como a marca trabalha o produto mudou.

Lavagens mais profundas, volumes maiores, modelagens amplas, referências utilitárias e combinações de denim com denim ajudam a reposicionar uma categoria que durante anos esteve associada principalmente ao básico funcional.

A própria GapStudio Fall 2026 transforma o índigo em uma espécie de fio condutor da coleção. Há uma exploração deliberada da construção, da textura e da proporção, fazendo com que o jeans funcione tanto como peça comercial quanto como veículo de imagem.

Esse retorno acontece em um momento favorável. O denim voltou a ocupar espaço central nas coleções internacionais, acompanhado pela perda de força das silhuetas extremamente ajustadas e pelo avanço de modelagens retas, largas e relaxadas.

Para a Gap, trata-se menos de aderir a uma tendência do que de recuperar um território no qual a marca possui legitimidade histórica.

Cultura pop voltou a fazer parte do produto

A transformação também aparece no marketing.

Desde que Richard Dickson assumiu a direção executiva da Gap Inc., em agosto de 2023, a companhia passou a investir de maneira mais sistemática na ideia de relevância cultural. Antes de chegar ao grupo, o executivo participou da revitalização da Mattel e da construção do fenômeno recente em torno de Barbie.

Na Gap, essa lógica é aplicada por meio da aproximação entre produto, música, celebridades, moda e entretenimento.

A diferença é importante. A campanha deixa de funcionar apenas como instrumento para anunciar uma coleção e passa a ser pensada como parte da própria identidade da marca.

Para uma etiqueta que teve alguns de seus momentos mais memoráveis justamente quando conseguiu conectar roupas simples a movimentos culturais maiores, a estratégia representa uma volta às origens sob uma linguagem contemporânea.

Zac Posen ocupa posição central nessa mudança. Nomeado diretor criativo da Gap Inc. em 2024, ele trouxe para a companhia um repertório ligado a construção, glamour e red carpet, aparentemente distante do universo de camisetas e moletons.

É justamente desse contraste que surge parte do interesse.

Ao aplicar conhecimento de modelagem e construção a produtos reconhecíveis, Posen consegue elevar uma peça sem eliminar sua familiaridade. A Gap não precisa se transformar em uma maison. Precisa fazer o consumidor olhar novamente para aquilo que acreditava já conhecer.

O consumidor parece estar respondendo

Os resultados recentes indicam que a renovação estética não está restrita às campanhas.

A receita trimestral da Gap passou de US$ 772 milhões em 2025 para US$ 844 milhões em 2026, um aumento de aproximadamente US$ 72 milhões em um ano. As vendas comparáveis avançaram 10% pelo segundo trimestre consecutivo.

A diferença em relação às outras marcas do grupo é significativa.

A Old Navy, maior operação da Gap Inc., teve queda de 4% nas vendas comparáveis. A Athleta recuou 12%, enquanto a Banana Republic avançou 3%.

Isso faz da Gap não apenas a marca com maior crescimento proporcional dentro do grupo, mas também uma espécie de demonstração prática da estratégia defendida pela atual administração: fortalecer identidades individuais em vez de tratar todas as etiquetas como variações de uma mesma fórmula de varejo.

Na moda, essa distinção é particularmente importante. Consumidores podem comprar uma camiseta em dezenas de empresas. O que diferencia uma marca madura não é simplesmente a disponibilidade do produto, mas o universo cultural e estético construído ao redor dele.

É nesse ponto que a Gap parece ter voltado a encontrar espaço.

O desafio é fazer o desejo sobreviver à novidade

Relevância cultural, porém, é mais difícil de sustentar do que uma boa coleção.

A Gap ainda precisa demonstrar que consegue manter o interesse do público depois que o efeito novidade da nova direção criativa diminuir. Colaborações, celebridades e aparições em eventos de grande visibilidade ajudam a recolocar uma marca na conversa, mas o relacionamento de longo prazo depende do produto que chega às lojas.

É também aí que a estratégia atual parece mais consistente.

Ao organizar sua renovação em torno de jeans, camisetas, cáqui, fleece, camisas e workwear, a Gap não está construindo uma identidade artificial. Está atualizando elementos presentes em seu DNA desde algumas de suas fases mais reconhecidas.

O GapStudio leva essa lógica ao extremo criativo, enquanto as coleções comerciais traduzem parte dessas ideias para uma escala maior.

A combinação permite que um vestido usado no Met Gala, uma peça de design mais elaborado e um jeans vendido em uma loja de shopping pertençam ao mesmo universo visual.

Para uma marca que já atravessou mais de cinco décadas de mudanças no varejo e no comportamento do consumidor, talvez esteja justamente aí a força de sua nova fase: descobrir que voltar a ser desejada não exigia abandonar os básicos, mas fazer com que eles parecessem interessantes outra vez.

A combinação entre futebol, identidade nacional e moda tornou-se uma estratégia cada vez mais presente entre marcas, criadores de conteúdo e personalidades públicas. A proximidade dos jogos da Seleção tem impulsionado o uso de peças em verde, amarelo, azul e branco, além da tradicional camisa da equipe nacional, agora reinterpretada em diferentes propostas de styling.

O fenômeno ocorre em um momento em que referências ligadas à cultura brasileira voltam a ganhar protagonismo nas passarelas, nas redes sociais e nas coleções de diversas marcas, ampliando a conexão entre esporte, comportamento e consumo.

Brazil Core transforma camisa da Seleção em peça de moda

A principal característica da tendência conhecida como Brazil Core é a releitura contemporânea de símbolos nacionais tradicionalmente associados ao esporte.

A camisa da Seleção Brasileira, historicamente ligada aos gramados e aos dias de jogo, passou a ocupar espaço também em produções casuais, urbanas e até sofisticadas. O movimento ganhou força inicialmente nas redes sociais e se consolidou após celebridades nacionais e internacionais adotarem peças inspiradas no imaginário brasileiro.

Nesse contexto, influenciadoras e comunicadoras têm utilizado os jogos da Seleção como oportunidade para apresentar combinações que unem conforto, autenticidade e elementos fashionistas.

A comunicadora e criadora de conteúdo Livia Nunes afirma que a proposta passa por incorporar referências esportivas ao guarda-roupa já utilizado no cotidiano. Segundo ela, o uso das cores nacionais pode ocorrer de forma natural, sem que o visual fique restrito ao ambiente esportivo.

A estratégia reflete uma mudança importante no comportamento do consumidor de moda. Em vez de adquirir peças exclusivamente para eventos esportivos, cresce a busca por produtos capazes de transitar entre diferentes ocasiões de uso.

Estilo pessoal ganha protagonismo durante os jogos

Entre as personalidades que aderiram à tendência, a apresentadora e influenciadora Ana Paula Carneiro defende uma abordagem mais discreta.

Para ela, o equilíbrio entre elementos esportivos e o estilo individual é o que permite criar produções versáteis, capazes de funcionar tanto durante os jogos quanto em compromissos cotidianos.

Essa percepção acompanha uma transformação observada no mercado de moda nos últimos anos. O consumidor tem priorizado peças multifuncionais e de maior longevidade dentro do guarda-roupa, reduzindo a procura por produtos associados exclusivamente a eventos específicos.

A tendência também favorece marcas que conseguem desenvolver coleções inspiradas em grandes acontecimentos esportivos sem limitar sua utilização a um curto período.

Conforto e praticidade impulsionam escolhas

A empresária e influenciadora Cris Buffara destaca que conforto e praticidade permanecem como fatores centrais na hora de escolher um look para acompanhar as partidas.

Segundo ela, a camisa da Seleção continua sendo uma das peças mais simbólicas desse período, funcionando como um elemento capaz de representar o sentimento coletivo em torno da competição.

O comportamento observado por Buffara reflete uma realidade também percebida pelo varejo esportivo. Em anos de grandes torneios internacionais, a procura por produtos ligados à Seleção costuma registrar aumento significativo, beneficiando fabricantes, licenciados e redes varejistas.

Além do apelo emocional, essas peças ganharam relevância como item de moda, ampliando seu potencial de comercialização para além do público tradicionalmente interessado em futebol.

Milene Domingues aposta na tradição da camisa amarela

Entre as celebridades que optam pela abordagem clássica está a ex-jogadora Milene Domingues.

A ex-atleta escolheu a tradicional camisa amarela da Seleção como base para suas produções durante os jogos. A proposta combina o uniforme oficial com itens casuais, como jeans e tênis, além de permitir associações com peças mais modernas, incluindo saias e acessórios inspirados nas cores nacionais.

A escolha reforça o papel da camisa da Seleção como um dos produtos esportivos mais reconhecidos do país.

Para especialistas do setor, a força simbólica da peça ajuda a explicar sua capacidade de permanecer relevante mesmo diante das constantes transformações da indústria da moda.

Influenciadoras apostam em combinações não convencionais

A influenciadora Catarina Tourinho segue uma linha diferente.

Conhecida por produções mais ousadas, ela defende a combinação de camisetas inspiradas no universo esportivo com elementos tradicionalmente associados à moda feminina contemporânea, como rendas, minissaias e acessórios de destaque.

O resultado é um visual que mistura referências do streetwear com tendências observadas nas passarelas internacionais.

Essa abordagem tem encontrado espaço especialmente entre consumidores mais jovens, que buscam interpretações menos convencionais dos códigos esportivos.

A incorporação de peças esportivas em contextos urbanos vem sendo apontada por analistas do setor como uma das principais tendências do vestuário global na atualidade.

Empresárias aproveitam o torneio para fortalecer marcas

A competição também se tornou uma oportunidade para empresários e influenciadores ampliarem a visibilidade de suas marcas.

A empresária Karla Felmanas acompanha os jogos presencialmente e tem compartilhado produções inspiradas nas cores brasileiras durante sua passagem pelos Estados Unidos.

Ao mesmo tempo, a executiva utiliza peças de marcas de moda nacional em combinações que dialogam com o clima do torneio.

A movimentação evidencia como eventos esportivos de alcance global podem servir de plataforma para ampliar a exposição de marcas brasileiras em mercados internacionais.

O mesmo fenômeno é observado em diversos segmentos ligados ao consumo, incluindo acessórios, cosméticos e produtos licenciados.

Coleções inspiradas no Brasil ampliam presença no varejo

A empresária Letícia Vaz representa um dos exemplos mais claros da conexão entre moda e identidade nacional.

À frente da LV Store, a executiva desenvolveu uma coleção inspirada no Brazil Core, tendência que busca reinterpretar símbolos brasileiros sob uma ótica contemporânea.

Segundo a empresária, a proposta é criar peças capazes de funcionar além do período da competição esportiva, ampliando sua relevância dentro do guarda-roupa dos consumidores.

A estratégia acompanha um movimento observado em diferentes mercados internacionais, onde elementos culturais e identitários vêm sendo utilizados como ferramenta de diferenciação em um ambiente altamente competitivo.

Para o varejo de moda, esse posicionamento pode contribuir para aumentar o ciclo de vida dos produtos e reduzir a dependência de tendências de curto prazo.

Influenciadores transformam experiência da Copa em conteúdo digital

O ambiente digital também tem desempenhado papel central na disseminação das tendências associadas aos jogos da Seleção.

Criadores de conteúdo como Jon Vlogs utilizam suas plataformas para compartilhar experiências relacionadas ao torneio e apresentar diferentes propostas de vestuário ao público.

A cobertura em tempo real dos eventos amplia o alcance das tendências e acelera a circulação de referências visuais entre consumidores.

A dinâmica tem sido favorecida pelo crescimento das plataformas de vídeo curto e pela capacidade de influenciadores transformarem experiências esportivas em conteúdo de grande engajamento.

Presença da Seleção reforça conexão entre futebol, consumo e identidade nacional

Além dos influenciadores, empresários ligados ao esporte e ao entretenimento também têm utilizado o momento para reforçar vínculos com o público.

O empresário João Adibe apareceu utilizando peças em amarelo durante a partida anterior da Seleção, enquanto o influenciador Toguro optou por personalizar a camisa oficial com referências à sua marca pessoal.

As iniciativas demonstram como o futebol continua sendo uma das principais plataformas de expressão cultural e comercial do país.

A crescente integração entre esporte, moda, entretenimento e influência digital reforça uma tendência que deve permanecer relevante mesmo após o encerramento da competição. Em um ambiente cada vez mais conectado, a camisa da Seleção e os símbolos nacionais continuam exercendo papel estratégico na construção de identidade, posicionamento de marcas e comportamento de consumo, transformando os dias de jogo em uma vitrine para novas tendências do mercado fashion.

A conversa contou com a participação de Edmundo Lima, Marcos Gouvêa, Cinthia Kim, Juliano Ohta, Fábio Vasconcellos e Daniela Valadão. Ao longo do encontro, os debatedores avaliaram como a combinação entre carga tributária, custos produtivos, concorrência externa e insegurança regulatória tem afetado a capacidade de planejamento das empresas do setor.

O painel também reforçou a preocupação de entidades e empresas com a necessidade de maior previsibilidade nas regras que impactam a cadeia da moda. Para os participantes, o setor precisa de políticas públicas capazes de equilibrar a competição com produtos importados, preservar empregos formais e estimular investimentos na produção nacional.

Tributação entra no centro da discussão da moda brasileira

A tributação foi um dos principais temas do debate. Representantes do setor apontaram que as mudanças em curso no sistema tributário brasileiro devem ter impacto direto sobre varejistas, fornecedores, confecções, indústrias têxteis e empresas de logística.

A cadeia da moda é considerada uma das mais complexas do varejo, por envolver diferentes etapas produtivas, grande número de fornecedores, elevada intensidade de mão de obra e forte dependência de planejamento de estoque. Nesse contexto, alterações tributárias podem afetar desde a formação de preços até a margem operacional das empresas.

Os debatedores defenderam que o setor acompanhe de perto a implementação das novas regras fiscais, especialmente em relação aos efeitos sobre crédito tributário, regimes diferenciados, custos de produção e competitividade frente a produtos importados.

A preocupação central é evitar que a transição tributária amplie assimetrias já existentes no mercado. Empresas nacionais argumentam que operam sob uma estrutura de custos mais pesada, com encargos trabalhistas, exigências regulatórias, obrigações fiscais e custos logísticos que nem sempre recaem da mesma forma sobre plataformas estrangeiras de venda direta ao consumidor.

“Taxa das blusinhas” expõe disputa por isonomia competitiva

Outro ponto de destaque foi o impacto das medidas sobre importações de baixo valor. A chamada “taxa das blusinhas” passou a ocupar papel central no debate sobre competitividade no varejo de moda, especialmente diante do avanço de plataformas internacionais de comércio eletrônico.

Para empresas brasileiras, a tributação das compras internacionais de pequeno valor é vista como parte de uma discussão mais ampla sobre isonomia concorrencial. O argumento apresentado por representantes do setor é que produtos importados vendidos diretamente ao consumidor brasileiro devem estar sujeitos a regras equivalentes às enfrentadas por empresas instaladas no país.

A questão, porém, envolve equilíbrio delicado. De um lado, varejistas e indústrias nacionais defendem condições de concorrência mais justas. De outro, consumidores passaram a acessar produtos de baixo custo por meio de plataformas internacionais, o que ampliou a pressão sobre preços no varejo local.

No painel, os participantes indicaram que o tema não se limita à cobrança de imposto. A discussão envolve fiscalização, formalização, padrões de qualidade, segurança do consumidor, cumprimento de normas trabalhistas e impacto sobre a geração de empregos no Brasil.

Relações de trabalho pressionam indústria e varejo

As relações de trabalho também foram tratadas como um dos pontos sensíveis para a cadeia da moda. O setor emprega grande número de trabalhadores em diferentes etapas, incluindo produção têxtil, confecção, distribuição, lojas físicas, centros logísticos e comércio digital.

A formalização da mão de obra, a fiscalização das condições de trabalho e a adaptação a novas formas de contratação aparecem como temas recorrentes para empresas e entidades representativas. A cadeia da moda brasileira historicamente enfrenta desafios ligados à rastreabilidade produtiva, à terceirização e à necessidade de assegurar padrões adequados em toda a rede de fornecedores.

No debate, os participantes defenderam maior articulação entre empresas, entidades e poder público para evitar que novas obrigações ampliem a insegurança jurídica ou aumentem custos sem resolver problemas estruturais. A avaliação predominante foi a de que o setor precisa de regras claras, fiscalização eficiente e ambiente regulatório estável.

A previsibilidade foi apontada como condição essencial para que empresas consigam investir em tecnologia, qualificação profissional, expansão de lojas, modernização industrial e integração de cadeias produtivas.

Varejo enfrenta pressão de custos e mudança no consumo

O varejo de moda vive um cenário de transformação acelerada. Além da concorrência com plataformas internacionais, empresas brasileiras enfrentam mudanças no comportamento do consumidor, maior sensibilidade a preços e avanço do comércio digital.

A pressão sobre margens tem levado varejistas a revisar estoques, renegociar contratos, investir em canais digitais e buscar maior eficiência logística. Ao mesmo tempo, o consumidor exige preços competitivos, variedade, rapidez na entrega e melhor experiência de compra.

Esse ambiente aumenta o desafio para marcas nacionais. A moda é um setor fortemente dependente de escala, giro de estoque e capacidade de antecipar tendências. Qualquer aumento de custo tributário, trabalhista ou logístico pode comprometer a rentabilidade de empresas que já operam com margens pressionadas.

No painel, os debatedores destacaram que a competitividade da moda brasileira depende de uma agenda que combine modernização produtiva, ambiente regulatório previsível e políticas capazes de reduzir distorções competitivas.

Setor pede articulação entre empresas e poder público

Os participantes defenderam maior coordenação entre empresas, entidades representativas e governo na formulação de políticas para a moda brasileira. A avaliação é que os desafios do setor não podem ser tratados de forma isolada, porque envolvem tributação, emprego, comércio exterior, inovação, fiscalização e consumo.

A Associação Brasileira do Varejo Têxtil (ABVTEX) foi citada no contexto do debate como uma das entidades ligadas à agenda de competitividade e conformidade da cadeia. O setor tem buscado ampliar a interlocução institucional para garantir que as demandas da indústria e do varejo sejam consideradas nas discussões regulatórias.

Entre os temas considerados prioritários estão a redução de assimetrias competitivas, o combate à informalidade, o fortalecimento da produção nacional, a melhoria das condições de trabalho e a construção de regras mais claras para importações.

A mensagem central do encerramento do Inside Fashion Business foi a de que a moda brasileira precisa de uma estratégia de longo prazo para atravessar um ciclo de mudanças fiscais, tecnológicas e comerciais. Sem previsibilidade, empresas tendem a adiar investimentos, reduzir planos de expansão e operar com maior cautela.

Competitividade da moda depende de regras claras e planejamento

O debate no Inside Fashion Business reforçou que a agenda da moda brasileira deixou de ser apenas uma discussão sobre tendências, marcas e consumo. O setor passou a ocupar espaço relevante nas conversas sobre política tributária, comércio exterior, emprego e competitividade industrial.

A cadeia da moda reúne empresas de diferentes portes, desde grandes varejistas até confecções, fornecedores regionais, indústrias têxteis e pequenos negócios. Por isso, mudanças regulatórias podem ter efeitos amplos e desiguais, dependendo da capacidade financeira e operacional de cada empresa.

Para os participantes do painel, a construção de soluções conjuntas será decisiva para preservar a competitividade do setor nos próximos anos. A combinação entre concorrência internacional, custos internos elevados e transformação digital exige uma resposta coordenada entre mercado e governo.

O encerramento do evento deixou evidente que a moda brasileira busca mais do que adaptação às novas regras. O setor tenta construir uma agenda de previsibilidade, isonomia e fortalecimento produtivo para sustentar investimentos, empregos e competitividade em um mercado cada vez mais disputado.

]]> https://revistaestilo.com.br/nova-geracao-de-estilistas-brasileiros-moda-nacional Tue, 13 Jan 2026 18:16:16 +0000 https://revistaestilo.com.br/?p=130088 A nova geração de estilistas brasileiros redefine a identidade da moda nacional

Em um cenário global cada vez mais atento à autenticidade, à origem dos processos criativos e à coerência entre discurso e prática, a nova geração de estilistas brasileiros vem promovendo uma inflexão decisiva na forma como a moda nacional é percebida, produzida e consumida. Distante dos clichês tropicais que durante décadas marcaram a leitura internacional do Brasil, esse grupo de criadores constrói uma narrativa mais complexa, técnica e politicamente consciente, em que brasilidade deixa de ser ornamento para se tornar linguagem estrutural.

Neriage, Dendezeiro e Marina Bitu são expressões emblemáticas desse movimento. Cada uma dessas marcas, a partir de geografias, técnicas e referências distintas, contribui para um mesmo reposicionamento simbólico: o de um Brasil plural, sofisticado, experimental e intelectualmente engajado. A nova geração de estilistas brasileiros não busca apenas vestir corpos, mas reinterpretar territórios, tensionar estruturas históricas e atualizar o imaginário da moda nacional.

Brasilidade como método, não como estampa

O ponto de convergência entre esses criadores está na recusa à literalidade. A nova geração de estilistas brasileiros compreende a identidade nacional como processo, e não como símbolo fechado. Em vez de recorrer a cores óbvias, grafismos folclóricos ou narrativas exóticas, esses designers operam a brasilidade a partir de escolhas técnicas, materiais e conceituais.

Essa abordagem reflete uma maturidade criativa que dialoga com o que há de mais contemporâneo no sistema internacional de moda. O Brasil apresentado por essa geração é múltiplo, urbano, periférico, sofisticado e profundamente conectado à memória coletiva, sem se tornar refém dela.

Neriage: a matéria como território criativo

A trajetória de Rafaella Caniello, diretora criativa da Neriage, exemplifica com precisão esse novo paradigma. Inserida no contexto da nova geração de estilistas brasileiros, a criadora desenvolve um trabalho centrado na pesquisa de materiais, tratando o tecido não como suporte, mas como origem do pensamento criativo.

Na Neriage, a moda nasce da escuta atenta da matéria-prima. Peso, tensão, resistência e fluidez orientam o desenho das peças, que se estruturam por meio de plissados, volumes e construções que desafiam a noção tradicional de forma. A brasilidade, nesse contexto, emerge de maneira sutil, incorporada ao gesto técnico e à sensibilidade do processo.

Ao equilibrar rigor industrial e manualidade artesanal, a marca reafirma um dos traços centrais da nova geração de estilistas brasileiros: a valorização do fazer como discurso. Não se trata de exaltar o artesanal como fetiche, mas de integrá-lo a uma lógica contemporânea de produção, em que imperfeições, variações e texturas são compreendidas como potência estética.

Técnica, corpo e sensibilidade brasileira

Para Rafaella, ser brasileira não está ligado a signos reconhecíveis, mas a uma relação específica com o corpo e o movimento. Essa leitura dialoga diretamente com o espírito da nova geração de estilistas brasileiros, que enxerga na fluidez, na espontaneidade e na liberdade formal elementos estruturantes da identidade nacional.

As construções da Neriage revelam um Brasil que se afirma pela sofisticação técnica, pela pesquisa aprofundada e pela capacidade de transformar matéria em narrativa. É uma moda que exige tempo, atenção e leitura crítica, atributos cada vez mais valorizados em um mercado saturado de imagens rápidas e descartáveis.

Dendezeiro: Salvador como centro, não periferia

Se a Neriage parte da matéria, a Dendezeiro parte do território. Criada por Hisan Silva e Pedro Batalha, a marca é um dos exemplos mais contundentes de como a nova geração de estilistas brasileiros vem redesenhando o mapa simbólico da moda nacional. A partir de Salvador, a Dendezeiro constrói um vocabulário próprio, que trata o Norte e o Nordeste como centro de produção cultural e não como fonte secundária de inspiração.

As coleções da marca operam no campo da moda contemporânea com forte carga política, questionando padrões de gênero, raça e classe. Ao fazer isso, a Dendezeiro materializa um princípio central da nova geração de estilistas brasileiros: a inclusão como prática concreta, visível na modelagem, nos castings e na construção narrativa.

Moda como afirmação de existência

Durante décadas, expressões culturais do Norte-Nordeste foram apropriadas sem reconhecimento autoral. A ascensão da Dendezeiro rompe com essa lógica ao inserir criadores baianos no circuito internacional de moda como autores, e não apenas como referências estéticas.

Esse movimento é fundamental para entender o impacto da nova geração de estilistas brasileiros. Ao ocupar grandes plataformas e desfiles, a Dendezeiro reafirma que a moda brasileira não é homogênea e que sua força está justamente na diversidade de corpos, histórias e territórios que a compõem.

A marca transforma Salvador em lente, atitude e presença, redefinindo o que se entende por moda nacional contemporânea e reposicionando o Brasil no debate global sobre identidade e criação.

Marina Bitu: ancestralidade como sofisticação contemporânea

Outro eixo fundamental da nova geração de estilistas brasileiros é a obra de Marina Bitu. A estilista constrói uma moda que traduz o Nordeste por meio de materiais naturais, processos artesanais e uma estética arquitetônica refinada. Suas criações dialogam com a ancestralidade sem recorrer ao folclore, estabelecendo uma ponte sólida entre tradição e desejo contemporâneo.

O trabalho com palha de bananeira, desenvolvido em parceria com artesãs do interior do Ceará, exemplifica essa abordagem. O diálogo técnico entre design e saber tradicional resulta em peças que carregam identidade territorial e, ao mesmo tempo, respondem às exigências do mercado internacional de luxo.

Artesanato, mercado e desejo global

Ao lado de sua sócia, Cecília Baima, Marina demonstra que a moda autoral pode ser economicamente viável sem abrir mão de profundidade conceitual. Esse equilíbrio é uma das marcas mais relevantes da nova geração de estilistas brasileiros, que entende o mercado não como antagonista da criatividade, mas como campo de negociação estratégica.

A sofisticação das peças, aliada à força narrativa dos materiais, posiciona a marca em um patamar competitivo globalmente. Trata-se de uma moda que comunica brasilidade de forma madura, reconhecível e desejável em diferentes contextos culturais.

Um novo entendimento de moda brasileira

O trabalho de Neriage, Dendezeiro e Marina Bitu evidencia que a nova geração de estilistas brasileiros está redefinindo os fundamentos da moda nacional. A identidade brasileira deixa de ser um repertório fixo de símbolos para se tornar um campo aberto de experimentação, memória e posicionamento político.

Essa geração opera a moda como ferramenta de leitura do mundo. Cada escolha de tecido, cada decisão de modelagem e cada narrativa construída revela uma compreensão profunda do Brasil contemporâneo: múltiplo, contraditório, técnico e historicamente situado.

Moda, memória e futuro

Ao revisitar técnicas, reposicionar geografias e atualizar processos, a nova geração de estilistas brasileiros constrói um legado que vai além das tendências sazonais. Trata-se de um movimento que insere a moda no centro do debate cultural, econômico e simbólico do país.

Mais do que redefinir a estética nacional, esses criadores estão ampliando o entendimento sobre quem somos e como queremos ser vistos. A moda brasileira, sob esse novo olhar, afirma-se como campo de pensamento, inovação e identidade em constante construção.

O retorno do Rio Fashion Week ao calendário oficial da moda brasileira marca um dos movimentos mais simbólicos e estratégicos da indústria criativa nacional na última década. Após mais de dez anos fora do circuito, o evento volta a ser realizado entre os dias 15 e 18 de abril de 2026, tendo o Píer Mauá como palco central, em uma edição que reúne cerca de 30 marcas e sinaliza uma nova fase para a moda no Rio de Janeiro e no Brasil.

Mais do que a simples retomada de um evento consagrado, o Rio Fashion Week representa a reconstrução de um ecossistema que conecta criação, economia, cultura, território e formação profissional. A capital fluminense, historicamente associada à estética, ao comportamento e à inovação cultural, volta a ocupar um espaço estratégico no mapa da moda nacional, em diálogo direto com os grandes centros criativos do país.

O significado do retorno do Rio Fashion Week após uma década

A ausência prolongada do Rio Fashion Week deixou uma lacuna evidente no calendário brasileiro de moda. Durante esse período, o setor passou por profundas transformações, impulsionadas por novas tecnologias, mudanças de consumo, valorização da sustentabilidade e fortalecimento da economia criativa. O retorno do evento ocorre justamente em um momento em que a moda busca novos formatos, narrativas mais autênticas e maior conexão com a sociedade.

A retomada do Rio Fashion Week não se limita à nostalgia. Ela surge estruturada sobre bases contemporâneas, alinhada às demandas atuais do mercado e à necessidade de reposicionar o Rio de Janeiro como polo criativo, produtivo e simbólico da moda brasileira. Trata-se de um movimento que dialoga com o presente e projeta o futuro do setor.

O Píer Mauá e a ocupação simbólica da cidade

A escolha do Píer Mauá como sede principal do Rio Fashion Week carrega um forte valor simbólico. Inserido na região do Porto Maravilha, o espaço representa a revitalização urbana e a reconexão da cidade com seu território histórico. Ao ocupar esse cenário, o evento reforça a ideia de que a moda é também uma linguagem urbana, capaz de ressignificar espaços e narrativas.

Além do Píer Mauá, a programação do Rio Fashion Week prevê desfiles e ativações em outros pontos emblemáticos da cidade, promovendo uma ocupação criativa do Rio de Janeiro. A cidade deixa de ser apenas pano de fundo e passa a integrar o conceito do evento, reforçando a identidade carioca como elemento central da experiência.

Integração com a São Paulo Fashion Week e o calendário nacional

Um dos pilares estratégicos desta nova fase do Rio Fashion Week é sua integração direta com o calendário nacional de moda, em articulação com a São Paulo Fashion Week. A proposta estabelece uma dinâmica semestral entre as duas capitais, criando um fluxo contínuo de lançamentos, visibilidade e oportunidades de negócios para as marcas brasileiras.

Essa coordenação fortalece o setor ao ampliar janelas de exposição e evitar a concentração excessiva de eventos em um único polo. O Rio Fashion Week passa a desempenhar um papel complementar e estratégico, contribuindo para a consolidação de um calendário mais equilibrado e competitivo, tanto no cenário nacional quanto internacional.

Impacto econômico e geração de empregos

O retorno do Rio Fashion Week também se destaca pelo impacto econômico projetado. Estimativas da Prefeitura do Rio indicam que o evento poderá movimentar mais de R$ 200 milhões, impulsionando setores como hotelaria, transporte, alimentação, turismo, produção cultural e serviços especializados.

Além do impacto financeiro direto, o Rio Fashion Week deve gerar cerca de 8 mil empregos diretos e indiretos. Esse efeito multiplicador alcança profissionais de diferentes áreas da cadeia produtiva da moda, desde costureiras e modelistas até produtores, técnicos, designers, profissionais de comunicação e trabalhadores do setor de eventos.

A repercussão midiática também figura como um dos ativos centrais do evento. A expectativa é de ampla visibilidade nacional e internacional, com forte potencial de mídia espontânea, fortalecendo a imagem do Rio de Janeiro como cidade criativa e destino estratégico da moda.

Moda, cultura e experiência ampliada

O Rio Fashion Week retorna com uma proposta que extrapola os desfiles tradicionais. A programação inclui atividades culturais, musicais e gastronômicas, criando uma experiência ampliada que dialoga com diferentes públicos e linguagens. A moda é apresentada como parte de um ecossistema cultural mais amplo, em sintonia com a identidade da cidade.

Essa abordagem fortalece a percepção da moda como expressão cultural e econômica, capaz de gerar impacto social e simbólico. O Rio Fashion Week se posiciona como um evento de experiência, no qual criação, entretenimento e reflexão convivem de forma integrada.

Formação profissional e legado social

Um dos diferenciais mais relevantes do Rio Fashion Week está na construção de um legado social estruturado. A organização do evento prevê programas de capacitação voltados a jovens e profissionais em início de carreira, abrangendo áreas como costura, modelagem, produção de moda e logística de eventos.

Essas iniciativas visam fortalecer a base produtiva local e ampliar o acesso às profissões da moda, criando oportunidades reais de inserção no mercado de trabalho. O Rio Fashion Week assume, assim, um compromisso com o desenvolvimento humano e social, alinhando-se a práticas contemporâneas de responsabilidade social e sustentabilidade.

Valorização da moda brasileira e novos talentos

A edição de 2026 do Rio Fashion Week reunirá marcas consolidadas e novos nomes do mercado, refletindo a diversidade criativa da moda brasileira. O evento se consolida como uma vitrine estratégica para estilistas autorais, propostas inovadoras e narrativas que dialogam com identidade, território e cultura.

Ao estimular o encontro entre diferentes gerações e perfis criativos, o Rio Fashion Week contribui para a renovação do setor e para o fortalecimento da moda nacional como linguagem contemporânea e competitiva. A pluralidade estética e conceitual se torna um dos principais ativos do evento.

Sustentabilidade e economia criativa

O retorno do Rio Fashion Week ocorre em um contexto de crescente valorização da sustentabilidade e da economia criativa. A moda brasileira, cada vez mais atenta às questões ambientais, sociais e produtivas, encontra no evento um espaço para discutir novos modelos de criação, produção e consumo.

O Rio Fashion Week se alinha a essas transformações ao promover práticas mais conscientes e ao estimular o debate sobre o futuro da indústria. O evento se apresenta como plataforma de reflexão e inovação, conectando moda, tecnologia, cultura e impacto social.

Projeção internacional e imagem do Brasil

A retomada do Rio Fashion Week também fortalece a projeção internacional da moda brasileira. O Rio de Janeiro, reconhecido globalmente por sua estética, diversidade cultural e criatividade, volta a ocupar espaço no circuito internacional de eventos de moda.

O Rio Fashion Week amplia o interesse de compradores, jornalistas e formadores de opinião estrangeiros, contribuindo para a internacionalização das marcas brasileiras. O evento reforça o Brasil como um polo criativo relevante, capaz de dialogar com tendências globais sem perder sua identidade.

Um novo capítulo para a moda no Rio de Janeiro

Mais do que um retorno, o Rio Fashion Week inaugura um novo capítulo para a moda no Rio de Janeiro. A combinação entre impacto econômico, formação profissional, ocupação urbana e valorização cultural aponta para um modelo de evento alinhado às exigências contemporâneas do setor.

Ao reconectar moda, cidade e sociedade, o Rio Fashion Week reafirma o papel do Rio como centro criativo estratégico. A edição de 2026 simboliza a retomada de um protagonismo histórico, agora sustentado por bases sólidas, visão de futuro e compromisso com o desenvolvimento da moda brasileira.

O estilista Amir Slama marcou seu retorno triunfante à São Paulo Fashion Week (SPFW N60) com um desfile memorável que celebrou 35 anos de moda praia e reafirmou sua importância como um dos grandes nomes da moda brasileira. Conhecido como o criador da categoria beachwear de alta moda, Slama apresentou uma coleção que combinou memória, inovação e ativismo ambiental — um tributo à sua própria trajetória e à força criativa da Amazônia.

O desfile, realizado no dia 19 de outubro, reuniu um casting estrelado com nomes icônicos das passarelas, como Claudia Liz, Isabella Fiorentino, Gianne Albertoni, Pathy Dejesus, Cassia Ávila e Vivi Orth, em uma atmosfera nostálgica e ao mesmo tempo vanguardista.

Um retorno que faz história

A presença de Amir Slama no SPFW N60 carrega um simbolismo especial. O estilista participou da primeira edição do evento, ainda sob o nome Morumbi Fashion, com sua icônica marca Rosa Chá. Desde então, sua trajetória se entrelaça à própria história da moda nacional, com desfiles que sempre aliaram sensualidade, brasilidade e sofisticação técnica.

Dessa vez, Slama optou por revisitar os marcos de sua carreira sob uma nova perspectiva. A coleção propôs um diálogo entre passado e presente, entre o Brasil moderno e o Brasil ancestral, e mostrou como o olhar contemporâneo da moda pode se reconectar com suas raízes culturais e ambientais.

A Amazônia como inspiração central

Nos últimos anos, Amir Slama tem se dedicado a pesquisas na Amazônia, viajando para a região em busca de vivências e referências autênticas. Essa imersão se tornou o fio condutor da coleção apresentada no SPFW N60, que reflete o contato direto do estilista com a riqueza da natureza brasileira, sua diversidade de cores, texturas e formas orgânicas.

Durante o desfile, foi apresentada a primeira “tree-shirt” da campanha — uma camiseta especial com propósito sustentável: para cada unidade vendida, uma árvore será plantada no território Paiter Suruí, em Rondônia. A ação será realizada em colaboração com o programa Pamine Reforestation, responsável por mais de 1 milhão de árvores plantadas na região.